Fantasia의 변천

Abstract

In this paper, the "Fantasia" is defined, and varieties of fantasia, along with the introduction of composers who composed it in different styles, and how it underwent a change throughout the years, is explained. One may hope that this will provide deeper understanding towards the intentions of the composer and their subjective emotions and therefore allow one to express the purpose of the composer as closely as possible. The fantasia in general is a musical piece composed upon a motif without any restriction in form or style. Although the fantasia walks through transitions according to the times and the composers, it may be classified in five groups. They are : improvisational pieces, character pieces of the Romantic period, sonata ; in freer form, operatic potpourris of a free and improvisationary treatment, and strict contrapuntal instrumental music of the 16th and 17th centuries. As instrumental music began to be recognized in the 16th century, new forms in instrumental music by the imitation of vocal pieces took their shape. The ricercare, rooted in the vocal motet, gradually developed into its own unique instrumental form. The terms fantasia, ricercare, sonata, toccata etc. were used interchangeably then, and the fantasia of the 16th and the 17th century was not a free and improvisational piece as it is today but rather a strict contrapuntal imitative form. Even within its strictness, the fantasia endeavored to express its free and improvisational style by using techniques in modification such as free modulation, rhythm, chromatics, and dynamics. The fantasia of the 16th century was usually composed in two-or-three part form and in the 17th century, the form became divided into three or four parts or more, according to the tempo, beats or the mood. By the middle of the 17th century, technical and ornamental sides of fantasias were empahsized and while the ricercare gradually faded away, the fugue in representing the contrapuntal style, replaced it. The 'freedom' descended from the 16th and 17th centuries extended through the Baroque period and became the model character of the fantasia. The fantasia developed, and was heard as an improvisational piece by escaping from the former techniques of simple imitations and repetitions and using various dynamics, sumptuous tones, omission of bars, allowing freedom in rhythm, daring harmony and modulation and usage in instrumental techniques etc. However, in the matter of form, it used different genres such as dance, prelude, capriccio, invention, variation, toccata and sonata and so on. In the Classical period, while remaining outside the mainstream of music, its use of the diminished 7th chord, chromatics, contrast in dynamics, bold modulation, tempo and mood changes allowed it to maintain an even more aggressively improvisational character. And therefore the fantasia, more advancedly regulated in its form, came to stand as one of the main strict sonata forms. The fantasia enjoyed its height of prosperity during the Romantic period, when sensibility overpowered rationality, giving it more freedom in using themes and techniques in composing. Consequently, the Romantic era Fantasia expanded its dimension and range, gaining as much musical importance as the multi-movement form on a large scale. The fantasia used character pieces formed by several combinations of small pieces, the variation from the Classical period and fugue style to expand its form, a unique form of Fantasia which combined Classical sonata form with the free style of the Romantic era which emerged as a prominent form. The fantasia which developed into various forms after the 16th century has become less popular due to societal situations such as the breakdown of humanism, development of machinery and isolation of mankind together with the prominent trait of the modem music which eliminates empathy. However, even within the small numbers of modern Fantasia pieces, there are pieces that use modern techniques such as sensuous timbre, rhythmic patterns in sumptuous r- forms and the twelve-tone scale. As one may observe, the fantasia, enduring through many stages of time expressed the originality of its particular era in various styles and composers developed their own personal styles of Fantasia. However, regardless of the variety in the fantasia due to historical stages and the composers, the mutual points they all shared are the use of free tonality and the composers' striving to express their chimerical and subjective senses more freely. Also, although the fantasia used many different forms from various genres, it seems inappropriate to call it a formless piece.;본 논문에서는 Fantasia의 정의와 종류, 그리고 어떤 작곡가가 어떠한 Fantasia를 썼으며 시대에 따라 Fantasia는 어떻게 변해갔는가를 작품을 예로 들면서 살펴보았다. 그럼으로써 Fantasia를 연주하는데 있어서 작곡가가 작품을 통해 나타내려고 하는 주관적 감정을 이해하고 좀 더 작곡가의 의도에 가깝게 연주하는데 도움이 되었으면 한다. Fantasia는 일반적으로, 악상이 떠오르는 대로 형식이나 양식에 구속받지 않고 작곡된 악곡을 말한다. Fantasia는 작곡가와 시대에 따라 다양한 형태로 변화하나 즉흥적인 성격의 곡, 낭만파 시대의 성격소품(character pieces), 자유로운 형식의 소나타, 자유롭고 즉흥적인 기법의 오페라 접속곡, 16세기와 17세기의 엄격한 대위법적 기악곡의 다섯 가지로 나눌 수 있다. 16세기에 들어와 기악음악이 중요시되면서 성악곡을 모방하는 새로운 기악형식들이 생겨나기 시작하면서 ricercare가 성악 motet로부터 생겨나고 ricercare는 점차 독자적인 기악형식으로 발전하였다. 당시 Fantasia는 ricercare, sonata, toccata 등의 명칭과 혼용되어 쓰였으며 16세기, 17세기의 Fantasia는 오늘날의 자유롭고 즉흥적인 개념이 아닌 엄격한 대위법적 모방의 형태였다. 그러한 엄격함 속에서도 여러 변형 기법(자유로운 전조와 리듬, 반음계의 사용, 강약의 사용 등)을 사용하여 자유로움과 즉흥성을 나타내고자 하였다. 16세기의 Fantasia는 대부분이 2, 3부분 형식으로 작곡되었으며 17세기에 들어 속도나 박자, 곡의 분위기에 의해 3, 4부분 또는 더 많은 부분으로 나뉘게 되였다. 17세기 중엽에 와서 Fantasia는 기교적이고 장식적인 면이 강조되었고 ricercare는 점점 사라져 fugue가 대위법적 양식을 대표하면서 그 위치를 대신하게 되었다. 바로크 시대에 들어 16세기, 17세기로부터 물려받은 '자유로움'이 계속 Fantasia의 대표적인 성질로 이어졌다. 과거의 단순한 모방과 반복 수법에서 벗어나 다양한 다이나믹, 화려한 음형, 마디 구분의 생략에까지 이르는 리듬과 박자의 자유, 대담한 화성과 전조, 기악적 기교의 사용 등의 기법으로 Fantasia는 점차 발전하여 매우 즉흥적 으로 들리게 되었다. 하지만 형식에 있어서는 춤곡, 전주곡, 카프리찌오, 인벤션, 변주곡, 토카타, 소나타 형식 등의 다른 쟝르의 형식을 사용하였다. 고전 시대에 들어와 Fantasia는 아직 주된 양식에 들지는 못했으나 감 7화음과 반음계의 사용, 강약의 대조, 대담한 전조, 빠르기와 분위기의 변화 등으로 더욱 즉흥적인 성격을 띠면서 형식에 있어서도 훨씬 정립되어 엄격한 구조의 소나타 형식이 주종을 이루게 되었다. 이성보다는 감성이 우선시 되었던 낭만 시대에 와서 Fantasia는 최고의 전성기를 누렸는데 주제의 사용과 기교적 작곡에 더 큰 자유를 부여받게 된다. 결과적으로 낭만 시대 Fantasia는 큰 규모의 다악장 작품의 음악적 중요성을 지니게 될 만큼 크기와 범위가 확대된다. 여러 소품으로 이루어진 성격 소품(character pieces)과 고전시대의 변주곡, fugue양식을 Fantasia에 사용하여 형식을 확대시키며 고전적인 소나타 형식을 낭만적인 자유로움과 혼합시킨 독특한 형태의 Fantasia가 중요한 형식으로 등장했다. 16세기 이후부터 다양한 발전의 모습을 보이던 Fantasia는, 20세기에 들어와서 인간성 파괴, 기계문명의 발달, 인간 소외 등의 사회 상황과 함께 감정 이입을 배제하는 현대 음악의 특성으로 인하여 그 수가 점점 줄어들었다. 그 소수의 Fantasia 안에서도 감각적 음색, 화려한 구성의 리듬 패턴, 12음렬 등의 현대적 기법을 사용한 Fantasia가 나타났다. 이렇게 Fantasia는 여러 시대를 거쳐오면서 그 시대의 특성을 다양하게 나타내어 왔으며 작곡가는 그들 나름대로의 개성을 담은 특징적인 스타일의 Fantasia를 발전시켜왔다. 그러나 시대와 작곡가를 막론하고 작곡가의 환상과 주관적 감정을 좀 더 자유롭게 표현하려 했다는 점과 조성에 있어서 는 매우 자유로웠다는 공통점을 찾아볼 수 있다. 그리고 형식에 있어서는 다른 장르의 형식을 빌어서 쓴 Fantasia가 많다는 점으로 미루어보아, 자유로움이 Fantasia의 특성이라고 해서 Fantasia가 완전한 무형식의 곡이라고는 할 수는 없을 것이다.