한국창작춤 「생(生)」에 관한 연구

Abstract

본 논문은 박사 프로포잘로 발표된 한국창작춤 「생(生)」의 창작과정과 공연된 작품을 분석한 실기기반연구로, 본 연구는 연구자의 작품을 연구함으로써 안무자의 예술관을 확립하고 안무 방법론을 발견하여 예술적 역량 강화를 도모한다. 본 논문은 PBR을 중심으로 안무가가 작품 창작의 전 과정을 다각적으로 분석하고 독자적인 안무 방법론의 발견을 시도하며 작품의 구상부터 공연까지 전 과정에서의 1차 자료를 구축하여 분석의 기초를 마련한다. 분석의 대상인 한국창작춤 「생(生)」은 인간이 백지상태로 태어나 다양한 경험을 축적하며 자아를 형성해 나간다는 것을 주제로 한국춤의 핵심 요소인 호흡과 즉흥을 움직임 창작의 주제로 활용한다. 안무자는 작품의 주제 구현을 위해 개인 움직임 탐구를 진행하여 도출된 기본 움직임을 바탕으로 무용수의 적극적인 움직임 탐구를 유도하고, 그 과정에서 관찰된 무용수의 움직임 특성과 개성을 안무에 반영한다. 작품의 움직임 컨셉은 혼돈, 빈 상태, 경험의 세 단계로 구분되었고, 각 장의 주제에 부합하는 탐구 과제의 체험, 변형, 피드백 단계를 거치며 무용수가 움직임을 심층적으로 이해하고 작품에 자발적으로 참여하도록 했다. 한국창작춤 「생(生)」의 1장은 ‘생의 전, 혼돈’으로 인간 존재 이전의 무질서와 불안정을 나타냈으며 이는 하강하며 팔을 위로 들어 올리는 동작, 온몸을 떠는 동작, 그리고 이 동작들이 제자리에서 무음으로 느리게 진행됨으로써 에너지의 충돌과 소멸의 이미지로 드러났다. 2장 ‘탄생, 빈 상태’는 인간 탄생을 외부와 상호작용하기 이전의 순수하고 완전한 존재로 설명되며 가부좌 자세로 호흡하고, 호흡을 통해 비례와 대칭을 이루는 움직임으로 연결되어 조명과 플로어 패턴이 대칭과 균형의 이미지로 표현되었다. 그렇지만 이러한 대칭적이고 질서 정연한 움직임은 탄생 및 빈 상태를 표현하는 데는 다소 부족함이 있었다. 3장은 ‘탄생 이후’로 탄생 이후에 개인의 다양한 경험을 통해 고유한 정체성 확립할 수 있음을 나타내는 장으로 이는 몸을 부위별로 발전시키는 즉흥, 조건문이 있는 즉흥을 개성 있는 움직임으로 풀어나가고 플로어 패턴이 완전히 자유로워지는 상태까지 이르러 표현되었다. 이렇듯, 개별적이고 유기적인 신체의 움직임과 예측 불가능한 리듬과 속도감은 각 개인 삶의 궤적과 내면세계를 충분히 드러냈다. 본 연구의 분석 결과, 창작과정에서 설정한 움직임 컨셉 및 안무 의도가 작품에 효과적으로 반영되었음을 알 수 있었다. 그리고 창작과정 연구를 통해 본 연구자의 안무 방법론을 정리할 수 있었다. 움직임 창작 원리인 호흡과 즉흥은 안무적인 다양성을 확장하고, 작품의 내적 의미를 효과적 구현하는 데 중요한 방법으로 작용했음을 알 수 있었다. 더불어 무용수들의 주체성과 개성을 살린 안무 방식으로 작품 주제가 효과적으로 드러나도록 했음을 알 수 있었으며 이러한 안무법을 통해 창작된 작품에서 사용된 움직임, 플로어 패턴, 의상, 조명, 음악은 유기적으로 연결되어 각 장의 주제를 적절하게 표현해내었다. 결론적으로 본 연구는 호흡과 즉흥을 활용한 안무방법론을 기반으로 하여 공연된 「생(生)」이 한국창작춤에서 나아가 한국 컨템포러리 무용으로 동시대의 담론을 형성했음을 보여준다. 이에 대한 결론 및 논의는 첫째, 한국창작춤이 고정되지 않고 변화하는 예술 형태임을 ‘한국창작춤 안무법’을 통해 논증했다. 둘째, 공연과 작업을 텍스트로 전환하는 연구가 안무자이자 연구자들에게 필요한 방법임을 제안했으며, 셋째, 호흡과 즉흥을 중심으로 한 안무법의 움직임 원리가 동시대 무용 창작 방법으로써 가치를 가질 수 있음을 확인하였다. 그리고 넷째, 무용수의 주체성을 실현한 본 연구의 안무법으로 안무자와 무용수의 관계에 대한 논의가 이어질 수 있음을 제안했으며, 마지막으로 안무 의도의 구현 여부를 체계적으로 분석하고 관객의 해석을 반영하는 후속 연구의 필요성을 제시하였다. 결과적으로, 본 연구가 후배 안무가들이 자신의 창작 방향을 점검하고 예술성 향상을 이룰 수 있는 하나의 참고가 되길 바라며, 호흡과 즉흥의 원리를 통한 동시대의 무용 작품 사례로 컨템포러리 안무가들에게 또한 유의미한 참고가 되기를 기대한다.;This dissertation presents a practice-based research (PBR) investigation into the creative and performative processes underlying the Korean contemporary dance work Saeng (生), which premiered as part of a doctoral proposal at Ewha Womans University on December 5, 2023. The principal aim of this study is to articulate the choreographer’s artistic philosophy and to formulate a distinct choreographic methodology through an in-depth analysis of the work, thereby contributing to the advancement of choreographic practice and knowledge production in Korean contemporary dance. Employing a practice-based research framework, this study engages in a comprehensive analysis encompassing the full trajectory of creation—from conceptualization to rehearsal and final performance. Primary data were generated through embodied experimentation, process documentation, performer feedback, and performance analysis. These data served as the basis for constructing an original choreographic methodology. Saeng (生) investigates the construction of identity through the metaphor of life as a blank slate shaped by lived experience. The choreography is structured into three thematic phases—chaos (pre-life), blankness (birth), and experience (postnatal development)—each reflecting a distinct dimension of corporeal and psychological transformation. Central to the work are the choreographic principles of breath and improvisation, which are rooted in traditional Korean dance vocabularies but reinterpreted through a contemporary lens. Dancers engaged in a series of embodiment tasks designed to foster creative autonomy, deepen movement understanding, and encourage active participation in the generative process. Performance analysis confirms that the choreographic intentions and movement concepts developed during creation were effectively actualized on stage. The integration of breath and improvisation emerged as a core compositional strategy, enabling both structural innovation and emotional authenticity while foregrounding dancer subjectivity and individuality. The work’s scenographic elements—spatial design, costume, lighting, and sound—further reinforced its conceptual and emotional arc. This research positions Saeng (生) as a case study demonstrating the potential of Korean creative dance to evolve within a contemporary discourse through methodologies grounded in indigenous movement principles. The study offers five key contributions: (1) it proposes a flexible, evolving model of Korean creative dance, articulated as the “Korean Creative Dance Choreographic Method”; (2) it underscores the scholarly importance of translating creative and performative processes into textual and theoretical frameworks; (3) it validates breath and improvisation as effective tools for contemporary choreographic practice; (4) it highlights the capacity of choreographic strategies to activate dancer subjectivity and reframe choreographer–dancer dynamics; and (5) it advocates for the development of systematic methodologies for analyzing choreographic intent and integrating audience interpretation. Ultimately, this study contributes to serve as a valuable resource for emerging choreographers seeking to critically reflect on their creative direction and enhance their artistic practice. Furthermore, by presenting a case study of a contemporary dance work grounded in the principles of breath and improvisation, it offers meaningful insights for choreographers engaging in contemporary discourse and practice.