무용창작 작품 「춤이 나를 말하다」에 관한 연구

Abstract

본 논문은 연구자의 이화여자대학교 무용학과 실기박사 졸업 무용작품 「춤이 나를 말하다」의 구상, 안무, 연습 및 공연의 전 과정을 연구한 것이다. 무용작품 「춤이 나를 말하다」는 ‘나는 내 춤을 어떻게 생각하는가?’라는 주제를 중심으로 5명의 발레무용수가 자신의 춤 이야기를 움직임으로 말하는 것이며, 옴니버스(Omnibus) 형식으로 구성하였다. 본 연구는 「춤이 나를 말하다」의 연구를 통해서 본 안무가의 안무 스타일과 예술 철학을 확립하는데 목적이 있다. 본 연구자는 기존 발레교육과 안무환경에서 무용수가 수동적인 존재로 여겨지는 점에 문제의식을 느끼고, 무용수를 창작의 주체로 전환하는 새로운 접근을 시도하였다. 본 연구에서는 몸학(Somatics)의 수련법을 바탕으로 무용수가 자신의 몸을 지각하고 감각함으로써 의미 있는 움직임을 생성할 수 있도록 유도하였다. 이를 위해 연구자는 안무가가 지시자가 아닌 ‘촉진자(facilitator)’로서의 역할을 하기 위해서 무용수와 수평적 의사소통의 창작 환경을 조성하였다. 본 논문은 실기기반연구법(Practice Based Research)을 중심으로 무용창작 작품 「춤이 나를 말하다」의 구상부터 공연까지 창작 및 연습의 전 과정과 공연된 작품을 연구하였다. 본 연구는 PBR의 연구 절차에 따라 ‘연구 설계 → 작품 구상 → 안무 및 연습 → 작품 공연 → 공연 작품 분석’의 순으로 연구를 진행하였다. 그리고 창작 및 연습 단계에서 구축한 작업 및 체험일지, 인터뷰 녹취록, 공연 DVD 등을 연구 자료로 사용하였다. 본 논문의 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 작업의 결과물인 작품뿐만이 아니라 과정의 중요성도 확인하게 되었다. 둘째, 본 안무가도 인지하지 못했던 무용 스타일이 밝혀졌고 안무가로서 성장하게 되었다. 셋째, 안무가와 무용수의 민주적 소통방식의 중요성을 확인하게 되었다. 넷째, 무용수들은 작품의 창작 과정과 공연 참여를 통해, ‘무용’이란 단순히 동작의 완성도를 넘어서 자신의 내면을 감각하고 표현하는 주체적인 과정임을 경험하게 되었다. 본 연구자는 본 작품의 창작 과정과 공연을 통해 안무 스타일을 체계화할 수 있었다. 첫째, 안무가는 외형적 형식보다 감각 기반의 움직임 생성을 중시하며, 무용수의 내면에서 비롯된 움직임이 무대 위에 자연스럽게 드러나도록 하였다. 둘째, 무용수 각자의 삶, 감정, 자기 탐색 등을 움직임으로 서사화하였다. 셋째, 안무가는 개별성을 존중하면서도, 전체적인 조화와 통합성을 지향하는 안무 방식을 구현하였다. 또한 안무가는 작품의 결과물뿐만 아니라 몸 감각과 움직임 탐구의 과정, 무용수와의 협력 관계를 중요하게 생각했다. 즉 안무가는 촉진자이자 조정자로서의 역할을 하며, 창작 과정도 작업의 결과물인 작품만큼이나 중요하다는 철학을 확립하는 중요한 전환점이 되었다. 본 연구의 의미는, 「춤이 나를 말하다」가 감각성, 서사성, 그리고 개념적 사고를 구현한 것을 밝힘으로써 발레 작품을 담론과 비판적 실천의 장으로 확장했다는 점이다. 지금 여기, 즉 21세기 한국에서 발레 전공자들의 정서와 이야기를 담아낸 컨템포러리한 발레 작품을 창작한 것은 의미가 있는 일이라 사려 된다. 본 작품은 창작 방법과 예술적 표현에 있어 지금 여기의 상황과 역사를 담은 동시대의 발레 작품을 창작한 사례라 할 수 있다. 본 연구가 21세기 한국의 발레를 창작하고자 하는 한국의 발레 안무가와 자신의 춤과 주체성에 대해 고민하고 성장하길 원하는 무용수들에게 참고가 되길 바란다.;This study investigates the full process—planning, choreography, rehearsal, and performance—of the practice-based doctoral dance work 「Dance Speaks for Me」, created and presented by the researcher at Ewha Womans University. Centered around the question, “How do I perceive my dance?”, the work features five ballet dancers who express their individual dance narratives through movement. Constructed in an omnibus format, the piece reflects the choreographer’s artistic philosophy and choreographic style, which emphasize dancer autonomy and somatic awareness. Challenging the traditionally hierarchical structure between choreographer and dancer, this research repositions the choreographer as a facilitator, fostering a horizontal and collaborative creative environment. Utilizing a Practice-Based Research (PBR) methodology, the study followed a structured process: research design, conceptual development, choreography and rehearsal, performance, and performance analysis. Materials such as rehearsal journals, personal reflections, interview transcripts, and performance recordings were used as core data sources. The findings are as follows: First, the study highlights the value of the creative process alongside the final performance. Second, the choreographer identified and developed a unique choreographic style grounded in sensory perception, narrative movement, and resonant expression. Third, the importance of democratic communication between choreographer and dancer was affirmed. Fourth, through active engagement in the creative process, dancers experienced dance not merely as technical execution but as an act of self-perception and embodied expression. This work expands the discourse of ballet in Korea by integrating sensoriality, narrative, and conceptual reflection into a contemporary ballet format that resonates with the lived experiences of 21st-century Korean dancers. As such, this study offers a meaningful reference for Korean choreographers seeking alternative approaches to ballet creation and for dancers pursuing greater subjectivity and artistic growth.