요동치는 형상들, 발광하는 신성들

Abstract

본 논문은 화면 위에 이질적인 요소들을 배치하여 새로운 의미를 만드는 나의 회화에 대한 연구이다. 나에게 회화의 화면은 직선적인 의미관계가 확립되는 사회적 규범의 경계를 횡단할 수 있는 대안적인 시공간으로 존재한다. 그런 점에서 사각형 캔버스 프레임 속의 이미지는 현실과 별개의 가상적인 장소로 존재하는 동시에, 현실을 다시 바라보게 만드는 창구로서 기능한다. 나는 인간과 비인간의 요소가 이질적으로 결합된 형상들을 무대로 비유되는 화면 위에 이주시켜 알레고리적 우화를 만든다. 현실적인 단상과 초현실적이고 신화적인 모티브가 공존하는 화면 위에서 형상과 알레고리가 만드는 의미는 고정된 질서에서 벗어나 요동친다. 또한 나는 정지된 캔버스 화면 위에 제스처의 방법론을 통해 형상들의 운동과 발광을 표현하고자 한다. 이를 통해 점, 선, 면과 같은 회화적 표현물들은 산발하는 빛의 궤적처럼 다양한 방향성을 그리며 화면 위의 언어적 내용과는 별개의 리듬을 형성한다. 본 논문에서는 괴물, 알레고리, 제스처라는 세 가지 분류를 통해 작품을 분석한다. 이러한 분류는 형상과 서사성 그리고 회화적 표현물들이 화면 내에서 어떻게 의미를 형성하는지를 구체적으로 연구하기 위하여 구조화되었다. 이 세 가지 요소는 내용과 형식에 있어서 각각 고유한 시각적 의미를 창출하며 화면 내에서 평등하게 거주한다. 첫 번째로, 괴물과 같은 형상은 인간과 비인간, 신성과 키치함 사이를 아이러니하게 오가며 우스꽝스러운 형태로 작품 내에 존재한다. 자신과 자신이 아닌 것으로 구성된 이들의 모양새는 정상성에서 미끄러진 괴물의 이미지를 드러내며, 이는 작업의 주요 동기 중 하나인 정상성과 소수자성 사이의 불화를 반영한다. 괴물은 주어진 틀을 벗어나 다른 형상과 연결되고 변신할 수 있는 역량을 지니는데 이 결합은 신성과 저급한 유머를 동시에 호출하기도 한다. 두 번째로, 알레고리는 의미화와 서사의 가능성을 열어준다. 나의 작업에서 형상들이 이질적으로 접속, 배치되는 전략은 알레고리적인 방법론에 기초한다. 닫힌 체계 속에서 하나의 의미를 전달할 것처럼 보이는 구상적인 알레고리들은 사실 그 안에 다양한 의미 변화의 가능성을 내포하고 있다. 그런 점에서 이미 존재하는 세계의 파편들을 빌려와 자의적으로 만들어내는 알레고리적 서사는 완결되지 않는 열린 이야기로 작품 내에 그려진다. 세 번째로, 제스처는 회화의 표면을 다루는 물질적 형식의 문제와 맞닿아 있다. 추상성을 지닌 제스처 역시 화면 내의 다른 구상적 요소들처럼 내용을 담고 있지만, 이 내용은 언어로 완전히 번역될 수 없는 외침, 리듬과 같은 존재로 자리한다는 점에서 구별된다. 따라서 제스처와 같은 회화적 표현물들은 화면 위의 언어적 메시지와 이미지의 대응이라는 선형적 서사의 시간성을 침투하고 깨부수며 존재한다. 이처럼 화면 위의 다양한 존재들은 각각의 의미를 자의적으로 만들어내며 거주한다. 그리고 이러한 관심은 정지된 속성을 지닌 회화 화면 위에서 빛의 요동침을 표현하는 것에 대한 최종적인 고민으로 심화된다. 특히 발광체인 별에 대한 소재적 관심 하에 제스처를 통한 선과 색면들은 빛을 표현하는 다양한 회화적 방법론들로 연구된다. 이 빛의 선들은 서로 다른 방향성을 그리며 정지된 화면의 이질성과 운동을 추동하고 강화시킨다. 끊임없이 뭉치고 교차하는 빛들의 에너지는 캔버스 위를 여러 방향으로 미끄러지고, 횡단하고, 침투하며 존재한다.;This thesis is a study on my painting work in which new meanings are created by the placement of disparate elements on the canvas. The canvas of a painting exists as an alternative space-time to me that allows crossing the boundaries of social norms that establish linear semantic relationships. In that sense, the image in the square canvas frame exists as a virtual space separate from reality, while at the same time serving as a window into reality. I create allegorical fables by migrating disparate combinations of human and non-human elements onto a canvas that is likened to a stage. On the canvas, where realistic thoughts coexist with surreal and mythological motifs, the meanings created by the shapes and allegories fluctuate from a fixed order. I also aim to express the movement and luminescence of the figures through the methodology of gesture on a still canvas screen. In this way, pictorial representations such as dots, lines, and planes, like the trajectory of scattered light, move in varying directions, forming a rhythm that is separate from the linguistic content on the screen. In this thesis, the work is analyzed through three classifications: monstrous, allegorical, and gestural. These categorizations are structured to specifically examine how figuration, narrativity, and pictorial representation shape meaning on canvas. Each of the elements, in content and form, creates its own visual meaning and inhabits the canvas equally. Firstly, the monstrous figure is present in the work in a ridiculous form oscillating ironically between human and non-human, sacred and kitsch. Their shapes, composed of themselves and what they are not, reveal images of monsters who have slipped from normality, reflecting one of the main motivations of the work, the discord between normality and minority nature. Monsters have the ability to connect with and transform into other figures outside of the given frames, a combination that invokes both the sacred and low humor. Second, allegory opens up the possibility of meaning and narrative. The strategy of disparate access and placement of figures in my work is based on an allegorical methodology. Figurative allegories that seem to convey a single meaning in a closed system actually contain within it the possibility of various changes in meaning. In that respect, the allegorical narrative, which borrows fragments of the already existing world and creates them arbitrarily, is depicted in the work as an open story that is never completed. Third, the gesture engages with the question of the material form, which deals with the surface of the painting. Gesture with its abstractness is as contented as any other figurative element on the canvas, but it is distinguished by the fact that it exists as a cry or rhythm that cannot be completely translated into language. Thus, pictorial expressions such as gesture are present, penetrating and breaking the temporality of the linear narrative of the correspondence of verbal messages and images on the canvas. Various beings inhabit the canvas, arbitrarily creating their own meaning. This interest deepens into a final concern with the representation of the fluctuations of light on a painting canvas with its static nature. In particular, line and color planes through gestures are examined as different painterly methodologies for representing light with a material interest in stars as luminaries. These lines of light are drawn in different directions, driving and reinforcing the heterogeneity and movement of the still picture. The energy of the lights constantly converging and intersecting is present sliding, traversing, and penetrating the canvas in multiple directions.