Program Annotation J. S. Bach, Cello Suite No. 3 in C Major, BWV 1009 P. I. Tchaikovsky, Nocturne, Op. 19 No. 4 S. Rachmaninoff, Cello Sonata in G minor, Op. 19

Abstract

본 논문은 석사과정 졸업연주 프로그램에 포함된 요한 제바스티안 바흐（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）의 Cello Suite No. 3 in C Major, BWV 1009, 표트르 일리치 차이콥스키（Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893）의 Nocturne, Op. 19 No. 4, 세르게이 라흐마니노프（Sergei Rachmaninoff, 1873-1943）의 Cello Sonata in G minor, Op. 19를 대상으로, 첼로（cello） 선율이 각 작품의 음악적 구조 안에서 어떻게 형성되며 이러한 구조적 이해가 연주 해석에 어떻게 작용하는지를 악보 분석을 통해 고찰하는 프로그램 어노테이션（Program Annotation）이다. 세 작품은 모두 첼로를 중심으로 하지만, 시대적 배경, 편성, 양식, 표현 방식에서 서로 다른 특징을 지닌다. 따라서 본 논문은 세 작품을 동일한 방식으로 비교하기보다, 각 작품에서 첼로 선율이 형성되는 구조적 조건을 파악하고 그것이 프레이징（phrasing）, 가창적 선율 표현, 앙상블（ensemble） 해석으로 연결되는 방식을 살펴본다. 바흐의 Cello Suite No. 3 in C Major, BWV 1009는 단선율 안에 내재된 화성적 지지점과 기능적 저성부 진행이 첼로 선율의 프레이즈 방향과 목표점을 결정하는 핵심 구조이다. 이 작품은 반주 없이 하나의 선율선으로 진행되지만, 그 안에는 분산화음, 저성부 진행, 반복 저음, 음역 분리, 조성 중심, 종지（cadence） 구조가 내재되어 있다. 이러한 화성적 요소는 선율의 출발, 긴장, 이완, 종지 방향을 형성하며, 연주자가 프레이즈의 방향과 도착점을 판단하는 근거가 된다. 차이콥스키의 Nocturne, Op. 19 No. 4에서 첼로의 가창적 선율은 선율 자체의 서정성만으로 형성되는 것이 아니라, 프레이즈（phrase）의 제시, 확장, 고조, 카덴차（cadenza）를 통한 전환, 주제적 성격의 회귀를 통해 구체화됨을 확인하였다. 이 작품의 가창성은 긴 호흡의 선율, 다이내믹（dynamic）의 확장과 이완, 프레이즈의 유기적 연결을 통해 형성되며, 이러한 구조는 첼로 선율의 칸타빌레（cantabile）적 성격을 드러내는 핵심 근거로 작용한다. 라흐마니노프의 Cello Sonata in G minor, Op. 19에서 첼로 선율은 피아노（piano）가 형성하는 화성적 공간, 리듬적 추진력, 음향적 밀도와의 관계 속에서 방향성을 얻고, 두 악기의 상호작용을 통해 입체적인 앙상블 음향（sound）으로 완성된다. 이 작품에서 피아노는 단순한 반주가 아니라 첼로 선율의 출발, 확장, 고조, 회귀를 함께 형성하는 구조적 기반으로 기능한다. 이에 따라 첼로 선율은 피아노의 텍스처（texture） 안에서 방향성을 얻고, 두 악기의 관계 속에서 입체적인 음향으로 완성된다. 결론적으로 세 작품의 첼로 선율은 각각 화성 구조, 프레이즈 구조, 첼로와 피아노의 상호작용이라는 서로 다른 음악적 구조 안에서 형성된다. 본 연구는 이러한 구조적 차이를 악보 분석을 통해 살펴봄으로써, 연주자가 표면적인 선율 연결을 넘어 작품 내부의 구조를 이해하고 보다 설득력 있는 연주 해석 기준을 마련하는 데 기초 자료를 제공하고자 한다.;This thesis is a program annotation on three works included in the master’s graduation recital program: Johann Sebastian Bach’s Cello Suite No. 3 in C Major, BWV 1009, Pyotr Ilyich Tchaikovsky’s Nocturne, Op. 19 No. 4, and Sergei Rachmaninoff’s Cello Sonata in G minor, Op. 19. Through score analysis, this study examines how the cello melody is formed within the musical structure of each work and how such structural understanding contributes to performance interpretation. Although all three works place the cello at the center of musical expression, they differ in historical background, instrumentation, style, and expressive character. Therefore, this thesis does not compare the three works through a single uniform method. Instead, it focuses on the structural conditions through which the cello melody is formed in each work and considers how these conditions are connected to phrasing, cantabile melodic expression, and ensemble interpretation. In Bach’s Cello Suite No. 3 in C Major, BWV 1009, the analysis focuses on the phrasing of the cello melody formed within harmonic structure. Although the work proceeds as an unaccompanied single melodic line, its melodic writing implies arpeggiation, bass motion, repeated bass notes, registral separation, tonal center, and cadential structure. These harmonic elements shape the beginning, tension, relaxation, and cadential direction of the melody. Accordingly, the performer’s phrasing is not based only on surface-level melodic connection, but on the recognition of harmonic support points, functional bass motion, and points of arrival implied within the single line. In Tchaikovsky’s Nocturne, Op. 19 No. 4, the analysis focuses on the cantabile cello melody formed within phrase structure. The cantabile quality of the cello melody is not formed solely by the lyrical beauty of the melody itself. Rather, it is realized through the structural organization of phrases: the presentation of the first melodic idea, the expansion of the phrase through dynamic growth, the intensification of tension in the middle section, the transitional function of the cadenza, the return of the thematic character at Tempo I, and the final relaxation through soft dynamics and ritardando. In this sense, the cantabile character of the work is shaped by the way in which slurs, dynamic curves, repeated figures, tempo indications, and phrase returns organize the cello melody into a long-breathed musical sentence. In Rachmaninoff’s Cello Sonata in G minor, Op. 19, the analysis focuses on the direction of the cello melody and the ensemble sonority formed through the interaction between the cello and the piano. In this work, the piano does not function merely as accompaniment. Rather, the two instruments exchange, respond to, and share melodic initiative. At times, the piano prepares the harmonic and rhythmic space into which the cello melody enters; at other times, the cello presents a melodic direction that is continued or expanded by the piano. In climactic passages, the two instruments combine simultaneously to create a unified ensemble sonority. Thus, the cello melody gains direction not in isolation, but through its interaction with the piano’s harmonic space, rhythmic momentum, and sonic density. In conclusion, the cello melodies in the three works are formed within different musical structures: harmonic structure in Bach, phrase structure in Tchaikovsky, and the interaction between the cello and piano in Rachmaninoff. By examining these structural differences through score analysis, this study aims to provide a foundation for performers to move beyond surface-level melodic connection, understand the internal structure of each work, and establish more persuasive criteria for performance interpretation.