한국 근대 꽃정물화 연구

Abstract

본 연구는 한국 근대 꽃정물화의 형성과 전개 과정을 종합적으로 고찰하고, 20세기 전반 국내 화단에서 꽃정물화가 하나의 회화 유형으로 정착하여 지속·변용된 양상을 밝히는 데 목적을 둔다. 국내에서 꽃정물화는 서양화 수용 과정에서 비교적 이른 시기부터 등장하여 당대 화가들에 의해 꾸준히 제작되었으며, 해방 이후에도 그 계보를 이어왔다. 특히 근대기 미술교육과 전람회 제도 속에서 꽃정물화는 관찰과 재현을 익히는 주요한 장르로 활용되었고, 꽃을 감상하고 장식하는 문화가 폭넓게 향유되면서 회화로 재현하는 양상이 본격화된다. 즉, 한국 근대 꽃정물화는 근대 회화의 제도적 정착과 시각문화의 변화를 다각도로 살필 수 있는 장르인 것이다. 이러한 관점에서 본 연구는 한국 근대 화단에서 제작된 꽃정물화를 중심으로, 그 사례가 본격적으로 등장하는 1920년대부터 1950년대까지의 작품과 관련 자료를 검토한다. 기존 연구에서 주로 다루어진 《조선미술전람회》 출품작을 포함하되, 재야 전람회와 학생미술전람회 출품작, 오늘날 실물 또는 기록으로 확인되는 사례까지도 포괄한다. 더불어 현존 작품뿐 아니라 신문·잡지 기사, 전람회 평문과 도록, 도판 자료, 화훼 관련 생활문화 자료 등을 종합적으로 발굴·검토하고, 이를 토대로 한국 근대 꽃정물화의 전개 양상을 조명한다. 본문에서는 서구에서 발원한 꽃정물화가 일본을 거쳐 한국에 수용·확산된 흐름을 살피되, 조선시대에도 꽃과 기물을 회화로 표현하고 향유해온 시각적 기반이 존재했음을 함께 고려한다. 이어 한국 근대 꽃정물화가 미술교육 과정에서 서양화 기법과 재현 방식을 익히는 학습 소재로 활용된 양상, 전람회 제도를 통해 하나의 회화 유형으로 정착해가는 과정을 분석한다. 또한 근대기 화훼 재배와 유통의 확대, 원예와 실내외 장식 문화의 확산이 꽃에 대한 시각 경험을 변화시키고, 꽃정물화가 장르적으로 정착할 수 있게 한 문화적 조건이었음을 밝힌다. 나아가 한국 근대 꽃정물화의 조형적 특징을 관통하는 주요 흐름을 살펴본다. 외래 취향의 소재가 수용되는 가운데 향토성과 민족성을 모색한 시도, 절화와 분화라는 재현 대상의 차이가 화면 구성과 대상 인식에 미친 영향을 검토한다. 또한 아카데미즘과 형식화의 경향뿐 아니라, 일부 작가들에게서 나타나는 조형 실험과 양식적 변주를 함께 다룸으로써 꽃정물화가 양가적 성격을 지닌 장르였음을 논한다. 이를 종합하면, 한국 근대 꽃정물화는 서양화의 수용, 미술교육과 전람회 제도의 정착, 생활양식과 화훼문화가 변화하는 가운데 전개된 회화 유형으로 파악된다. 꽃정물화는 관찰과 재현을 훈련하는 장르로 기능하는 동시에, 자연을 관찰 가능한 대상으로 분리하고 재배치하는 근대적 시각을 드러내기도 한다. 아울러 꽃정물화의 이미지는 도시문화, 실내생활, 취미의 형성과 결부되면서 근대적 취향을 표상하는 양상을 보인다. 이러한 점에서 본 연구는 한국 근대 꽃정물화를 단순한 장식적 정물화나 제도권 전람회의 산물로 평가하기보다는, 당대 문화의 여러 층위가 중첩된 회화 장르로 재고하여 그 미술사적 의의를 찾고자 한다.;This study provides a comprehensive analysis of the emergence, establishment and transformation of flower still-life painting in modern Korea. It examines how the genre took shape as a distinct pictorial type within the Korean art world in the first half of the twentieth century and how it persisted and evolved amid broader cultural and institutional changes. Flower still-life painting appeared early in Korea’s reception of Western-style painting and continued to be produced throughout the modern period, remaining prevalent after liberation in 1945. Within modern art education and the exhibition system, it functioned as a key subject for training in observation and representation. As new practices of cultivating, displaying and appreciating flowers became widespread, the genre also came to visually articulate these modern modes of floral culture. Flower still-life painting thus offers a productive lens through which to investigate the institutional consolidation of modern painting and shifts in visual culture. Focusing on works produced from the 1920s, when the genre began to appear in earnest, through the 1950s, the study analyzes entries in the Joseon Art Exhibition, works shown outside the official system, student exhibitions, extant examples and works known through documentary records. It also systematically examines newspapers, magazines, exhibition reviews, catalogs, reproductions and materials related to everyday flower practices to trace the genre’s development. The study first considers the reception and dissemination of Western flower still-life painting in Korea via Japan, while situating this process in relation to premodern Joseon visual traditions that had long depicted flowers, vessels and other objects. It then analyzes the role of the genre in modern art education and its consolidation through the exhibition system. Further, it demonstrates how the expansion of flower cultivation, distribution, gardening and decorative practices reshaped the visual experience of flowers and created the cultural conditions for the genre’s establishment. Through formal analysis, the study identifies major tendencies in modern Korean flower still-life painting, including efforts to articulate local color and national character amid the adoption of motifs associated with foreign tastes. It also examines how the distinction between cut flowers and potted flowering plants shaped compositional strategies and conceptions of the depicted objects. By considering both academic, formulaic tendencies and the formal experimentation of certain artists, the study argues that the genre possessed an inherently ambivalent character. Taken together, the findings show that flower still-life painting in modern Korea developed at the intersection of Western-style painting’s reception, the institutionalization of modern art education and exhibitions, and transformations in everyday flower culture. Within the art world, it served as a training ground for observational representation, while also embodying a modern mode of vision that isolated elements of nature as objects for scrutiny and rearranged them within the pictorial field. Its imagery became associated with urban culture, domestic life and emerging discourses of taste and refinement. Accordingly, flower still-life painting should be understood not merely as decorative imagery or a product of the exhibition system, but as a genre in which multiple layers of modern culture converged.