프로덕션 디자인 기반 미술 수업 참여 고등학생의 스토리텔링 경험에 관한 질적 사례연구

Abstract

현대사회에서는 타인과 효과적으로 소통하고 개인의 의견을 설득력 있게 전달할 수 있는 능력이 중요하게 여겨지고 있다. 그중 스토리텔링 능력은 단순한 정보 전달을 넘어 개인의 경험과 감정을 구조화하여 타인에게 전달하는 능력으로, 정서적 공감과 사회적 소통을 이끌어내는 전략으로 각광받고 있다. 이러한 배경 속에서 본 논문은 시각 기반 표현의 하나인 ‘프로덕션 디자인’을 활용하여 고등학생의 스토리텔링 능력을 증진시키는 미술 교육의 가능성을 탐색하고자 하였다. 기존의 스토리텔링 교육은 주로 언어 중심의 수업에서 이루어져 왔거나, 초·중등 학습자를 대상으로 감상 중심의 접근에 치우친 한계가 있었다. 또한 스토리텔링을 독립적인 역량으로 설정하고 이를 미술 수업과 연계하여 학습자의 자기 이해, 정체성 성찰, 소통 능력 향상을 도모하는 연구는 부족한 실정이다. 이에 본 연구는 자아 정체성 형성과 표현적 자각이 중요한 시기인 고등학생을 대상으로, 프로덕션 디자인 기반의 수업을 통해 스토리텔링 경험을 질적 사례연구 방법을 활용하여 탐색하는 것을 목적으로 한다. 프로덕션 디자인은 영화 제작에서 시나리오의 주제와 정서를 관객에게 시각적으로 전달하기 위한 공간, 색채, 조명, 소품 등 눈에 보이는 모든 시각적 요소를 설계하는 과정이다. 본 연구에서는 이러한 프로덕션 디자인의 요소를 미술 수업에 도입함으로써 학습자가 자신의 내러티브를 시각적으로 구성하고 표현해 나가는 과정을 중심으로 수업을 설계하였다. 수업은 한국영화박물관（2023）에서 제시한 프로덕션 디자인의 단계인 분석–디자인–제작 단계의 흐름을 반영하여 총 18차시로 구성되었으며, 로그라인 작성, 이미지 보드 제작, 컨셉 아트 드로잉 등의 활동을 포함하고 있다. 연구 참여자는 서울 소재 예술고등학교에 재학 중인 2학년 미술과 학생 3명으로, 일정 수준 이상의 조형 표현 능력과 미술 수업에 대한 적응력이 있는 학습자들로 구성되었다. 연구자는 총 18차시의 블록 타임 수업을 진행하며, 수업 전후의 심층 면담, 수업 관찰, 학습자의 실기작품, 활동지 등의 질적 자료를 수집하였다. 특히 심층 면담은 수업 직후 개인별로 진행되었으며, 미술교육 핵심 역량과 비주얼 리터러시 관점이 반영된 질문을 중심으로 구성되었다. 또한 수업 참여자의 언어적·비언어적 반응, 정서의 변화, 사고의 구성 양상을 종합적으로 탐색하기 위해 풍부한 기술적 서술（thick description）을 활용하였다. 수집된 자료는 반복적 비교분석법에 따라 개방 코딩을 중심으로 분석되었으며, 이야기 경험, 소통 능력, 내면 구성이라는 상위범주 하에 세부 중·하위범주가 도출되었다. 이를 통해 본 연구는 참여자가 수업 과정에서 경험한 인식의 변화, 표현 방식의 확장, 타자와의 관계 형성 방식 등을 심층적으로 조망하였다. 연구 결과, 프로덕션 디자인 기반의 미술 수업은 학습자의 시각적 스토리텔링 능력을 다면적으로 향상시키는 데 교육적 효과를 보였다. 첫째, 학습자는 자신의 내면 감정이나 경험을 조형 요소를 통해 이야기화하는 과정을 거치며 추상적인 감정과 기억을 시각 언어로 실체화함으로써 스스로를 이해하고 재구성하는 자기 인식과 정체성 탐색의 경험을 하였다. 둘째, 수업은 학습자 간의 시각적 소통을 촉진하고, 자신의 시각적 해석이 타인의 해석과 어떻게 다를 수 있는지를 경험하게 하며 관점의 다양성과 표현의 유연성에 대한 공감적 사고를 유도하였다. 셋째, 언어적 표현에 한계를 느끼는 학습자도 조형적 기호와 시각적 내러티브를 통해 자신의 이야기를 설득력 있게 구성하고 공유할 수 있었으며, 이는 비언어적 표현 방식의 교육적 가능성을 부각시켰다. 넷째, 예술 기반의 시각적 서사 구성 활동을 통해 학습자들은 단순한 결과물 중심의 미술 수업이 아닌 내면의 객관화, 기억에 대한 재해석, 정체성의 시각적 탐색, 사회적 맥락에 대한 자각 등 심화된 사고와 반성적 성찰을 경험하게 되었다. 이처럼 본 수업은 시각 기반 서사를 중심으로 한 내러티브 구성 활동이 학습자의 인지, 정서, 사회적 역량을 통합적으로 신장시키는 데 유의미한 교육적 가능성을 지닌다는 점에서 그 의의를 갖는다. 그러나 본 연구는 예술고등학교 미술과 학생을 대상으로 하였기 때문에, 일반 고등학생이나 조형 능력이 낮은 학습자에게도 동일한 교육 효과가 재현될 수 있는지에 대한 확장 가능성에는 한계가 있다. 또한 비교 집단이 존재하지 않는 질적 사례연구의 특성상 수업의 효과를 일반화하기에는 제한이 있으며, 연구자의 해석에 대한 주관성의 개입 가능성도 내포하고 있다. 그럼에도 불구하고 본 연구는 스토리텔링이라는 복합적 능력에 대해 시각적 언어 기반의 미술 수업을 통해 접근하고, 그 경험의 양상과 의미를 질적으로 탐색하였다. 특히 프로덕션 디자인이라는 매체 기반 시각 언어를 통해 고등학생이 자기 정체성을 탐색하고, 타인과 시각적으로 소통하는 과정을 경험한 본 연구는 시각문화미술교육, 예술기반 내러티브 교육 등 다양한 확장적 관점을 제시할 수 있는 기초 자료가 된다. 앞으로의 연구에서는 보다 다양한 학습자 집단을 대상으로 한 연구 확장과, 수업 설계 요소에 따른 스토리텔링 효과의 차이를 비교하는 후속 연구가 필요하며, 나아가 교육 현장에 적용 가능한 구체적인 교수-학습 자료의 개발로 이어지는 실천적 논의를 제안한다.;In contemporary society, the ability to communicate effectively with others and convey one's opinions persuasively is increasingly emphasized. Among such capabilities, storytelling stands out as a strategy that extends beyond simple information delivery; it enables individuals to structure and convey personal experiences and emotions, thereby eliciting emotional empathy and facilitating social interaction. Against this backdrop, this study aims to explore the educational potential of visual arts instruction that utilizes production design—a visual narrative approach commonly employed in film—to enhance high school students' storytelling abilities. Previous storytelling instruction has largely been language-centered and has often focused on appreciation rather than expression, especially in elementary and middle school settings. Moreover, there is a notable lack of research that positions storytelling as an independent competency and integrates it into art education as a way to foster students' self-understanding, identity formation, and communication skills. To address this gap, this study targets high school students, for whom the development of self-identity and expressive awareness is especially critical. The study adopts a qualitative case study methodology to investigate the storytelling experiences facilitated through a production design-based art class. Production design refers to the planning and creation of all visible elements in a film—such as space, color, lighting, and props—to visually communicate the themes and emotions of a screenplay. In this study, such elements were integrated into an 18-session art program consisting of activities such as writing loglines, creating image boards, and drawing concept art. The course design followed the “analysis–design–production” phases as proposed by the Korean Film Museum （2023）. The participants were three second-year students majoring in fine arts at an arts high school in Seoul, all of whom demonstrated a certain level of proficiency in visual expression and adaptability to art instruction. The researcher conducted all 18 sessions in a block-time format and collected qualitative data through in-class observations, student artworks, activity sheets, and post-class in-depth interviews. The interviews were guided by key questions grounded in core competencies of art education and visual literacy. Rich thick descriptions were employed to examine verbal and nonverbal responses, emotional changes, and cognitive processes. Using open coding and a constant comparative analysis method, the data were categorized into three overarching domains: storytelling experience, communication ability, and inner reflection, each encompassing multiple subcategories. The results demonstrate that a production design-based art class can significantly enhance students’ visual storytelling capabilities. First, learners were able to transform abstract emotions and memories into visual language through structured storytelling, thereby engaging in self-recognition and identity exploration. Second, the class promoted visual communication among students and fostered empathetic thinking by exposing them to diverse perspectives and interpretations. Third, the visual narrative format allowed students who struggled with verbal expression to effectively construct and share their stories. Lastly, the program facilitated deeper cognitive and reflective thinking, including objectification of emotions, reinterpretation of memories, visual exploration of identity, and recognition of social context. However, the study has limitations. Since it focused on art high school students, its findings may not be generalizable to general high school students or those with limited visual expression experience. Additionally, as a qualitative case study without a control group, the results are not universally applicable, and researcher subjectivity may have influenced interpretation. Nevertheless, the study presents a valuable qualitative exploration of how storytelling—a multifaceted competency—can be cultivated through visual language in art education. By facilitating visual communication and identity formation through the medium of production design, this research contributes foundational insights to the fields of visual culture art education and narrative-based art instruction. Future research should examine broader student populations, compare the effects of various instructional design elements on storytelling outcomes, and develop practical, field-applicable instructional materials for implementation in diverse educational contexts.