멀티채널 영상 설치를 통한 접힘과 펼쳐짐의 예술

Abstract

본 논문은 나의 멀티채널 영상 설치와 리서치 기반 작업을 중심으로, 기술자본주의와 인공지능 시대에 인간의 감각과 관계, 주체성이 어떠한 방식으로 변화하는지를 분석하고, 이러한 조건 속에서 예술이 새로운 관계의 가능성을 어떻게 열어낼 수 있는지를 탐구하는 데 목적이 있다. 특히 ‘접힘과 펼쳐짐’을 단순한 조형적 형식이나 은유가 아니라 나의 작업 전반을 구성하는 사유 방식이자 예술적 구조로 설정한다. 접힘은 서로 다른 존재와 사건, 시간과 기억, 이미지와 사운드, 물질과 공간이 하나의 장 안에 들어와 흔적을 남기는 과정이며, 펼쳐짐은 그 흔적들이 변화된 조건 속에서 다시 드러나고 관계를 형성하는 과정이다. 오늘날 디지털 플랫폼과 알고리즘은 인간의 취향과 행동을 예측 가능한 데이터로 분류하고, 생성형 인공지능은 방대한 데이터에서 추출한 평균적 패턴을 바탕으로 이미지를 산출하며, 생명공학과 플랫폼 시스템은 생명과 관계마저 선택과 관리의 대상으로 전환한다. 인간은 더 많은 연결과 선택의 기회를 얻는 것처럼 보이지만, 설명하기 힘든 경험이나 우연한 만남, 기다리고 애쓰는 시간, 관계가 천천히 쌓여가는 과정은 점점 희미해진다. 본 논문은 이러한 현상을 기술이 인간을 소외시키는 문제로만 보지 않는다. 대신 기술과 자본의 질서가 삶을 어떤 방식으로 조직하는지, 그 안에서 어떤 시간과 경험의 흔적이 눈에 띄지 않게 지워지는지, 그것을 어떻게 예술의 틀 안에서 다시 살펴볼지를 다룬다. 2장에서는 종이의 접힘과 주름, 빛과 그림자의 변화, 영상 이미지와 실제 사물이 만나는 방식을 중심으로, 작품 안에 숨어 있던 형상이 관객의 지각 속에서 떠오르는 과정을 들여다본다. 접힌 종이의 표면은 보는 각도나 빛의 방향에 따라 전혀 다른 이미지를 만들어내고, 영상과 사운드는 물질의 표면과 공간에 새로운 시간의 결을 얹는다. 여러 화면에 나뉜 장면과 소리가 관객의 시선을 어디로 이끄는지, 그 리듬이 어떻게 만들어지는지도 살펴본다. 반복되는 수행과 기다림이 관람 경험을 어떻게 바꾸는지 역시 마찬가지다. 이를 통해 작품은 하나의 고정된 시점이나 이야기로 끝나는 대상이 아니라, 물질과 빛, 이미지와 사운드, 관객의 움직임에 따라 매번 다르게 경험되는 구조로 나타난다. 3장에서는 생성형 인공지능, 생명 선별 기술, 매칭 시스템과 반복적으로 학습된 몸짓을 통해 기술과 효율의 논리가 존재와 관계를 분류하고 조직하는 방식을 분석한다. 실제 인물의 삶과 인공지능이 생성한 이미지를 병치한 작업에서는 데이터에 기반한 이미지가 구체적인 삶의 시간과 경험을 어떻게 평탄화하는지를 살펴본다. 또한 생명이 최적화와 불일치의 기준에 따라 평가되는 과정과, 인간이 관계에 진입하기 위해 특정한 이미지와 행동을 수행하게 되는 조건을 다룬다. 이러한 작업들은 삶의 복잡한 맥락이 계산 가능한 정보와 선택의 조건으로 바뀌고, 관계가 기능과 효율의 논리 안에서 단순화되는 양상을 공통적으로 드러낸다. 4장에서는 하나의 생명이 서로 다른 가치와 시간 속에서 어떻게 다르게 의미화되는지, 그리고 충분히 보이지 못했던 존재의 흔적이 설치 공간에서 어떠한 방식으로 다시 나타나는지를 살펴본다. 희귀식물 시장과 재개발 과정에서 옮겨진 매화나무를 다룬 작업은 생명을 투자 대상으로 바라보는 시선과 기억과 돌봄의 대상으로 바라보는 시선을 하나의 공간 안에서 교차시킨다. 이어 이주자의 경험과 흐려지는 기억, 감춰진 얼굴, 데이터 속에서 사라지는 개별성을 다룬 작업을 통해 사회적 기준과 분류 체계 안에서 충분히 드러나지 못한 존재의 흔적을 분석한다. 서로 다른 채널에 배치된 장면의 길이와 전환 시점, 이미지와 사운드의 시간차는 관객의 위치와 이동에 따라 매번 다른 조합을 형성하며, 몽타주를 화면 내부의 편집에서 화면과 화면, 작품과 관객 사이에서 발생하는 공간적 관계로 확장한다. 이러한 구성은 서로 다른 의미와 흔적이 하나의 결론으로 고정되지 않고 새로운 연결을 형성하게 한다. 결국 본 논문에서 말하는 ‘접힘과 펼쳐짐의 예술’은 작품이 하나의 완결된 의미나 고정된 메시지를 전달하는 방식이 아니라, 서로 다른 존재와 사건, 시간과 이미지, 물질과 사운드가 공간 안에서 중첩되고 관객의 이동과 지각의 변화 속에서 새롭게 연결되는 방식을 의미한다. 멀티채널 영상 설치에서 관객은 여러 화면과 사운드 사이를 이동하며 하나의 시점으로는 파악할 수 없는 장면과 시간의 관계를 경험하고, 자신이 무엇을 보고 무엇을 놓치는지 인식하게 된다. 본 연구의 의의는 기술과 자본의 질서가 삶의 차이와 경험을 평균값과 데이터의 구조로 환원하는 시대에, 예술이 하나의 기준으로 정리되지 않는 시간과 의미, 관계의 흔적을 다시 드러낼 수 있음을 밝히는 데 있다. 이때 주체성은 독립적이고 완결된 자아의 회복이 아니라, 자신이 무엇을 보고 듣고 선택하는지 인식하며 이미지와 사운드, 사물과 타자, 공간과 환경 사이에서 자신의 위치와 관계 맺는 방식을 조정해 가는 과정 속에서 형성된다. 이러한 의미에서 본 논문은 접힘과 펼쳐짐이 멀티채널 영상 설치의 조형적 원리이자, 기술과 효율에 의해 조직되는 동시대의 삶 속에서 주체적 관계의 가능성을 사유하게 하는 예술적 방법으로 어떻게 작동하는지를 살펴본다.;This thesis examines how human perception, relationships, and subjectivity are being transformed under techno-capitalism and artificial intelligence, focusing on my multi-channel video installations and research-based practice. It explores how art might open new possibilities for relation within these conditions. Central to this inquiry is the concept of ＂folding and unfolding＂ — not as a formal metaphor, but as a mode of thinking and an artistic structure that runs throughout my work. Folding is the process by which different beings, events, times, memories, images, sounds, and materials enter a shared field and leave traces. Unfolding is the process by which those traces resurface and form new connections under changed conditions. Today, digital platforms and algorithms sort human behavior into predictable data, generative AI produces images from averaged patterns extracted from vast datasets, and biotechnology transforms life and relationships into objects of selection and management. While people appear to gain more connections and choices, experiences that resist explanation, chance encounters, the slow accumulation of effort, and the gradual building of relationships are quietly disappearing. This thesis does not frame this simply as a problem of technological alienation. Instead, it asks how the logic of technology and capital organizes life, what traces of time and experience are rendered invisible in that process, and how art might bring them back into view. Chapter 2 focuses on the folding and creasing of paper, the play of light and shadow, and the encounter between video images and physical objects — tracing how latent forms within a work emerge through the viewer's perception. A folded surface generates entirely different images depending on angle and light, while video and sound add new temporal textures to material surfaces and space. The chapter also examines how scenes and sounds distributed across multiple screens guide the viewer's gaze and shape rhythm, and how repetition and waiting transform the experience of looking. Through this, the work appears not as an object with a fixed viewpoint or narrative, but as a structure experienced differently each time according to material, light, image, sound, and the viewer's movement. Chapter 3 analyzes how the logic of technology and efficiency classifies and organizes existence and relationships — through generative AI, biological selection technologies, matching systems, and repeated learned gestures. Works that place real lives alongside AI-generated images examine how data-based imagery flattens the specific time and experience of actual lives. The chapter also addresses how life is evaluated according to optimization and deviation, and how people come to perform particular images and behaviors in order to enter relationships. Across these works, a shared pattern emerges: complex life contexts are reduced to computable information, and relationships are simplified within the logic of function and efficiency. Chapter 4 explores how a single life is differently signified across varying values and temporalities, and how the traces of beings that have not been fully seen might reappear within an installation space. Works dealing with the rare plant market and a plum tree relocated during urban redevelopment bring into contact two ways of seeing life — as an object of investment, and as an object of memory and care. Works on the experiences of migrants, fading memory, concealed faces, and individuality disappearing into data then analyze traces of existence that have not been adequately visible within social classifications. The varying lengths of scenes, transition points, and temporal gaps between image and sound across different channels produce different combinations depending on where the viewer stands and moves — extending montage from internal editing into a spatial relation between screens, works, and viewers. This structure prevents different meanings and traces from settling into a single conclusion, instead allowing new connections to form. Ultimately, the ＂art of folding and unfolding＂ described in this thesis refers not to a work delivering a fixed message, but to a mode in which different beings, events, times, images, materials, and sounds overlap in space and become newly connected through the viewer's movement and shifting perception. In multi-channel video installation, viewers move between screens and sounds, encountering relationships between scenes and times that cannot be grasped from any single viewpoint — and becoming aware of what they see and what they miss. The significance of this research lies in demonstrating that art can resurface time, meaning, and relational traces that resist reduction to averages and data — in an era when the logic of technology and capital tends to flatten the differences and experiences of life into calculable structures. In this context, subjectivity is not the recovery of an independent, self-contained self, but something formed in the ongoing process of recognizing what one sees, hears, and chooses, and of negotiating one's position and relationships amid images, sounds, objects, others, and environments. In this sense, the thesis examines how folding and unfolding operates both as a formal principle of multi-channel video installation and as an artistic method for thinking through the possibilities of relational subjectivity within a contemporary life organized by technology and efficiency.