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리처드 프린스(Richard Prince)의 차용작업에 나타나는 해체적 속성

Title
리처드 프린스(Richard Prince)의 차용작업에 나타나는 해체적 속성
Other Titles
The Deconstructive Characters in Richard Prince’s Appropriation Works
Authors
강민지
Issue Date
2012
Department/Major
대학원 미술사학과
Publisher
이화여자대학교 대학원
Degree
Master
Advisors
윤난지
Abstract
본 논문은 리처드 프린스(Richard Prince, 1949- )의 차용작업을 20세기 모더니즘의 대전제에 대한 해체적 시도라는 관점에서 규명하고자 한 연구이다. 1970년대 후반부터 프린스는 기존하는 잡지나 단행본으로부터 광고의 이미지를 재촬영한 작업을 발표하였고, 이후 산업오브제와 농담, 그리고 미술사의 대표적인 이미지에 이르기까지 대중문화와 고급미술의 경계를 넘나드는 다양한 차용작업을 제시해왔다. 이러한 그의 작업은 원본성과 저작권의 문제를 불러일으키며 미술계의 내·외부에서 큰 논란이 되어왔다. 그러나 본고는 프린스의 차용작업을 모더니즘 이후 1970년대 중엽부터 등장한 포스트모던 미술의 한 전략으로 보고, 그것이 모더니즘의 원본성과 매체순수성, 그리고 형식주의 신화를 해체하는 과정을 살펴보았다. 19세기부터 20세기 중엽에 이르기까지 모더니즘 미술은 ‘예술의 자율성’이라는 일관된 목표 하에 형식실험을 계속해왔다. 이는 17세기에 등장한 서구 근대철학의 대전제였던 합리적 주체관에 근거한 것으로, 외부세계의 재현적 표현이나 서술적인 설명에 몰두했던 이전의 예술관행으로부터 벗어나고자 한 새로운 도전이었다. 그리하여 모더니즘 시기의 미술은 예술가 주체와 세계의 본질에 대한 표상으로 여겨지며 작가는 곧 작품이라는 원본성(originality)의 신화를 창조하였다. 특히 미국의 비평가 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)는 인간 이성과 합리적인 인식체계를 강조하며 형식주의(formalism) 미술론을 정립하였고, 이후 마이클 프리드(Michael Fried)는 그의 이론을 발전시켜 예술이 지향해야 할 목표로 매체순수성(media purity)의 개념을 제시하였다. 그러나 이러한 원본성, 매체순수성, 형식주의에 대한 맹목적인 지향은 미술을 이차원의 캔버스 평면으로 한정지음으로써 사회·문화적 맥락과는 별개의 자족적인 형식으로 귀결시키는 결과를 낳았다. 이로써 ‘빈 형식’으로 치달은 모더니즘 미술은 스스로 그토록 부정한 비순수한 일상의 영역과 맞닿게 되는 모순으로 수렴되었다. 1976년에 데뷔한 프린스는 당시 부흥한 포스트모더니즘 논의들을 토대로 차용의 방식을 적극 이용하여 모더니즘의 전제들을 다각도로 비판하는 작업을 선보였다. 이러한 그의 작업은 1980년대에 등장한 포스트모던 사진이나 모조주의(Simulationism) 작가들보다 앞선 1970년대 후반부터 시작된 것이다. 그는 현대사회를 포화시킨 일회적 이미지와 상품들을 재활용하여, ‘창조성’으로 대변되는 전통적인 예술가상을 허물고, 회화와 조각, 사진, 건축에 이르기까지 다양한 장르를 왕래하며 매체순수성의 신념을 와해시킨다. 또한 모더니즘의 형식주의 신화를 재고하는 그의 작업은 당대의 농담들에 주목함으로써 미술을 사회적 맥락을 구성하는 일종의 텍스트로 읽어낸다. 1980년대 초부터 프린스는 신디 셔먼(Cindy Sherman), 셰리 르빈(Sherrie Levine), 잭 골드스타인(Jack Goldstein) 등과 함께 ‘픽처스 세대(Pictures Generation)’로 분류되어 차용미술의 대표적인 인물로 거론되었다. 이들 차용작가들은 공통적으로 당대에 부상한 후기구조주의적 방법론을 기본입장으로 취하여, 세계의 본질을 파악하고 이루는 근원으로서 받아 들여져온 일관된 주체의 죽음을 선언하였다. 프린스의 작업은 차용의 방식을 통하여 창조의 근원이 되어온 작가주체를 허구로 돌리고, 그 작품이 외부의 맥락(context)에서 끌어온 텍스트(text)임을 시연한다는 점에서 동시대 작업들의 연장선상에 놓인다. 이러한 그의 전략은 특히 20세기 초에 레디메이드(ready-made)를 제시하여 미술의 새로운 방향을 제시한 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)에게서 그 전조를 찾을 수 있다. 본 논문은 리처드 프린스의 차용작업이 전통적인 예술개념을 다각도로 해체하고 있다는 가정에서 출발하였다. 프린스의 전략에 대한 세부적인 분석은 그것이 모더니즘 신화를 재고찰하고 반성하여 자기모순에 빠진 미술에 새로운 장을 마련하려는 시도임을 알게 한다. 프린스의 차용작업은 다층적인 실험과 도전을 통하여 모더니즘의 종말에 대처하는 계기를 마련하는 한편, 변화된 사회현실을 반영하는 새로운 미술의 가능성을 일깨워주는 것이다. 이러한 점에서 프린스는 모더니즘 이후 미술이 공유하였던 해체적 정신을 광범위한 차용의 전략 속에 구현해낸 실천적 작가로 평할 수 있다.;This study aims to closely examine the appropriation work of Richard Prince (1949-) in the viewpoint of deconstructive gesture to the major premise of modernism in the 20th century. Since the late 1970s, Prince showed a work taking the images of advertisements are from the existing magazines or books. And later he has been absorbed in a variety of appropriation work with the pop culture and high-class fine arts ranging from industrial objet and jokes to representative images in art history. Prince’s appropriation work has been greatly criticized so far in the inside and outside of the art circles causing the issues of originality and copyrights. However, this article viewed the work of Prince as a strategy of postmodernism that appeared since the mid-1970s after modernism, and examined the process of reconsidering and deconstructing the myth of modernism of originality, media purity and formalism. Since the 19th century until the mid-20th century, the modernism art continuously performed the experiments on forms with the consistent goal of 'autonomy of art'. This was based on the view of rational subject, which was the major premise of the Western modern philosophy of the 17th century, and was an attempt to escape the previous art practices that were immersed in the representational expressions or descriptive explanations of the external world. Therefore, the art in the period of modernism was considered as the symbol of the artist subject and true nature of the world, and created the myth of originality that means that the artist ‘is’ the work. In particular, Clement Greenberg, an American art critic, respected the rational cognitive system of human beings and established the art theory of formalism. And afterwards Michael Fried developed Greenberg’s theory and emphasized the media purity as a goal that art should aim for. However, this blind orientation to originality, media purity and formalism limited the fine arts to the two-dimensional plane canvas resulting in a self-sufficient form severed from the social and cultural context. Thus, the modernist art, which ran up to an empty form, came to the contradiction to touch with the impure area of daily life that it had denied so much. Prince, who made his debut in 1976, actively used the method of appropriation for criticizing the premises of modernism from various angles, along with the discussions of postmodernism which revived at that time. This is earlier than that of postmodern photographers or simulationism artists that appeared in the 1980s. Prince pulls down the traditional idea of artist, which has been represented by 'creativity', with recycling the images floating in the modern society, and strongly resists the myth of media purity with diverse media such as photographs, pictures, sculptures, and installations as the tools. In addition, his work, introduces the jokes of the times into the canvas and thereby reads the abstraction of formalism as a sort of text composing the social context. Through this tries, Prince reconsiders the myth of formalism of modernism. Since the 1980s, Prince was classified as ‘Pictures Generation’ together with Cindy Sherman, Sherrie Levine, Jack Goldstein and so on and emerged as the representative figure of appropriation art. These appropriation artists commonly took the methodology of post-structuralism as the basic position, and declared death to the consistent subject as the origin to grasp and make the true nature of the world. In this context, Prince takes the idea of artist with the method of appropriation, and demonstrates that the work is a text drawn from an external context. In particular, the sign of his strategy can be found in Marcel Duchamp who presented a new direction of fine arts with ready-made in the early 20th century. This study started from the assumption that the appropriation work of Richard Prince is deconstructing the traditional concept of art from various angles. The detailed analysis on his appropriation strategy informs that the work of Prince is a gesture that reconsiders and reflects on the myth of modernism, which came to an end contradicting itself. In this sense, Prince can be judged as a practical artist who realized the deconstructive spirit, which the arts shared since the mid-20th century. However, it cannot be concluded that he presents only a destructive gesture turning every value composing the world into nothing, just because his work involves the theme of ‘deconstruction’. Prince can be understood to have arranged the opportunity to deal with the end of modernism through appropriation and, at the same time, opened our eyes to the possibility of a new art at the end of the century through multilayered experiments and challenges.
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