조선 후기 초상화 기법을 응용한 인물화 연구

Abstract

본 논문은 이명기의 초상화를 중심으로 한 조선 후기 초상화 제작 기법과 이를 현대의 인물화 작업에 적용할 수 있는 방법에 관한 연구이다. 조선시대는 유교를 실천적 지도 이념으로 표방한 만큼, 충효사상과 숭현사상을 중요시 하였다. 그 영향으로 사묘, 영당, 사원, 서원 등이 발달하였고, 자연히 이 곳에 모실 초상화의 수요도 증가하게 되었다. 또한 어진을 비롯하여 나라에 업적을 세운 사람들을 공신으로 녹훈할 때 이들의 모습을 그린 공신상도 많이 제작되었다. 이처럼 도화서 화원을 중심으로 한 활발한 초상화 제작은 기법에 있어서도 많은 발전을 이루게 되었다. 이 시대에 상용되었던 초상화 기법들은 서양의 인물화와는 다른 독특한 화풍을 지니고 있었다. 투명한 비단 바탕을 이용한 배채(背彩) 기법과 선염법(渲染法)이 그 특징 중 하나인데, 이를 통해 화원들은 깊이가 있으면서도 맑고 섬세한 얼굴을 표현해내었으며 인물의 곧은 성정과 맑은 기운까지 담아내려 하였다. 특히 17세기 후반부터 서양화법이 유입되면서 초상화에서는 이전과는 다른 표현양상을 보이기 시작한다. 서양화의 유입은 연경사행(燕京使行)이 활발해 지면서 사행원들에 의해 이루어지게 되었다. 사행원들은 연경의 천주당에 가서 서양화법으로 그려진 벽화를 보았으며, 서양화를 선물 받거나 구입해오기도 하였다. 이들은 서양화의 사실적인 표현력에 경이감을 갖게 되었고, 이는 자연스럽게 서양화법에 대한 관심으로 이어졌다. 서양화법의 전래는 초상화를 비롯한 조선 후기 회화의 화풍 변화에 새로운 요인으로 작용하였다. 이러한 변화 속에서 새로운 표현방식을 받아들이면서도 초상화의 전통 속에서 재해석하거나 주체성을 가지고 융합하려는 절충양식의 초상화가 탄생하게 되었는데, 18세기 궁중화원으로 활약한 화산관 이명기(華山館 李命基, 1756~1802이후)의 초상화가 그 대표적 예이다. 이명기는 정조의 어진화사에 두 차례나 주관화사로 참여할 정도로 당대 최고의 초상화가로 이름나 있었다. 이명기는 선대 화가들의 화법을 습득하였고, 중국의 초상화와 청을 통해 전파된 서양화법을 접목시켜 본인만의 표현양식을 구축하였다. 이명기 초상화의 가장 큰 특징은 전통의 양식 안에서 자신만의 표현을 구현해나간 점이다. 얼굴이나 의복을 그릴 때 관습적이었던 표현에서 벗어나 관찰을 통한 사실적 묘사를 추구하였으며, 절충식 명암법을 통해 사실적인 입체감을 표현하였다. 이러한 이명기의 초상은 형사(形似)와 전신(傳神)을 모두 담아내었다는 평을 듣기도 하였다. 연구자는 그의 대표작 중 하나인 <서직수 초상(徐直修 肖像)> 모사본 제작을 통해 이명기가 그린 초상화의 재료와 제작기법에 관해 연구하였다. 국립중앙박물관 소장의 서직수 초상은 미술사적으로 큰 의미를 갖는 작품이다. 이명기라는 당대 최고의 초상화가와 김홍도가 합작을 한 작품이기도 하지만 무엇보다 조선 후기의 사실주의 회화 정신이 그대로 담겨진 초상화 중 하나이기 때문이다. 과거 모사(模寫)는 화가들의 화법을 익히는 학습법이자 화가 개인의 기량을 연마하는 과정이었으나 현대의 모사는 좀더 광범위한 성격을 갖는다. 전시대체물로서나 유물 보호 측면에서의 제작, 혹은 전통을 계승하고자 하는 목적으로 유물의 안료 및 채색기법을 모사를 통해 연구한다. 연구자는 이명기 초상화의 얼굴 표현과 안료 및 채색기법 재현에 중점을 두고 <서직수 초상>의 상반신 부분을 모사하였다. 이는 단순히 기법의 재현에서 그치는 것이 아니라 모사작업을 통해 조선 후기 초상화 제작의 전반적인 과정을 이해하고 안료의 특성을 파악하여, 나아가 현대 인물화 제작의 토대와 응용의 해법을 마련하고자 하는데 목적이 있었다. 모사본 제작을 통한 연구 과정에서 <서직수 초상> 의 피부색은 산화철 계열 안료인 대자와 의복에 사용한 황토를 섞어 재현해내었고, 머리에 쓴 동파관은 송연분과 유연먹을 섞어 재현하였다. 각각의 안료가 가지고 있는 특성을 이해한 후 혼색과 중색 기법, 그리고 배채법과 선염법을 사용하여 원본에 가까운 색을 만들어낼 수 있었던 것이다. 이러한 연구를 토대로 연구자는 조선 후기 초상화 기법을 바탕으로 한 작품 <어떤 시절>, <분홍 시절>, <소녀들의 초상을 위한 유지초본> 등을 제작하였다. 그리고 본 논문에서는 이 작품들을 분석한 후 사용한 재료와 채색기법을 서술하였다. 특히 소녀 인물화 제작에 있어 <서직수 초상>의 채색기법에서 착안하여 반영한 재료과 채색기법을 중심으로 제작과정을 분석하였다. 이는 본 논문의 지향점인 전통 초상화 기법이 현대 인물화 제작에 어떻게 적용 및 변용될 수 있는지를 알아보기 위해서였다. 위와 같이 연구자는 본 논문을 통해 이명기의 초상화를 중심으로한 조선 후기 초상화의 재료와 제작기법에 대해 통합적으로 연구, 분석함으로써, 현대 인물화에 효과적으로 적용할 수 있는 방향을 논하고자 하였다. 그리하여 단절되었던 전통 초상화 기법이 다시 발전되기를 바라는 마음과 함께, 본 연구가 앞으로 조선시대 초상화 기법을 연구하고자 하는 이들, 혹은 초상화 기법을 응용한 작품을 제작하고자 하는 이들에게 도움을 줄 수 있는 자료로 제시되기를 기대한다. ;This dissertation presents research on portrait-painting techniques of the late Joseon period, and builds upon it to propose ways of applying traditional portrait-painting techniques to the production of contemporary figure paintings today. With Confucianism as its core practical ideology, Joseon society accorded much importance to the tenets of loyalty, filial piety, and the veneration of the wise. Due to such cultural influences, many types of family shrines, temples, and other Confucian memorials flourished, which naturally increased the demand for painted portraits. Along with royal portraits of kings (eojin), portraits of esteemed retainers were often commissioned on the occasion of putting their meritorious deeds to record. In this climate of vigorous production, with painters from the Academy of Painting at its center, new techniques for producing portrait paintings were also developed. The techniques of portrait painting widely employed in the late Joseon period were unique and quite different from Western figure painting techniques. These distinctive techniques included painting on the back of base materials such as sheer silk, and color diffusion and gradation. Through these methods, painters managed to create facial portraits that simultaneously conveyed depth, clarity, and fine delicacy, and even aspired to express uprightness of character and soundness of spirit. In particular, as Western painting techniques were introduced from the late 17th century onwards, methods of expression in portraiture began to change. The Western influence was channeled mostly through envoys dispatched to Yanjing (now Beijing) on the era’s robust missions to Imperial China. The envoys encountered Western-style painted frescoes when visiting Catholic buildings in Yanjing, and some received Western paintings as gifts or purchased them to bring back home. Many were fascinated by the realistic expressivity of Western paintings, and this led naturally to an interest in Western painting techniques. The transmission of Western painting techniques added a new vector of change to the development of new painting styles in late Joseon. In the midst of these changes, some portrait painters sought to incorporate the newly introduced expressive techniques into the existing tradition of portrait painting, or to actively fuse the different traditions together. The work of Yi Myeong-gi, a renowned court portrait painter of the 18th century, provides some representative examples. Yi Myeong-gi was famed as the most accomplished portrait painter of his time, having participated twice as the main court painter in royal portraits of King Jeongjo. Yi was well versed in the traditional painting techniques of earlier generations, and built his own original painting style by conjoining court portrait styles from China and the Western techniques that reached Joseon through the influence of the Qing. The most distinctive characteristic of Yi’s portraits was that he developed means of original expression within the purview of traditional styles. When painting facial features or forms of dress, he reached beyond the confines of conventional expression, and instead pursued realistic depictions based on observation. In particular, he employed shading to give a sense of realistic dimensionality to his paintings. Contemporaries often praised Yi’s portraits for encapsulating both hyeongsa, or painting with a high degree of similarity, and jeonshin, or transferring the painted subject’s spirit. I conducted an in-depth study of the materials and techniques employed in Yi’s portraits by creating a replica of <Portrait of Seo Jik-su (徐直修 肖像)>, one of his most representative works. The portrait, currently held in the National Museum of Korea, is an important milestone in Korean art history. It is not only a notable collaboration between the most accomplished portrait painter of the period and the renowned artist Kim Hong-do, but also one of the best samples of the realist tendencies of late Joseon painting. The creation of replicas has long been a means of learning the techniques and skills of other painters, as well as a training process for budding painters. However, in modern times, replication has come to take on a wider significance. Replicas are sometimes made to protect the original and to take its place in exhibitions, and sometimes for research purposes, in order to preserve tradition by recreating pigments and painting techniques. My replica focuses on the expression of the face, and recreates the pigments and painting techniques used in Yi’s portraits through reproducing the upper body section of Portrait of Seo Jik-Su. The purpose of this replication process is not only to recreate the original techniques, but also to understand the entirety of the portrait-producing process, to familiarize modern painters with the characteristics of the pigments, and to pave the way for applying traditional portrait-painting techniques to today’s figure paintings. Building on this work, I went on to create several works based on late Joseon portrait-painting techniques, including <A Certain Age>, <A Pink-Colored Age>, and <A Sketch for the Portraits of Girls>. In this dissertation, I provide an analysis of these works, along with a detailed account of the materials and painting techniques used. In particular, I give a close analysis of the process through which my portraits of girls reflect inspiration from the materials and painting techniques of <Portrait of Seo Jik-su>. In this way, this dissertation shows how traditional portrait-painting techniques can be applied and reinterpreted in contemporary figure paintings. In sum, this dissertation gives a comprehensive overview of the materials and techniques employed in portrait paintings of the late Joseon period, with a particular focus on the portrait paintings of Yi Myeong-gi, and goes on to provide suggestions for applying such techniques to contemporary figure paintings. By doing so, this dissertation hopes to invigorate new interest in traditional portrait-painting techniques that have been lost to history, and to provide a helpful resource for researchers of Joseon’s portrait-painting techniques or future artists seeking to create works employing such techniques.