자아 정체성 탐구의 여정

Abstract

본 연구는 예술가로서의 고유한 표현 가능성을 탐구하고 새로운 작업 방향성을 모색하는 과정 속에서 재구성되는 자아의 형식을 기록한다. 한국과 미국을 오가며 형성된 이중적 문화 경험과 그로부터 발생한 정체성의 혼란은 가치의 중심을 어디에 두어야 하는지 모를 혼란성을 도래했다. 그렇게 형성된 환경적 배경 속에서 나는 흔들리는 내면과 경계적 감각을 경험하게 된다. 이러한 상태는 회화 속에서 하나의 고유한 표현 방식으로 나타났다. 그러나 기존에 형성되어 있던 나의 고유한 표현 방식은 2020년 미국에서 귀국한 이후 한계에 이르게 된다. 이 시기에 더 이상 그림을 그릴 수 없다는 감각은 본 논문의 출발점이 된다. 이러한 부정적 감각은 기존의 방식으로는 감정과 내면, 삶의 상태를 더 이상 감당할 수 없다는 신호였다. 완벽한 그림과 동시에 이상적인 삶을 그려내고자 했던 내면의 양가적 욕망은 스스로에 대한 자책을 동반하며, 기존의 평면 회화가 지닌 구조 자체를 다시 바라보게 하는 문제의식으로 이어졌다. 이전까지 사용해 오던 회화 방식을 그대로 유지하는 것이 더 이상 가능하지 않다는 인식은, 고유한 표현성을 다시 탐구하고 나아가 새로운 작업 방향성을 구축하고자 하는 선택으로 전환되었다. 본 논문은 이러한 전환을 중심으로 두 가지 층위에서 전개된다. 첫째, 초기 작업 시기에 형성된 자유롭고 즉흥적이며 무의식적이고 낙서적인 표현 방식과, 대학원 과정에서 새롭게 형성된 수행적 회화를 함께 분석한다. 의식적으로 설정된 움직임의 제한과 반복 행위를 동반한 수행적 회화는 감정의 즉각적인 분출을 넘어서, 감정이 화면 안에서 머무르고 정리되며 구조로 전환되는 과정을 드러낸다. 반복적으로 등장하는 상징적 이미지는 감정의 흐름을 조직하는 장치로 작동하고, 이러한 상이한 두 표현 방식의 결합은 나만의 고유한 표현 가능성이 하나의 회화적 언어로 형성되는 과정을 보여준다. 둘째, 본 논문은 새로운 작업 방향성이 어떻게 형성되고 구체적인 구조로 구축되는지를 다룬다. 직사각형 캔버스와 중심적인 구성, 완결된 화면은 안정과 질서를 제공하지만, 감정과 내면의 복합성, 삶의 흔들림을 담아내기에는 지나치게 고정된 틀로 인식되었다. 이에 따라 작업은 프레임의 해체를 출발점으로 삼아, 절단과 봉합, 비정형 지지체, 재료 실험을 통해 새로운 형태를 단계적으로 구축해 나간다. 이러한 구축은 회화를 단순한 평면 이미지에 머무르게 하지 않고, 삶과 존재의 상태를 담아낼 수 있는 형식으로 확장하려는 시도이며, 고유한 표현과 새로운 작업 방향성이 결합되어 나타나는 형식적 변화의 기록으로 제시된다. 본 논문에서‘불완전함’은 작업의 전환 과정에서 핵심적인 개념이다. 나에게 불완전함은 자아를 반영하는 자화상이자, 완전하지 않은 자신을 수용하는 태도를 의미한다. 완전함은 이상적으로 상정되는 개념이자, 존재하지는 형태이다. 완전함과 아름다움, 긍정의 개념은 언제나 불완전함이라는 그림자를 동반하는 양면적 구조를 지니기 때문이다. 내가 의미하는 완전함은 불완전한 자신을 인식하고, 검열을 통해 문제를 자각하며 그것을 풀어나가는 과정 그 자체에 있다. 이러한 인식은 작업 전반의 철학으로 자리하며, 조형적 실험과 형식 언어를 통해 작품 속에서 구체화된다. 결과적으로 나의 불완전함은 제거해야 할 결함이 아닌, 그 속에서 구조를 만들고 삶을 지속하게 하는 조건으로 작동한다. 회화는 내면을 다룰 수 있게 하는 실천의 공간이며, 새로운 구조를 만들어가는 행위 자체는 자아 정체성을 형성하는 수행이 된다. 본 논문은 회화가 어떻게 삶의 태도가 될 수 있는지를, 그리고 예술이 어떻게 나를 지탱하는 방식이 될 수 있는지를 기록하고자 한다.;This study documents the formation of a reconstructed self that emerges through the exploration of an artist’s unique expressive potential and the search for new directions in artistic practice. The dual cultural experiences shaped by moving between Korea and the United States gave rise to a sense of identity confusion, producing uncertainty about where to locate one’s core values. Within this environmental context, I experienced an unstable inner state and a sense of being at a threshold or in-between position. These conditions manifested in my painting as a distinct mode of expression. However, the expressive language I had previously developed reached its limits after my return to Korea from the United States in 2020. The sensation that I could no longer paint became the point of departure for this thesis. This negative state functioned as a signal that my existing methods were no longer capable of containing my emotions, inner life, and lived condition. The ambivalent desire to create both a perfect painting and an ideal life was accompanied by self-reproach, which in turn led to a critical reexamination of the structural foundations of conventional flat painting. The realization that it was no longer possible to maintain my former painterly approach prompted a shift toward re-investigating my expressive language and constructing a new direction in my work. This thesis unfolds across two interrelated layers centered on this transition. First, it analyzes the freely improvised, instinctive, unconscious, and doodle-like expressions formed during my early period alongside the performative painting practice developed during my graduate studies. Performative painting, characterized by consciously imposed limitations on movement and repetitive actions, moves beyond the immediate discharge of emotion, revealing instead a process through which emotions linger within the pictorial space, become organized, and are transformed into structure. Recurrent symbolic images function as devices that organize emotional flow, and the convergence of these two contrasting modes of expression demonstrates how my unique expressive potential gradually crystallizes into a coherent pictorial language. Second, this thesis examines how a new artistic direction is formed and materialized into concrete structures. Rectangular canvases, centralized compositions, and closed pictorial surfaces provide stability and order, yet they were perceived as excessively rigid frameworks for containing emotional complexity, inner turbulence, and the instability of lived experience. In response, the work begins with the dismantling of the frame, progressing through cutting and stitching, the use of irregular supports, and material experimentation to gradually construct new forms. These processes seek to expand painting beyond the realm of flat imagery, transforming it into a format capable of holding states of life and existence. The resulting formal transformations are presented as a record of how unique expression and a new artistic direction converge into a reconfigured painterly structure. Within this thesis, “imperfection” functions as a central concept in the process of artistic transformation. For me, imperfection operates as a self-portrait that reflects the self, as well as an attitude of accepting one’s incomplete nature. Perfection is an idealized concept that does not truly exist. Concepts such as perfection, beauty, and affirmation inherently possess a dual structure, always accompanied by the shadow of imperfection. The perfection I refer to lies not in completion, but in the process itself—recognizing one’s imperfection, becoming aware of its problems through self-examination, and working through them. This awareness forms the philosophical foundation of my practice and is concretized within the work through formal experimentation and the development of a visual language. Ultimately, my imperfection is not a flaw to be eliminated, but a condition that enables the construction of structure and the continuation of life. Painting becomes a practical space in which the inner self can be addressed, and the act of constructing new structures itself becomes a performative process of forming self-identity. This thesis seeks to record how painting can become an attitude toward life, and how art can function as a means of sustaining the self.