Meow in Nirvāṇa

Abstract

This study investigates the persistent absence of cats from the iconography of Japanese nirvāṇa paintings 涅槃圖 (Nehanzu). Nirvāṇa painting is a visual representation of the Buddha’s passing into nirvāṇa, it was transmitted throughout East Asia—including China, Korea, and Japan—and were reinterpreted according to the doctrinal, artistic, and devotional cultures of each region. Framing the discussion through Donna Haraway’s companion species theory, this paper reconsiders the interactions and co-evolution between humans and animals, proposing a reassessment of animal imagery in art history and visual culture. It focuses particularly on the striking and consistent absence of feline imagery in nirvāṇa paintings, situating this phenomenon within Buddhist doctrine, iconographic traditions, and broader cultural histories. In Japanese society, affection for cats has been culturally entrenched for centuries. Yet, despite this longstanding affinity and the frequent depiction of other animals in nirvāṇa compositions, cats remained conspicuously excluded. This paradox suggests a complex dynamic between societal fondness for cats and the symbolic system governing nirvāṇa iconography. A comparative analysis of nirvāṇa painting traditions across East Asia reveals that such works were relatively rare in China and Korea, where depictions of animals are scarcely found. In contrast, Japan saw the flourishing of nirvāṇa imagery of animals from the 13th century onward. Nevertheless, cats were systematically excluded, a trend closely linked to the negative representations of felines in Buddhist scriptures. The core argument of this study is that the absence of cats in nirvāṇa paintings cannot be reduced solely to doctrinal prohibitions. Rather, it calls for a more holistic analysis that encompasses feline behavioral and anatomical traits, along with human perceptual responses. Cats, unlike other carnivores, often hunt for play rather than survival—a behavioral trait that conflicts directly with Buddhism’s central precept of ahiṃsā or nonviolence 不殺生. This deliberate and repeated act of killing may have rendered cats susceptible to symbolic association with greed. Furthermore, their distinctive eyes—with dramatically shifting pupils and glowing at night—have long provoked unease or discomfort in human observers. Despite this long history of exclusion, the Edo period marks the beginning of a limited visual inclusion of cats in certain nirvāṇa paintings. However, this phenomenon must be interpreted with caution. Many of these works blur the boundaries between traditional nirvāṇa paintings and mitate-e 見立絵, parodic or secular reinterpretations of religious themes. This study therefore limits its scope to nirvāṇa paintings that adhered to Buddhist doctrinal and ritual functions, recognizing this distinction as essential for analytical precision. The inclusion of cats in some Edo-period works likely reflects the influence of the widespread pet culture of the time. Notably, such examples are geographically concentrated in the Kyoto region and often follow a shared compositional format. Among these, Nirvāṇa 大涅槃図 by Minchō 明兆, housed at Tōfukuji 東福寺, stands as the most prominent example. This painting not only features a clearly rendered cat but also became a widely recognized model, inspiring localized reproductions in the Kyoto area. Consequently, the appearance of cats in these paintings should not be interpreted as a broader cultural shift in Buddhist visual culture, but rather as a geographically and institutionally specific development shaped by the artistic authority of Minchō and the prestige of Tōfukuji Temple. In conclusion, this study argues that the absence and selective emergence of feline imagery in nirvāṇa paintings reflect a form of structural exclusion shaped by cultural sensibilities, Buddhist symbolic systems, and visual ethics. It repositions animals in art not as passive decorative motifs, but as active agents that participate in shaping symbolic and sensory regimes. Through an interdisciplinary, post-anthropocentric approach, this research offers a new framework for understanding the shifting dynamics between human and nonhuman representations in Buddhist visual culture.;본 논문의 목적은 일본 열반도(涅槃圖)에 반복적으로 등장하는 다양한 동물들 가운데 유독 고양이만이 지속적으로 도상에서 배제되어 온 이유를 규명하는 데 있다. 열반도는 석가모니의 입멸 장면을 묘사한 불화로, 중국·한국·일본 등 동아시아 불교문화권으로 전파되며 각 지역의 교리, 예술 양식, 신앙 문화에 따라 다양하게 재해석되어 제작되었다. 본 논문은 도나 해러웨이(Donna Haraway)의 ‘동반종 이론(companion species theory)’을 이론적 기반으로 삼아, 인간과 동물의 상호작용 및 공동 진화의 과정을 시각문화와 미술사 속 동물 도상의 재조명으로 연결한다. 특히 열반도에서 고양이만이 일관되게 배제되어 온 현상을 불교적, 문화사적, 도상학적 맥락에서 분석하고자 한다. 일본 사회에서 고양이에 대한 유별난 애정은 오랜 기간 지속되어 온 문화적 현상으로 평가된다. 그러나 열반도에서 고양이는 늘 배제되어 왔는데, 이는 일본 사회의 고양이 선호와 열반도 내 도상 체계 간의 복합적인 관계가 존재했음을 시사하며, 본 연구는 그 이면에 숨겨진 의미와 배경을 탐색하고자 한다. 동아시아 불교권의 열반도 제작 전통을 비교 분석한 결과, 중국과 한국에서는 열반도 자체가 상대적으로 드물고, 동물 도상은 거의 나타나지 않았다. 반면 일본에서는 열반도 제작이 활발해지며 동물 도상 또한 시각적 관습으로 정착되었다. 그러나 고양이만은 일관되게 배제되며, 이는 불교 경전에서 반복적으로 나타나는 고양이에 대한 부정적 묘사와 깊은 관련이 있다. 본 논문의 핵심은 고양이의 도상적 부재를 단순한 교리적 문제로 환원하지 않고, 고양이의 행동학적 및 해부학적 특성과 그에 대한 인간의 시각적 반응까지 아우르는 포괄적 분석을 시도한다는 점에 있다. 고양이는 사냥을 생존이 아닌 유희의 수단으로 삼는 독특한 포식 습성을 지니고 있으며, 이는 불교의 핵심 계율인 불살생(不殺生)과 정면으로 충돌한다. 반복적이고 고의적인 살생은 단순한 육식보다 더 큰 죄업으로 간주될 수 있으며, 고양이는 ‘탐(貪)’의 형상으로까지 해석될 여지를 지닌다. 또한 고양이의 눈은 동공 변화가 뚜렷하고, 밤에는 발광하는 시각적 특징을 지닌다. 이로 인해 인간에게 위화감이나 부정적인 정서를 유발한다. 이러한 도상적 배제에도 불구하고, 에도시대에 이르러 고양이가 일부 열반도에 등장했다. 그러나 이는 미타테에(見立絵) 형식의 패러디 회화와 전통적 예경용 열반도를 명확히 구분하지 않은 데서 비롯된 면도 있다. 본 논문은 불교 교리와 의례적 목적에 충실한 전통적 열반도를 분석 대상으로 삼으며, 이와 같은 구분은 논의의 정확성을 위해 필수적이다. 나아가 에도시대에 제작된 일부 열반도에 고양이 도상이 포함된 것은, 당시 사회 전반에 유행하던 애묘 문화의 영향을 받은 결과일 가능성이 크다. 더하여, 에도시대 고양이 도상의 등장은 주로 교토 지역에 집중되어 있으며, 배치 방식과 구도에서도 일정한 양식을 따른다. 특히 도후쿠지[東福寺]에 소장된 민초[明兆]의 <대열반도>는 고양이 도상이 등장한 가장 대표적인 사례로, 이후 교토 지역에서 유사한 도상이 국지적으로 재현되었다. 이는 고양이 도상이 일반화된 시각 문화라기보다는, 민초라는 특정 화가와 동복사라는 특정 사찰의 영향력 아래 형성된 제한적이고 지역적인 현상으로 보아야 한다. 따라서 본 연구는 고양이 도상의 부재와 제한적 등장이 단순한 ‘존재 여부’의 문제가 아니라, 문화적 감수성, 불교적 상징 체계, 시각적 윤리에 의해 형성된 구조적 배제였음을 규명한다. 나아가 동물이 미술사 속에서 단순한 장식물이 아닌, 상징과 감각 체계를 구성하는 능동적 존재였음을 조명한다.