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프랑스 국립 음악원의 플루트 연주법에 관한 교육 자료 연구 및 활용법

Title
프랑스 국립 음악원의 플루트 연주법에 관한 교육 자료 연구 및 활용법
Other Titles
Analysis and Application of Flute Playing Method Books in Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris: Focusing on Marcel Moyse’s Flute Playing Method Book
Authors
김현경
Issue Date
2023
Department/Major
대학원 음악학부
Keywords
플루트 연주법, 마르셀 모이즈, 프랑스 국립 음악원, 플루트
Publisher
이화여자대학교 대학원
Degree
Doctor
Advisors
배종선| 윤승현
Abstract
‘French flute music’ possesses distinct characteristics such as graceful coloration, unique nuances, and a variety of playing techniques. In particular, French flute works from the nineteenth-century onwards occupy a significant portion in terms of quantity and diversity within the flute repertoire. Through the French pedagogical approach and educational materials, the system of contemporary flute playing techniques can be considered complete. This dissertation aims to examine various flute performance techniques, specific practice methods, and pedagogical approaches through the analysis of books compiled by the former professors of the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. It seeks to enhance practical understanding and improvement in the performance aspects by presenting their applications in twentieth-century flute repertoire. Marcel Moyse (1889-1984) wrote a total of 30 books covering various flute playing techniques. These books are divided into two aspects: one focusing on improving flute technique and the other containing exercises for sound and musicality. In continuation, this study applies and adapts Marcel Moyse’s practice methods analyzed in his books to Georges Hüe’s Fantaisie pour flûte et piano (Fantasy for Flute and Piano, 1913), focusing on the important flute playing techniques and musical elements such as tonguing, finger technique, tone color, and nuances emphasized in early twentieth-century flute compositions. By following Moyse’s practice methods, this research aims to provide effective ways to utilize his approach more efficiently. The Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, the first public music institution in France, holds significant historical importance in the field of music. It was established in 1795 after the French Revolution and played a crucial role in discovering, nurturing, and producing talented musicians. The institution’s structured curriculum and educational materials, designed by its faculty, have trained musicians who not only engage in active musical careers after graduation but also join the faculty to educate future generations. The flute faculty, like other disciplines, mostly consists of graduates from the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Through their individual educational philosophies and teaching materials, they have contributed to the development of French flute music today. Considering the tenure, publication years, the format, and content of the books compiled by the flute faculty of the Conservatoire, this study aims to categorize them into three different periods and analyze the structural evolution of the flute as well as its relationship with performance techniques. The first period encompasses the time before the development of the Boehm system flute. During this period, various forms of flutes were used, and numerous attempts and research were made until the establishment of the modern instrument. François Devienne (1759-1803), a member of the early faculty of the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, authored Nouvelle méthode théorique et pratique pour la flûte (New Theoretical and Practical Method for the Flute, 1794). This book covers the foundational theory of the flute, practice methods, and performance repertoire for flutes with a single key. Antoine Hugot (1761-1803) and Johann Georg Wunderlich (1755-1819), who also served as faculty members at the institution during the same period, presented an educational structure centered around flutes with four keys in their book Méthode de flûte du Conservatoire (Method for Flute from the Conservatoire, 1804). This publication holds significance as the first official educational resource for flute at the Conservatoire. Jean Louis Tulou (1786-1865), who succeeded Wunderlich, introduced three different flute forms, including his own developed instrument, in his book Méthode de flûte (Method for Flute, 1835). Notable features of this publication include detailed explanations accompanied by illustrations and a systematic organization based on fingering techniques. During this period, as flute designs continued to evolve until the establishment of the Boehm system, the educational materials published by the faculty shed light on the forms of instruments used, as well as performance and teaching methods. The second period is characterized by the adoption and application of the Boehm system flute as the official instrument at the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. This period was marked by the presence of Joseph Dorus (1812-1896) and Joseph-Henri Altès (1826-1895), who played significant roles in introducing and developing the teaching methods for the Boehm system flute. Dorus applied the principles from Devienne’s Nouvelle méthode théorique et pratique pour la flûte to the Boehm system flute and compiled L’Étude de la nouvelle flûte, Boehm (Studies for the New Flute, Boehm, 1840). Following Dorus, Altès, during his tenure as a faculty member at the Conservatoire, authored Méthode pour Flûte, Système Boehm (Method for Flute, Boehm System, 1880), which provided detailed explanations of flute theory and performance techniques. This publication holds significance as the first educational resource specifically designed for the Boehm system flute. Finally, the last period encompasses the tenure of renowned flutists who received their education at the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris using the Boehm system flute. It was a transformative era marked by significant advancements in flute music and the flourishing of French flute music. This period saw the establishment of the ‘French flute school’ and was led by Paul Taffanel (1844-1908), who defined its principles, and his disciple Philippe Gaubert (1879-1941). Their collaboration resulted in the publication of Méthode complète de flûte (Complete Method for the Flute, 1923), which was based on Taffanel’s educational philosophy for flute performance enhancement. This comprehensive method book incorporated Taffanel’s systematic teaching approach and the application of diverse and innovative repertoire, laying the foundation for the technical aspects of flute playing as well as fostering a multidimensional understanding and interpretation of music, thus establishing the educational principles of the new French flute school. In this research, particular emphasis is placed on Marcel Moyse (1889-1984), who inherited and built upon the musical legacy of Philippe Gaubert and the previous flute professors at the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Drawing from the educational materials of the previous faculty members, Moyse crafted comprehensive and systematic exercises for flute playing, tailoring the topics of each method book to specific flute techniques. Moyse’s instructional books for technique enhancement encompassed various aspects in great detail, including fingerings, articulation, rhythmic variations, and different combinations, and one notable example is his work Exercices journaliers (Daily Exercises, 1923). This book consisted of scales and arpeggios spanning the entire range of the flute in all keys, providing a solid foundation for concentrated practice. Additionally, Moyse’s De la sonorité: art et technique (On Sound: Art and Technique, 1934), considered a representative text on flute tone and timbre, approached the enhancement of flute acoustics from five different perspectives based on his philosophy. It presented specific and technical methods for expressing musical ideas through the instrument. One of Marcel Moyse’s innovative instructional books, 24 Petites études mélodiques avec variations (24 Short Melodic Studies with Variations, 1932), was designed to help performers learn and play music with correct understanding of its fundamental structure, form, and principles. Moyse composed the book using various compositions, diverse rhythms, and melodies in different forms, allowing musicians to naturally assimilate these elements through actual performance rather than mere theory. He also introduced a new approach to phrasing exercises through variations. Additionally, in Tone Development Through Interpretation (1962), Moyse made new attempts in flute performance and pedagogy to transcend the acoustic limitations of the flute instrument. He arranged 90 pieces originally composed for piano, voice, and string instruments into flute versions, selecting and dividing them into themes while considering musical aspects such as phrasing and nuances. This book offers a significant contribution by presenting diverse methodologies for flute performance, ranging from the advantages of harmonic instruments like the piano to the persuasive realm of vocal music conveyed through lyrics. One of the representative flute compositions of early twentieth-century French flute music is Fantaisie pour flûte et piano by Georges Hüe, which is designated as one of the competition pieces at the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. This work showcases various changes in mood and a wide range of flute playing techniques due to frequent tempo fluctuations. By incorporating Marcel Moyse’s practice methods for each flute technique demonstrated in this composition, this study explores practical approaches to enhance flute performance skills from the perspective of the performer. Through the educational materials of the faculty members at the Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, particularly focusing on Marcel Moyse’s practice methods discussed in his books, this research aims to study flute playing techniques and pedagogy, as well as investigate the possibilities for changes and advancements in performance skills. By specifically applying and suggesting ways to incorporate the practice methods discussed in Moyse’s works into performance pieces, this study seeks to facilitate the understanding of flute performers and educators.;‘프랑스 플루트 음악’은 유려한 색채, 독특한 뉘앙스, 다양한 연주 기법 등의 뚜렷한 특징을 가진다. 특히 19세기 이후의 프랑스 플루트 작품은 플루트 레퍼토리 중 그 수와 다양성에서 큰 부분을 차지하고 있으며, 프랑스식 교수법과 교육 자료들을 통해 오늘날의 플루트 연주 기법의 체계를 완성했다고 볼 수 있다. 본 논문은 플루트의 다양한 연주기술과 구체적인 연습방법, 효과적인 교수법을 프랑스 국립 음악원의 역대 교수진들이 편찬한 교육 자료들을 통해 알아보고, 그 활용법을 20세기 플루트 연주곡에서 제시하여 실질적인 연주학적 측면의 이해와 향상을 목적으로 한다. 그중 마르셀 모이즈(Marcel Moyse, 1889-1984)가 플루트의 다양한 연주기술에 대하여 집필한 30여 개의 교육 자료들 가운데 플루트의 테크닉 향상을 목적으로 집필한 교수법과 소리, 음악적인 부분에 대한 연습법을 제시한 교수법 두 가지 체계로 나누어 분석한다. 이어서 20세기 초 플루트 연주곡에서 중요하게 다루어지는 연주기법들 즉, 텅잉, 손가락 테크닉 등의 기술적 요소들과 음색, 뉘앙스 등의 음악적 요소들을 모이즈의 저서에서 분석한 연습 방법에 따라 조르주 휴(Georges Hüe, 1858-1948)의 《플루트와 피아노를 위한 판타지》(Fantaisie pour flûte et piano, 1913)에 대입하고 응용하여 그의 연습법을 보다 효과적으로 활용할 수 있도록 제시한다. 프랑스 최초의 공공 음악기관인 프랑스 국립 음악원은, 프랑스 혁명 이후 1795년 설립되었으며 재능 있는 음악가들을 발굴, 양성하고 배출할 수 있었던 중요한 음악사적 의미를 가진다. 음악원 교수진들에 의하여 체계적으로 구성된 커리큘럼과 교육 자료들을 통하여 양성된 음악가들은 졸업 후 활발한 음악 활동뿐만 아니라 음악원 교수진으로 합류하여 후학을 양성하였다. 플루트 교수진들도 마찬가지로 대부분 프랑스 국립 음악원 출신이며, 이들은 각자의 교육 철학과 교육 자료들을 통해 오늘날 프랑스 플루트 음악의 발전을 이루었다. 이러한 프랑스 국립 음악원 플루트 교수진들이 플루트 연주법에 대하여 편찬한 저서들을 재임 시기, 출판 연도, 교재에서 다루고 있는 악기의 형태와 내용 등을 고려하여 세 시기로 구분하고, 분석을 통해 플루트의 구조적 발전과 연주법과의 상관관계를 알아보고자 한다. 첫 번째 시기는 악기 개량의 시도와 연구가 활발히 이루어지던 시기로, 소재와 구조에 따른 취약점인 음량과 음정, 연주학적 측면의 문제를 해결하기 위한 다양한 형태의 플루트가 개발되고 사용되었던 시기이다. 프랑스 국립 음악원의 초기 교수진이었던 프랑수아 드비엔느(François Devienne, 1759-1803)가 저술한 『플루트에 대한 새로운 이론적이고 실용적인 교습법』(Nouvelle méthode théorique et pratique pour la flûte, 1794)은 플루트의 기초 이론을 시작으로, 키(key)가 하나로 이루어진 형태의 플루트에 대한 연습 방법과 연주곡 등을 다루고 있다. 같은 시기에 음악원에서 교수진으로 재임했던 앙투안 위고(Antoine Hugot, 1761-1803)와 요한 게오르그 분더리히(Johann Georg Wunderlich, 1755-1819)가 집필한 『음악원 플루트 교습법』(Méthode de flûte du Conservatoire, 1804)은 4개의 키로 이루어진 형태의 플루트를 중심으로 학습적인 구성으로 이루어져 있으며, 최초의 ‘공식’ 프랑스 국립 음악원 플루트 교육 자료라는 점에서 의의를 가진다. 분더리히의 후임이었던 장 루이 툴루(Jean Louis Tulou, 1786-1865)가 저술한 『플루트 교습법』(Méthode de flûte, 1835)에서는 본인이 개발한 악기를 포함하여 총 3개의 플루트 형태를 소개하고 있으며, 그림을 첨부한 구체적인 설명과, 운지법에 따른 체계적인 구성이 특징이다. 이와 같이 뵘식 플루트(Boehm System Flute)의 형태가 자리 잡기 전까지 계속된 악기의 개량에 따라 여러 형태의 악기가 사용되고 있었으며, 이 시기에 출판된 교수진들의 교육 자료에서 그 악기들의 형태, 연주법과 교수법을 확인할 수 있다. 두 번째 시기는 뵘식 플루트를 프랑스 국립 음악원 공식 악기로 수용하고 적용한 조세프 도뤼스(Joseph Dorus, 1812-1896)와 최초의 뵘식 플루트를 위한 교재를 집필한 조세프 앙리 알테(Joseph-Henri Altès, 1826-1895)가 재직했던 시기로, 뵘식 플루트를 위한 교수법이 적용되기 시작한 시기이다. 도뤼스는 드비엔느의 『플루트에 대한 새로운 이론적이고 실용적인 교습법』을 뵘식 플루트에 적용하여 『뵘식 플루트를 위한 새로운 플루트 연습곡』(L’Étude de la nouvelle flûte, Boehm, 1840)을 편찬하였다. 도뤼스 다음으로 음악원 교수로 재임했던 알테의 교재 『뵘식 플루트를 위한 교습법』(Méthode pour flûte, systèm Boehm, 1880)은 플루트 이론과 연주법에 대하여 자세하게 다루었으며, 최초의 뵘식 악기를 위한 교육 자료라는 점에서 의의가 있다. 마지막으로 뵘식 플루트로 프랑스 국립 음악원에서 교육을 받은 타파넬부터 고베르까지 재임했던 시기로 비약적인 플루트 음악의 발전과 더불어 프랑스 플루트의 음악의 전성기가 시작된 시기이다. ‘프랑스 플루트 학교’의 정의를 확립한 폴 타파넬(Paul Taffanel, 1844-1908)과 그의 제자인 필리프 고베르(Philippe Gaubert, 1879-1941)가 집필한 『플루트의 완전한 교습법』(Méthode complète de flûte, 1923)은 플루트 연주기술 향상을 위한 타파넬의 음악 교육 철학을 바탕으로 쓰여 졌다. 이 교재에서 다룬 내용들을 바탕으로 이루어졌던 타파넬의 체계적인 교육방식, 다양하고 새로운 레퍼토리의 적용은 플루트 연주의 기술적인 측면뿐 아니라 다각적인 음악의 이해와 해석을 바탕으로 새로운 프랑스 플루트 학교의 교육관을 세웠다. 본 논문에서 집중 조명하고 있는 마르셀 모이즈(Marcel Moyse, 1889-1984)는 고베르까지의 플루트 연주학과 관련한 음악 유산을 이어받아 이를 계승한 인물로, 역대 프랑스 국립 음악원 교수진들의 교육 자료들을 바탕으로 플루트의 각 연주 기법들에 대하여 교재마다 주제를 달리하여 구체적이고 체계적인 연습법을 다양한 측면에서 세부적으로 다루었다. 모이즈가 저술한 테크닉 향상을 위한 교재들은 모든 경우의 수를 포함한 손가락의 조합, 조성, 여러 가지 리듬의 변형과 다양한 아티큘레이션을 대입하여 다루었고, 그중 하나인 『매일연습』(Exercices journaliers, 1923)은 모든 조성으로 이루어진 전 음역대의 스케일, 아르페지오를 완전하게 집중적으로 익힐 수 있도록 기초를 다루었다. 또한 플루트의 소리, 음색에 대한 대표적인 저서라고 할 수 있는 모이즈의 『소리의 울림: 예술과 기술』(De la sonorité: art et technique, 1934)은 플루트의 음향학적 측면의 향상을 위하여 본인의 철학에 따라 5가지의 측면으로 접근하였으며, 악기로 연주할 수 있는 음의 표현 방법에 대해 구체적이고 기술적인 방법을 제시하였다. 모이즈의 독창적인 교수법을 제시한 교재 중 하나인 『24개의 짧은 멜로디 연습곡』(24 Petites études mélodiques avec variations, 1932)은 연주자들이 음악의 기본적인 구조와 형식, 법칙을 바르게 학습하고 연주하기 위한 용도로 쓰여 졌다. 모이즈는 이러한 요소들을 이론이 아닌 실제 연주를 통해 자연스럽게 익힐 수 있도록 모든 조성과 다양한 박자, 여러 형식의 멜로디로 구성하였으며, 바리에이션을 통한 새로운 방식의 프레이징 연습법을 제시하였다. 또한 모이즈는 『곡 해석을 통한 음의 개발』(Tone Development Through Interpretation, 1962)에서 플루트 악기가 가진 음향학적 한계를 벗어나기 위하여 다양한 작품을 통한 연주법과 교수법적인 측면의 새로운 시도를 하였다. 피아노와 성악, 현악기를 위한 90개의 작품들을 플루트 버전으로 편곡하였으며, 모이즈가 악상, 뉘앙스 등 여러 가지 측면을 고려하여 주제를 정하여 나누고 선별한 곡들로 이루어져 있다. 이 교수법은 피아노와 현악기와 같이 다선율 악기가 가진 장점과, 성악곡과 같이 가사로 내용이 전달되는 음악의 영역까지 플루트로 연주하기 위한 다양한 방법론을 제시하고 있다는 점에서 큰 의의를 갖는다. 20세기 초 프랑스 플루트 음악을 대표하는 연주곡 중 한 곡인 조르주 휴의 《플루트와 피아노를 위한 판타지》는 프랑스 국립 음악원의 전통인 콩쿠르의 지정곡 중 하나로, 잦은 템포변화에 따른 분위기의 변화와 다양한 연주기법이 드러나는 작품이다. 이 작품에서 나타나는 연주 기법마다 마르셀 모이즈의 연습 방법을 활용함으로써, 실제 연주곡에서의 응용을 통해 연주자의 입장에서의 플루트 연주력 향상을 위한 실질적인 방법을 연구하였다. 이와 같이 프랑스 국립 음악원 교수진들의 교육 자료들을 통해 플루트 연주법과 교수법의 변천사를 살펴보고, 연주학적 측면에서의 발전과정과 앞으로의 가능성에 대하여 알아보았다. 그중 모이즈의 교육 자료를 중심으로 그의 교수체계를 분석하고 이를 통해 도출한 연습 방법을 연주곡에 구체적으로 대입하고 활용 방안을 제시함으로써 플루트 연주자와 교육자들의 이해를 돕고자 한다.
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