이성자의 1960-1980년대 작업 연구

Abstract

This paper analyzes the works of Seund Ja Rhee （1918–2009） from the 1960s to the 1980s, focusing on how the artist’s experiences of cultural boundaries were visualized in her works through what she termed ‘Abstraction-Construct.’ After moving to France in 1951, Rhee developed her artistic practice within the cultural environments of both Korea and France. Her works incorporate diverse elements, including Korean traditional culture, the formal principles of French abstraction, Eastern philosophy, and experiences of cities and nature. Rather than simply reproducing or juxtaposing these elements, she transformed them through repetition and variation into a distinctive abstract language. Previous studies have primarily interpreted Rhee’s work in relation to Korean identity, Eastern sensibilities, or her position as a Korean artist in France, often focusing on the Women and Earth series of the 1960s. By examining Rhee’s works from the 1960s through the 1980s together, this paper understands her artistic development not as a series of stylistic changes or a transition to a later phase, but as a long-term process through which cultural experiences were transformed and expanded into abstract images. To investigate this process, this paper draws upon discussions of cultural boundaries and hybridity while critically reconsidering their limitations. Although hybridity is useful for explaining the emergence of new meanings through cultural encounters, Rhee’s works cannot be fully understood as the result of a unified cultural synthesis. Rather, different cultural elements maintain their differences while forming relationships through juxtaposition, overlap, repetition, and transformation. Accordingly, based on theories of cultural boundaries, this paper understands Rhee’s works not as a hybrid result but as a process through which cultural experiences were continuously transformed and expanded within her works. The study first examines the context of postwar French abstraction and the cultural conditions under which Eastern thought was received in the French art world during the 1950s. It then analyzes Rhee’s artistic activities and early works in France, focusing on how experiences of cultural boundaries began to appear in her early works. Based on this context, the paper explores three aspects of her work: the emergence of ‘Abstraction-Construct’ in the 1960s, the development of Yin-Yang motifs in the 1970s, and the influence of place experiences in Amsterdam, New York, Brasília, and Tourrettes on the transformation of her artistic practice. This paper argues that Rhee Seund Ja’s works of the 1960s–1980s should be understood as a continuous process through which cultural experiences and perceptions of place were accumulated, transformed, and expanded. Korean traditional culture, French abstract art, Eastern philosophy, and experiences of cities and nature do not converge into a single meaning; rather, they maintain their differences while continuously forming new relationships within her works. By examining this process, the paper offers a broader understanding of Rhee’s artistic development and highlights how experiences of cultural boundaries were transformed and expanded into abstract images through her concept of ‘Abstraction-Construct.’;본 논문은 이성자（Rhee Seund Ja, 1918–2009）의 1960–1980년대 작업을 대상으로, 작가가 경험한 문화적 경계성이 작품 안에서 어떻게 시각화되는지를 고찰한 연구이다. 이성자는 1951년 프랑스로 이주한 이후 한국과 프랑스라는 서로 다른 문화적 환경 속에서 작업을 전개하였다. 특히 그의 작업은 한국 전통문화 요소와 프랑스 추상미술의 조형 원리, 동양 사상, 도시와 자연에 대한 장소 경험 등 다양한 요소들이 함께 작동한다는 특징을 보인다. 작가는 이러한 요소들을 단순히 재현하거나 병치하는 데 그치지 않고, 반복과 변형을 통해 ‘추상구성’이라는 새로운 추상 이미지로 전개하였다. 기존 연구는 주로 1960년대 〈여성과 대지〉 시기를 중심으로 이성자의 작업을 한국적 정체성이나 동양적 감수성과 연결하여 설명하거나, 작가의 전반적인 작업 세계를 조망하는 방식으로 이루어졌다. 이에 본 논문은 이성자의 1960-1980년대 작업을 함께 고찰함으로써, 그의 작업을 특정 시기별 양식 변화나 후기적 이행으로 구분하기보다 문화적 경험이 반복과 변형을 통해 추상 이미지로 변화·확장되는 장기적인 전개 과정으로 이해하고자 하였다. 이를 위해 본 논문은 문화적 경계와 혼종성에 관한 논의를 참고하되, 이를 비판적으로 검토하였다. 혼종성 개념은 서로 다른 문화가 만나 새로운 의미가 형성되는 과정을 설명하는 데 유효하다. 그러나 이성자의 작업은 단일한 혼합의 결과로 수렴되기보다, 서로 다른 요소들이 차이를 유지한 채 병치되고 중첩된다는 점에서 혼종성만으로는 충분히 설명되기 어렵다. 따라서 본 연구는 문화적 경계에 대한 이론을 바탕으로 이성자의 작업을 하나의 혼종적 결과물로 보기보다, 문화적 경험이 작품 안에서 지속적으로 변화 및 확장되는 과정으로 이해하고자 하였다. 본 논문은 먼저 이성자가 도불 이후 마주한 전후 프랑스 추상미술의 흐름과 1950년대 프랑스 미술계에서 동양 사상이 수용되던 문화적 조건을 살펴보았다. 바젠느 그룹과 앵포르멜로 대표되는 전후 프랑스 추상미술은 전통의 계승과 새로운 조형 실험이라는 두 흐름 속에서 전개되었으며, 이는 이성자가 추상회화를 전개해 나가는 중요한 미술사적 배경으로 작용하였다. 또한 당시 프랑스 미술계에서는 동양 사상과 예술이 서구 미술의 새로운 조형 가능성을 모색하는 과정 속에서 주목되었고, 이러한 분위기는 이성자가 자신의 문화적 경계 경험을 작업 안에서 전개할 수 있는 문화적 조건이 되었다. 나아가 1950–1960년대 프랑스 미술계에서 이루어진 이성자의 활동과 초기 작업을 중심으로, 서로 다른 문화적 경험이 작업 안에서 어떠한 형식적 특징으로 나타나는지를 살펴보았다. 이를 바탕으로 본 논문은 이성자의 작업 전개를 세 가지 측면에서 분석하였다. 먼저 1960년대 작업에서는 한국 전통문화 요소와 프랑스 추상미술의 조형 방식이 결합하며 ‘추상구성’으로 나타나는 양상을 살펴보았다. 이 시기 작업에서 기하학적 구성과 구상적 형태는 분리되지 않고 하나의 이미지 안에서 함께 작동하며 이후 작업의 기반을 형성한다. 다음으로 1970년대 이후 작업에서는 음양 형상이 원형의 분할과 반복을 통해 나타나는 방식을 검토하였다. 이때 음과 양 사이의 ‘사이 공간’은 단순한 여백이 아니라 서로 다른 요소가 관계를 맺고 긴장을 유지하는 지점으로 기능한다. 마지막으로 암스테르담, 뉴욕, 브라질리아, 투레트에서의 장소 경험이 작업 주제와 형식 변화에 미친 영향을 살펴보았다. 이성자는 특정 장소를 사실적으로 재현하기보다 장소에서 얻은 기억과 감각을 중첩하고 변형하여 도시와 자연이 결합된 양상으로 작업을 전개하였다. 이와 같은 분석을 통해 본 논문은 이성자의 1960–1980년대 작업이 시기별로 단절된 양식 변화가 아니라, 문화적 경험과 장소 인식이 축적되며 지속적으로 변형되고 확장된 과정임을 밝히고자 하였다. 이성자의 작업에서 한국 전통문화, 프랑스 추상미술, 동양 사상, 도시와 자연 경험은 하나의 의미로 통합되기보다 차이를 유지한 채 반복적으로 관계를 형성한다. 결과적으로 본 논문은 기존 연구에서 상대적으로 주목되지 않았던 1970–1980년대 작업까지를 포함하여 이성자의 작업 전개를 장기적인 흐름 속에서 고찰하고, 문화적 경계 경험이 추상 이미지로 변화 및 확장되는 과정을 구체적으로 분석하였다는 점에서 의의를 지닌다.