앙리 마티스(Henri Matisse) 작업에 나타난 상징주의 미학

Abstract

본 논문은 앙리 마티스(Henri Matisse, 1869-1954)의 작업에서 나타나는 상징주의 미학에 관한 연구다. 미술사에서 야수파로 분류되는 마티스는 모더니즘의 형식주의 비평에 따라 현대미술의 선구로 자리매김되었다. 그의 작업에서 보이는 단순함과 장식성이 이후 뒤따라오는 현대미술의 여러 경향들에 영향을 준 것으로 평가 받았기 때문이다. 그러나 그의 작업의 이면에 담겨 있는 비물질적인 가치는 이러한 비평에 의해 상당 부분 가리워지게 되었다. 그의 작업을 입체적으로 조명하기 위해서는 형식의 출처가 되는 일종의 ‘내용’을 밝혀내는 일이 필요한데, 보이는 것 이면의 세계를 긍정하는 것은 이미 상징주의 미학에 접근한 것이다. 지금까지 마티스를 상징주의와 연관시키려는 관점의 연구들은 간간히 있어왔지만 어디까지나 부분적이었을 뿐, 본격적이고 포괄적인 시도는 찾아보기 힘들다. 그런데 본 연구는 마티스의 작품이 상징주의 회화와 겉모습 상에서 공통점을 보인다거나 재현된 형상이 외부의 어떤 대상을 상징한다는 식의 일차원적인 접근 방식을 넘어서고자 한다. 이를 위해 문학과 미술의 상징주의 미학 성립 과정을 다시 살펴봄으로써 19세기 상징주의 운동이 일구어낸 미학의 핵심을 찾는 것에서 논문을 시작한다. 마티스의 작업에서 나타나는 아라베스크, 실루엣 같은 요소는 19세기 말 프랑스의 상징주의 운동에서 특별한 의미로 쓰인 시각 언어다. 마티스의 작업을 장식하는 곡선 표현을 일컫는 아라베스크는 상징주의자들이 가변적이며 일시적인 현상 너머의 보다 영속적인 가치를 담기 위한 시각적 도구였다. 자세한 묘사가 아닌 암시만 하는 실루엣 형상은 그림에 시적인 모호한 분위기를 부여함으로써 보이지 않는 정신 세계를 환기할 수 있었다. 상징주의 화가들이 자신의 감정과 영혼을 그림에 그대로 담아내고자 독립된 작업 매체로 활용한 드로잉은 마티스에게서 선과 색이 종합된 새로운 개념으로 나타난다. 그의 드로잉은 감정의 직접적 발현인 동시에 기억에 의해 정리된 대상에 대한 종합적 이미지의 표상이며, 빛의 효과를 내기 위한 방편이기도 하다. 이와 같은 요소들을 통해 마티스의 작업은 상징주의 미학의 핵심 개념인 종합과 교응을 보여준다. 상징주의 시에서 시작된 ‘교응’의 미학은 화가와 비평가들에 의해 상징주의 회화 이론에서 ‘종합’의 개념으로 반영되었다. 마티스가 그리는 선은 대상의 사실적 재현이 아닌 대상의 전체적인 인상과 자신의 감정을 담은 기호의 의미를 지니는 상징주의적 언어다. 그리고 선과 색의 종합을 행위적 차원에서 이룬 구아슈 데쿠페의 실루엣 형상은 암시와 모호성을 통해 중심과 주변의 경계를 허문다. 또한 잡지 표지 디자인이나 책의 삽화, 직접 만든 책에서는 르네상스 시대 이후로 분리되었던 문자와 그림, 텍스트와 삽화가 새로운 개념으로 다시 만난다. 그가 디자인한 성당의 스테인드글라스와 타일 벽이 만들어내는 빛의 효과는 의상, 소품과 더불어 상징주의자들이 추구하였던 총체예술의 경험을 하게 함으로써 삶과 예술의 간격을 좁힌다. 상징주의 미학은 문학계와 미술계가 서로 영향을 주고받는 가운데 정립된 것이지만 그 동안 상징주의 회화는 시와는 별개의 것으로 다루어지곤 하였다. 본 논문에서는 마티스의 작업이 나타내는 상징주의적 면모를 이 둘의 긴밀한 관계 속에서 탐색함으로써 문학과 미술이 공유하는 상징주의 미학의 핵심을 발견할 수 있다. 이것은 형식주의 해석이 갈라놓은 두 영역의 관계를 재검토하는 계기가 되기도 한다. 더불어 본 논문은 모더니즘의 형식주의적 해석에 바탕을 둔 마티스에 관한 평가를 재고한다. 모더니즘 추상미술의 시작을 연 마티스의 새로운 형식적 시도들이 사실은 관념적 ‘내용’으로부터 나온 것임을 밝혀내어, 결론적으로 그의 작업 자체가 내용과 형태, 정신과 물질이 종합되어 교응을 이루고 있음을 확인하고자 하는 것이다.;This thesis explores the Symbolist aesthetics that can be seen in the various works of Henri Matisse (1869-1954). Classified as Fauvist in art history, Matisse was acknowledged as a pioneer of modern art by the formalist criticism. The simple and decorative qualities of his art were recognized for influencing various modern art movements that followed. Yet, the immaterial value on the other side of his work has been concealed by this interpretation. In this view, it is necessary to light up a kind of ‘content’ in its form to illuminate his works in perspective, agreeing what cannot be seen is already close to the symbolist mind. Even though views on Matisse associated with Symbolism have been there, they were rarely discussed in any comprehensive and full-scale manner. The concern of this study, however, is beyond the approach that his pieces show similar appearances with symbolist paintings, or that the represented forms in his pictorial output symbolize certain objects. This led me begin my thesis at finding the essence of aesthetics cultivated by the Symbolist movement in nineteenth-century France, through re-examining its formation in visual arts and poetry. The arabesques and silhouettes seen in Matisse’s work are visual languages used for a special meaning by French Symbolists. Arabesques which designate the curved lines in Matisse’s work were visual tools for them to put perpetual values than the changeable and ephemeral phenomena. Silhouettes, not depicting details, but only suggesting the whole appearance, could evoke invisible spiritual world by adding poetic atmosphere to a picture. Drawing, generally used by Symbolist painters who used it as an independent medium to express their soul and feelings, comes as a new concept of a synthesis of line and color from Matisse. His drawings are not only a direct manifestation of his emotion, but a representation of synthetic images of the model arranged by memory, and also a means to produce an effect of light. Through these elements, Matisse’s works present the essential notion of Symbolist aesthetics originated in poetry: correspondences. This major feature was reflected in the painting as synthesis by artists and critics. The lines that Matisse drew are not the real depiction of the model, but the symbolic representation including his emotion and the impression of the model. The silhouettes demolish the boundaries between center and surroundings in gouaches decoupees. Word and image, text and illustration, which had been separated since the Renaissance, meet anew in Matisse’s cover designs of periodicals or book illustrations, and in his own book, Jazz, in particular. The light effects from stained glasses and tiled murals of a chapel designed by him, reduces the gap between life and art by offering an experience of total art that Symbolists pursued. Despite the fact that the Symbolist principles have been established in the course of interrelationship of visual art and literary circles, its paintings were used to be discussed separately from the poetry. Searching for Symbolist aesthetics in close relationship of between the two, this thesis attempts to establish a better understanding of its nature which both painting and literature have in common. This could give an opportunity to rediscover their relationship that the formalist criticism had separated. Also, this study reconsiders the valuation on Matisse which is based on that criticism. Thus, by descrying his original formal experiments which opened the modernist abstract art, in fact, have its roots in spiritual ‘content’, it is expected in this thesis, after all, to confirm that Matisse’s work itself achieves correspondence between form and content, the material and the spirit.