피아노 중급학습자의 표현력 향상을 위한 테크닉 연구

Abstract

본 연구는 피아노 중급학습자의 표현력 향상을 위한 테크닉 연구로서 J. W. 베스틴의 분류를 토대로 피아노 교습을 시작한지 4년～6년정도 되는 중급수준의 학생이 습득해야할 여러 테크닉의 유형을 생리 신체학적 측면에 따른 테크닉 이외에 선율인지와 윤곽이론, 조성과 화성의 색채감 표현하기 등을 더하여 테크닉의 기술성과 예술성이 조화롭게 향상될 수 있는 방법을 제시하는 것을 목적으로 한다. 본 연구에서는 19C 전기낭만파의 작곡가인 스테판 헬러(Stephen Heller, 1813-1888)의 Op. 45「25개의 연습곡 ‘프레이즈의 예술을 위한 도입서’」(25 Études ‘Introduction à l'art du phrasé’)를 연구과제로 선택하였다. 이는 우리나라에서 사용되는 기존의 중급 테크닉 교재들이 주로 손가락 중심의 기술력 향상에 중점을 두고 있기 때문에 기술적인 부분만이 아니라 예술적인 표현방법을 보강할 수 있는 교재의 도입이 시급하다고 사료되었기 때문이다. 헬러의 연습곡집 Op. 45의 25곡은 모두 표제가 있는 성격소품으로 학습자의 흥미를 유발할 수 있으며, 회화적 표현력 등을 향상시키는데 도움이 된다. 또한 주로 ABA의 가곡형식을 띠고 있어 그 구조와 흐름을 파악하는 것이 용이하므로 중급학습자에게 적당한 교재라 사료된다. 본론에서는 죠르지 산도르(Gyorgy Sandor)를 비롯한 여러 20세기 교수학자가 주장한 테크닉 방법론 중 신체 움직임과 관련된 테크닉 유형을 아티큘레이션과 기본적인 5가지 테크닉으로 나누고, 여기에 선율과 리듬, 조성과 색채감 표현을 첨가하여 헬러의 연습곡집 Op. 45에 적용하고자 하였다. 먼저 아티큘레이션에 있어서 레가토는 손가락과 손목, 팔이 연쇄적으로 협동/조절하여 이루어진다. 부드럽고 원활한 레가토는 팔을 능동적으로 움직임으로써 손가락의 무리한 진행을 피하고 각 손가락과 팔의 근육이 평행이 되도록 위치와 방향을 조절 해 주어야 한다. 반면, 스타카토의 짧은 소리는 연주에 관여하는 손가락, 손목, 팔이 동시에 던져짐으로 얻어진다. 하지만 하나의 아티큘레이션이라고 해서 같은 연주방법으로 연주되는 것이 아니며 악곡의 텍스쳐, 스피드, 악상 등의 영향이나 연주자의 해석에 따라서 달라진다. 다섯 가지 기본적인 테크닉에 있어서, 우선 트릴이나 트레몰로는 팔이 내전과 외전 작용과 같은 회전 동작을 취함으로 보다 자연스럽고 편안하게 할 수 있게 된다. 분산화음에도 손가락의 원활한 움직임과 함께 손목의 회전동작이 들어간다. 스케일과 아르페지오는 손목의 위치와 방향을 이끌어주는 팔꿈치의 역할이 중요하다. 코드 연주에서는 건반에 전달되는 힘의 근원에 따라 음량이나 음색이 달라지기 때문에 어깨나 팔의 힘조절이 필수적이다. 하지만 이와 같은 각각의 테크닉은 성부, 음향, 빠르기, 건반에서의 위치 등이 상호 영향을 미치며 미세한 조정을 필요로 한다. 선율의 표현력 향상을 위한 방법으로, 본 논문에서는 마이클 프리드만(Michael Friedmann)의 윤곽이론 중 가장 기본이 되는 인접윤곽열(Contour Adjacency Series: CAS)과 윤곽등급류(Contour Class: CC)에 근거하여 선율의 윤곽을 찾고 이를 그래프와 도식화하였다. 이 방법을 통해 모티브의 변형이나 전조에 의한 변화를 비롯하여 선율의 흐름과 구조를 명확하게 파악할 수 있었다. 또한 프레이징의 설정과 다이나믹의 변화를 보다 쉽고 빠르게 할 수 있게 된다. 선율은 종종 양손으로 나누어 연주되기도 하고, 한손에 선율과 반주가 결합된 형태로도 나오며, 다성부의 호모포니(Homophony)나 폴리포니(Polyphony)적인 텍스쳐로 제시되기도 한다. 각각의 형태에 따라 양손간의 균형, 근육의 협동/조절, 멜로디 보이싱 등과 같은 테크닉이 필요하다. 낭만시대에 들어서 작곡가들은 이전 시대보다 과감한 조성의 변화를 꾀하였고, 화성 언어 또한 풍부해졌다. 헬러는 ‘요정과 인어’에서처럼 신비로움을 표현하기 위해 예기치 않은 전조를 사용하였으며, 색채감을 더하기 위하여 비화성음과 네아폴리탄 6화음(N6)와 같은 특이 화성을 사용하기도 한다. 그러므로 학습자는 스스로 악곡의 조성 변화나 특별한 화성을 파악할 수 있도록 화성악적 이론을 습득해야 하며, 이에 따른 색채감을 표현할 수 있도록 청각적 민감함과 세심한 터치 감각을 길러야 한다. 결론적으로, 모든 신체는 서로 긴밀하게 연결되어 있고, 각각의 근육들이 상호적으로 움직이기 때문에 한 가지 테크닉만으로는 곡을 연주 할 수 없다. 또한 모든 테크닉이 정형화 된 것이 아니므로 상황에 따라 유연하고, 알맞은 테크닉을 구사할 수 있어야 한다. 테크닉이란 단순히 기계적으로 악곡을 연주하는 방법이 아니라 연주자의 개인적인 성향이나 개성을 배재할 수 없는 예술이기 때문이다. 그러므로 중급 학습자들이 보다 자신이 원하는 음악을 연주하기 위해서는 한 가지 표현법이 아닌 스스로에게 맞는 다양한 테크닉을 찾고자 하는 노력이 수반되어야 한다.;This study covers techniques to improve the expressiveness of intermediate-level piano learners. The purpose of the study is to suggest the ways to harmoniously enhance both skills and artistry of the technique by adding melodic cognition, contour theory, and colour of tonality and harmony, to various physiological types of techniques which students who have taken piano lessons for 4 to 6 years should learn, based on the classifications of J. W. Bastien. For this study, 「25 Études ‘Introduction à l'art du phrasé’ Op. 45」by Stephen Heller(1813-1888), an early romantic composer in 19th century, was selected as the research project. This repertory was selected because the pre-existing intermediate technique books in Korea mainly emphasize the improvement of skills focused on fingers, and it was considered urgent to introduce teaching materials that not only deal with technical parts, but also reinforce artistic expressions. All of 25 pieces in Op. 45 are character pieces with titles, so that they could arouse learners' interests and help them to improve pictorial expression. Most of pieces are in ABA form, so that it's easy to understand their structures and pattern, and thus they make the textbook adequate to intermediate-level students. In the main body, among technical methodologies argued by many scholars and pianists in 20th century including Gyorge Sandor, types of techniques associated with physical movement are divided into five basic techniques. They are applied to Op. 45 of Heller's Études with addition of melody, rhythm, tonality and colorful expression. First of all, in articulation, legato is produced by cooperation and control between fingers, wrists and arms in a chain. The soft and smooth legato needs to avoid awkward movement of fingers and arms, and locate the fingers and arm muscles in straight line. One articulation, however, is not played with the same technical movement, but differs according to the speed, texture, dynamics as well as the performer's interpretation. Of the five basic techniques, trills or tremolos, first of all, can be performed more naturally and comfortably by taking rotating motions of arms such as pronation and supination. The rotation with smooth movement of fingers is put in broken chords. The role of elbows, leading locations and directions of wrists, is very important in scale and arpeggio. In playing chords, because the volume or tones vary in the source of power conveyed to piano keys, it's necessary to control strengths of shoulders and arms. Each technique, however, has to be adjusted from time to time depend on the dynamics, tempo, and positions on the keys, etc. For enhancing the ability of melodic expressions, the study finds contour of melody based on Contour Adjacency Series(CAS), the most fundamental contour theories of Michael Friedmann, and Contour Class(CC), and displays them in graphs and diagrams. The transformation of motif, change of keys, patterns and structures of melody can be clearly apprehended through the methods mentioned above. Furthermore, phrasing and the change of dynamics can be noticed more easily and rapidly. Melodies are often devided into two hands, are presented in combination of accompaniment in one hand, and appear in homophonic or polyphonic textures. According to each form, techniques including balance of both hands, cooperation & control of muscles, and melodic voicing are needed. In the age of Romanticism, composers attempted more drastic tonal change than those in the past, and harmonic languages became abundant. Heller used the unexpected modulation to express mystique as in ‘Sprites and Mermaids’ and sometimes used unusual harmony such as non-chordal tones or Neopolitan Sixth(N6) in order to add colorfulness. Learners, therefore, need to be aware of tonal changes or special harmony of pieces, and consequently develop auditory sensitiveness and delicate sense of touch in order to express the colorfulness likewise. In conclusion, since all parts of body are closely related to each other and each muscle moves mutually in connection, it's impossible to play a piece with only one technique. Also, because all techniques are not standardized, it's necessary to use techniques in more flexible way appropriate to different situations; techniques are not just the way to perform a musical piece mechanically, but arts which cannot exclude individual characteristic or personal tast. Therefore, intermediate-level learners must not focus on only one expressive method, but make an effort to find a variety of techniques in order to play the music in the way they want.