고독을 간직하는 회화적 방식

Abstract

본 논문은 과열된 현대 도시 안에서 개인이 직면하는 심리적 과부하 상태를 극복하기 위한 기제로 ‘고독의 감각’을 상정하고, 이를 회화적으로 간직하고 실천하는 방식을 탐구한 조형 연구이다. 현대 도시 사회는 지속적인 성과와 효율을 요구하며 개인을 정서적 소모 속으로 밀어 넣는다. 이러한 환경 속에서 개인이 겪는 정신적 피로는 내면을 돌볼 여유를 상실하게 만드는 심리적 위기를 초래한다. 본인은 이러한 흐름에 의식적으로 제동을 걸고 정서적 휴식을 확보할 수 있는 가능성을 자발적 고독（Solitude）의 상태에서 발견하고자 하였다. 본 논문에서 다루는 고독은 소외나 고립과 같은 외로움（Loneliness）이 아니라, 외부의 자극을 차단하고 자기 자신과 깊이 대화하는 능동적이고 생산적인 안식의 상태를 의미한다. 따라서 고독을 간직 하는 행위는 삶의 관성을 멈추어 내면의 균형을 복원하려는 본인의 실천적 방식이다. 이러한 사유는 자율적 공간을 확보함으로써 사회의 획일적 논리에 저항하려는 아도르노（Theodor Adorno）의 예술철학, 그리고 감상자를 현실 세계에서 탈피시켜 작품 속에 머물게 만드는 하이데거（Martin Heidegger）의 존재론적 예술론을 통해 학술적 타당성을 획득한다.

이러한 주제 의식을 구체적인 회화적 실체로 가시화하기 위해 채택한 방법론은 낯선 자연 풍경의 수집과 이를 재구성하는 편집 기법이다. 시각 예술을 매개로 고독의 감각을 간직하기 위해 비일상적 이미지를 수집하고 본인만의 독자적 분위기를 결합해 새로운 화면을 지어 올린다. 고독의 감각이 녹아든 정서적 안식처로써 풍경을 만드는 과정은 카플란（Stephen Kaplan）의 주의회복이론（Attention Restoration Theory ; ART）을 바탕으로 학술적 근거를 획득한다. 주의 회복을 일으키는 자연의 네 가지 요소를 차용하여, 일상과 거리를 두는 서늘하고 건조한 이질적 장면들을 고독함을 품은 회화적 공간으로 구축해 낸다. 특히 저채도의 색감 운용과 차분하고 고요한 정적의 화면 구성은 소란한 일상을 정지시키는 몰입의 힘을 획득한다. 나아가 사용되는 재료의 고유 물질성과 건조한 필치는 본인이 지향하는 고독의 분위기와 긴밀히 연결되며, 화면에 조화를 이루는 조형적 방법론으로 굳어졌다.

논문의 전개 방식은 이러한 철학적 배경과 조형적 방법론이 본인의 실제 작품 안에서 어떻게 결합되고 발현되는지 증명하는 구조로 흐른다. 이어지는 작품 분석장 에서 주요 작품을 세부적으로 검토함으로써 고독의 감각이 구체적인 ‘회화적 쉼표’ 로 기능함을 실증적으로 확인한다. 화면 전반에 고독의 무게감을 안착시키는 검은 덤불 숲 이미지를 중점적으로 정적을 시각화하는 조형 기법을 논한다. 핵심 도상인 생명력이 소멸된 마른 나무의 이미지들로 화면의 서사를 구축하고, 고요하고 차분한 감각을 야기하는 작품의 독자적인 분위기를 살펴본다. 끝으로 본인의 석사학위 청구전 작품들을 통해 감상자가 화면 내부로 침잠하게 만드는 깊이 있는 풍경을 만드는 방식을 고찰한다. 수집한 장면들로 합성된 풍경의 구상, 회화적 표현으로의 구체적 실현, 마지막으로 서사적 밀도를 더해 완성된 세계는 본인이 추구해 온 궁극적인 고독을 간직한 회화의 의미를 획득한다.

본 논문이 제시하는 작품들은 개인의 조형적 취향과 내밀한 지향점이 투영된 주관적 세계이다. 이처럼 사적인 언어로 빚어낸 작품 세계일지라도, 작품이 전하고 있는 고독의 의미는 취향의 경계를 넘어 공유될 수 있는 가능성을 지닌다. 본 논문에서 다루는 작품들은 시각 예술의 방식을 통해 고독의 감각이 화폭 위로 성공적으로 실현되었다는 점에 그 독자적인 의의가 존재한다. 비록 물리적인 한계로 먼 곳으로 떠나지 못할지라도, 그림을 통해 일상과 거리감을 두며 대리 만족을 얻는 일은 도시 환경 안에서 개인이 취할 수 있는 일탈의 형태 중 하나이다. 이는 거대한 도시 안에서 격렬한 외적 저항 대신, 화폭이라는 자신만의 영토와 적극적인 틈을 만들어 내어 내면의 균형을 사수하고자 하는 능동적인 심리를 대변한다. 본 논문은 이러한 회화적 실천이 지닌 유의미함을 선언하며, 향후 고독을 간직하는 조형적 실험을 지속해서 확장해 나갈 것이다.;This thesis is a formative study that posits the “sense of solitude” as a means of overcoming the psychological overload individuals confront within the overheated contemporary city, and that explores how this sense may be preserved and practiced through painting. Modern urban society demands ceaseless performance and efficiency, driving the individual into emotional exhaustion. The mental fatigue produced by such an environment precipitates a psychological crisis in which one loses the very capacity to attend to one’s inner life. In response, I sought the possibility of consciously applying the brakes to this momentum and of securing emotional rest within a state of voluntary solitude. The solitude examined here is not loneliness in the sense of alienation or isolation, but rather an active and generative state of repose—one in which external stimuli are shut out and a deep dialogue with the self begins. To preserve solitude is thus my practical way of halting the inertia of life in order to restore an inner equilibrium. This line of thought finds scholarly grounding in the aesthetic philosophy of Theodor Adorno, who resisted the homogenizing logic of society by securing a space of autonomy, and in the ontological theory of art advanced by Martin Heidegger, which draws the viewer away from the actual world and lets them dwell within the work itself.

The methodology I adopted to render this thematic concern as a concrete painterly entity lies in the collection of unfamiliar natural landscapes and an editing technique that reconstructs them. To preserve a sense of solitude through the medium of visual art, I gather unconventional images and fuse them with an atmosphere of my own to build up a new picture plane. The process of constructing landscape as an emotional sanctuary suffused with solitude is grounded in Stephen Kaplan’s Attention Restoration Theory （ART）. Borrowing the four natural elements that induce attentional restoration, I shape cool, dry, and incongruous scenes—scenes set apart from the everyday—into a painterly space that harbors solitude. In particular, a palette of low saturation and a composition of calm, serene stillness attain a power of immersion capable of suspending the clamor of daily life. The inherent materiality of my media and the dryness of the brushwork, moreover, are intimately bound to the atmosphere of solitude I pursue, and have settled into a formative method that brings the picture plane into harmony.

The thesis unfolds so as to demonstrate how this philosophical foundation and formative method converge and come to fruition within my own works. In the subsequent chapter of work analysis, principal pieces are examined closely in order to confirm, through the works themselves, that the sense of solitude operates as a concrete “pictorial pause.” I discuss the formative techniques that visualize stillness, focusing on the images of black thickets that settle the weight of solitude across the whole of the canvas. Through the central iconographic motif of withered trees—trees from which all vitality has departed—I trace how the canvas builds its narrative and how the works arrive at their distinctive atmosphere of quietude and calm. Finally, by way of the works from my master’s thesis exhibition, I consider how to create profound landscapes that draw the viewer to sink down into the canvas. In the end, the conception of a landscape synthesized from collected scenes, its concrete realization through painterly expression, and the world completed by the further addition of narrative density together attain the meaning of a painting that preserves the ultimate solitude I have pursued.

The works presented here constitute a subjective world reflecting one individual’s formative sensibility and innermost aspirations. Yet even a world shaped through so private a language carries, in the solitude it conveys, the potential to be shared beyond the bounds of personal taste. The significance proper to these works lies precisely in the fact that, through visual art, the sense of solitude has been successfully realized upon the canvas. Even when physical constraints make it impossible to travel far, to obtain a vicarious satisfaction by distancing oneself from daily life through painting is one of the forms of escape available to the individual within an urban environment. This bespeaks an active psychology that seeks to safeguard inner balance not through fierce outward resistance within the vast city, but by carving out a territory of one’s own—the canvas—and an active opening within it. This thesis affirms the significance of such a painterly practice, and I intend to continue expanding these formative experiments in the preservation of solitude in the years to come.