르네 다논코트의 예술관과 1950년대 초 뉴욕현대미술관(MoMA)의 국제 전시

Abstract

본 연구의 목적은 르네 다논코트의 예술관을 통해 1950년대 초 뉴욕현대미술관(Museum of Modern Art, New York, 이하 ‘MoMA’로 약칭)의 국제 전시의 의미를 확인하는 것이다. 이를 위해, 본고는 MoMA의 2대 관장인 다논코트의 삶과 활동을 분석하며, 그의 국제주의적 관점과 원시 예술에 대한 열정에 주목하였다. 다논코트가 관장으로 재직했던 1949~1968년의 기간은 MoMA의 역사에서 가장 성공적이었던 시기로 평가된다. 오스트리아-헝가리 제국, 멕시코, 미국에 걸쳐있는 다논코트의 삶은 그가 국제주의자로서 성장할 수 있게 하였다. 그는 어린시절부터 미술에 대한 열정이 있었는데, 멕시코에서의 경험으로 원시 예술 전문가로 성장할 수 있었다. 다논코트의 두 가지 기반은 1950년대 초 MoMA의 국제 전시에 반영된다. 원시 예술과 현대 미술을 연결 짓는 그의 예술관은 당시 MoMA의 대외 전시를 이해하는 데 중요한 단서를 제공한다. 다논코트의 예술관과 MoMA의 방향성 사이의 연관성을 고찰하기 위해, 본 연구는 파리에서 개최된 《미국 현대 회화와 조각 12인전》(1953)과 《미국 예술 50년》(1955)에 주목한다. 이 두 전시는 유럽 문화의 중심지였던 파리에서 미국의 예술을 통해 자국의 이미지를 어떻게 제시하고자 했는지를 보여주는 중요한 사례다. 특히 냉전이라는 시대적 맥락 속에서, 미국 예술계가 해외에 제시하고자 했던 국가 이미지를 살펴볼 수 있다. 제2차 세계대전 이후 정치·경제·군사 분야에서 패권을 쥔 미국은 이를 바탕으로 문화적 영향력의 확장하고자 했으며, 이는 미국 미술을 국제무대에 소개하고자 했던 미술계의 목적과도 맞물렸다. 이러한 배경 속에서 MoMA는 보다 적극적으로 국제 전시을 전개할 수 있었다. 1950년대 MoMA의 국제 전시 활동과 다논코트의 문화 교류는 오랫동안 냉전 이데올로기 확산의 일환으로 해석되어 왔다. 막스 코즐로프, 에바 콕크로프트, 프랜시스 손더스 등은 MoMA와 미국 정부 기관 간의 협력을 문화 냉전의 전략으로 분석하며, 예술을 외교 도구로 보는 시각을 제시했다. 그러나 이러한 해석은 예술계 주체의 자율성과 능동성을 간과하는 한계가 있다. 이러한 한계를 보안하고자 미술사학계에서는 하부 주체와 개별 전시에 주목하는 미시적 연구가 등장하여, 예술계가 냉전 상황을 단순히 수용한 것이 아니라 전략적으로 활용했음을 강조하였다. 가이 맥도날드와 미쉘 엘리고트의 연구는 각각 MoMA의 해외 전시와 다논코트의 실무적 기여를 조명하지만, 여전히 그를 관장이자 전시 설치 전문가로 제한하는 경향이 있다. 이에 따라 본 연구는 다논코트를 보다 입체적인 국제 교류의 주체로 재조명하고자 한다. 본 연구는 세 부분으로 구성된다. II장에서는 다논코트의 삶을 통해서, 그의 국제주의적 가치관과 원시성에 기반한 예술관이 어떻게 발전되었는지를 살펴본다. III장에서는 《미국 현대 회화와 조각 12인전》을 중심으로, 추상표현주의가 미국의 ‘자유로운’ 이미지를 시각화하는 데 어떻게 활용되었는지를 분석하며, 이 사조와 다논코트의 원시 예술에 대한 관심 사이의 연관성도 고찰한다. IV장에서는 《미국 예술 50년》 전시를 통해 다논코트의 미국 모더니즘에 대한 인식을 조명한다. 그의 생각은 프랑스 국립현대미술관 관장이었던 장 카수의 관점과 조응하며 시너지를 발했다. 특히 산업 제품과 디자인을 전시한 것은 전통적 회화의 약점을 보완하면서도 유럽에 미국식 모더니즘을 제안하는 전략적 선택이자, 다논코트가 중요시한 원시성과의 연속성 속에서 이해된다.;The purpose of this study is to examine the significance of the Museum of Modern Art (MoMA)'s international exhibitions in the early 1950s through the lens of René d’Harnoncourt’s philosophy of art. To that end, this paper analyzes the life and career of MoMA’s second director, highlighting his internationalist perspective and deep interest in so-called “primitive” art. The period of d’Harnoncourt’s directorship from 1949 to 1968 is widely regarded as one of the most successful in MoMA’s history. His life, which spanned the Austro-Hungarian Empire, Mexico, and the United States, enabled him to grow into a committed internationalist. From an early age, he developed a passion for art, and his experiences in Mexico laid the foundation for his expertise in indigenous and non-Western art. These two formative influences found expression in MoMA’s international exhibitions of the early 1950s. D’Harnoncourt’s view of art, which emphasized connections between modern art and so-called “primitive” aesthetics, offers an important key to understanding MoMA’s external programming during this period. To explore the connection between d’Harnoncourt’s philosophy of art and the direction MoMA pursued, this study focuses on two major exhibitions held in Paris: Twelve Modern American Painters and Sculptors (1953) and 50 Years of American Art (1955). These exhibitions, presented in the cultural capital of Europe, reveal how the United States sought to present a national image through modern art. In the context of the Cold War, they also offer insight into the image the American art world aimed to project abroad. Following World War II, the United States had secured dominance in politics, economics, and military affairs; based on this position, it sought to expand its cultural influence. This goal aligned with the art world’s efforts to introduce American art on the global stage. Within this context, MoMA actively expanded its international exhibitions. For a long time, MoMA’s international programming and d’Harnoncourt’s role in cultural exchange during the 1950s have been interpreted primarily as instruments of Cold War ideology. Scholars such as Max Kozloff, Eva Cockcroft, and Frances Stonor Saunders have analyzed the cooperation between MoMA and U.S. government agencies as a deliberate strategy of cultural Cold War diplomacy, framing art as a tool of propaganda. However, this perspective tends to overlook the autonomy and agency of actors within the art world. In response, recent art historical studies have adopted a microhistorical approach, focusing on individual exhibitions and practitioners to argue that the art world did not merely comply with Cold War dynamics but also strategically leveraged them. While the work of Gay McDonald and Michelle Elligott has illuminated MoMA’s overseas programming and d’Harnoncourt’s technical contributions, they still tend to limit his role to that of a director or exhibition designer. This study seeks to reassess d’Harnoncourt as a more complex agent of international cultural exchange. This study is composed of three main sections. Chapter II examines d’Harnoncourt’s life and traces the development of his internationalist ideals and his aesthetic philosophy rooted in “primitivism.” Chapter III analyzes how Twelve Modern American Painters and Sculptors visually conveyed a “free” image of the United States through Abstract Expressionism, while also exploring the connection between this movement and d’Harnoncourt’s interest in indigenous art. Chapter IV focuses on the 50 Years of American Art exhibition to assess how d’Harnoncourt perceived American modernism. His ideas resonated with those of Jean Cassou, then-director of the Musée National d’Art Moderne, and together they produced a synergistic effect. The inclusion of industrial products and design in the exhibition served as a strategic complement to traditional painting, offering a model of American modernism to a European audience—one that also continued d’Harnoncourt’s emphasis on the legacy of primitive functional aesthetics.