이고르 스트라빈스키(Igor Stravinsky)의 피아노 음악에 관한 연구

Abstract

Igor Stravinsky (1882-1971) is one of the most influential composers in the 20th century of the Western music history. Introducing a new form at every turn of history, Stravinsky pioneered the trend of the 20th century music. His characteristic brilliance in a variety of musical genres, including ballet music, especially augmented his stature. But his contributions to piano music have not equally appreciated. Piano music, peaked during the Romantic period, continued to expand its sphere of expression thanks to numerous composers. Stravinsky's works for piano are small in number and have not fully appreciated for their artistic values. For Stravinsky, however, piano was not simply a solo instrument, but a fulcrum of composition, a central piece of his music. He wrote all his master pieces by listening to the sound of the keys of piano. Even his orchestral music without a part for piano, music notation that almost copied both hands' positions on the piano keys is observed. Furthermore, he incorporated by way of percussive technique the sound of piano into the overall sound of the orchestra when piano is to be used in an orchestral music. In that case, piano plays a role in producing ornamental effect while emphasizing rhythm or accentuating the general tenor with coupled with other instruments, rather than highlighting melody or harmony. Major piano works by Stravinsky are those works representing the Neo-Classical period such as Piano Sonata (1924) and Serenade in A (1925). He also performed in this period, while writing Concerto for Piano and Wind Instruments(1924), Capriccio for Piano and Orchestra (1929), Concerto for Two Pianos and Orchestra (1935). Sonata for Two Pianos (1944)is also repudiated a magnificent repertoire among works for piano duet. Influenced by the Baroque movement and Classical movement for its style, Neo-Classical works richly used forms and techniques including sonata, variations, and fugue. Rhythm remained the most important element in Stravinsky's works, as evidently expressed in his distinct techniques such as unequal divisions of rhythm, irregular accents, and multi-meters. Syncopation in Jazz was also liberally used. With regards to harmony, ideas like polytonality, tonal center were generally used. Extended harmony including the 7th chord and 9th chord expanded the region of tonality. Compared to rhythm and harmony, melody was not particularly original. Stravinsky liked to use a repetition-variation technique with short germs reminiscent of Russian folk music and predominantly relied on the diatonic scale. He emphasized the percussive tone quality of the piano, chose various détaché style and the replicate technique that was inspired by cimbalom. The simultaneous combination of legato and staccato was another technique characteristic of his works in this period. For the sound of piano, Stravinsky preferred refined sound of pure reverberating of the instrument itself to flamboyant orchestra-like colorfulness. Such a choice, although in accord with the ideal of the Neo-Classicism, tends to substantially constrain a pianist's freedom of expression, because it requires very high degree of technique that richly controls the sound itself without exaggerated expression or use of pedals. In short, Stravinsky's piano music demands lofty spirit and sophisticated yet measured technique that characterized his music aesthetics that music was not an art of expression but of art itself.;스트라빈스키(Igor Stravinsky, 1882-1971)는 20세기 서양음악사에서 가장 영향력 있는 작곡가 중의 한 사람이다. 그는 역사의 전환기마다 새로운 양식을 보여주면서 20세기 현대 음악의 흐름을 주도 하였다. 특히 발레 음악을 포함한 다양한 극음악에서 스트라빈스키가 보여준 특유의 천재성은 그의 위상을 높이기에 충분했다. 그러나 피아노 음악에 있어서 그의 공헌도는 상대적으로 높게 평가받지 못했다. 낭만주의 시대에 전성기를 누렸던 피아노 음악은 20세기에 들어와서도 많은 작곡가들에 의해 그 표현 영역이 확대되었으나 스트라빈스키의 경우에는 피아노 작품의 숫자가 적을 뿐만 아니라 많이 연주되고 있지 않다. 본 논문에서는 이러한 문제의식을 바탕으로 스트라빈스키의 피아노 독주곡 뿐만 아니라 협주곡과 두 대의 피아노를 위한 곡, 그리고 피아노가 중요한 역할을 하는 실내악에 이르기까지 보다 다양한 장르(genre)의 피아노 음악에 접근하고자 했다. 본 논문은 피아니스트의 관점에서 논제를 서술하였기 때문에 악곡의 분석이나 이론적인 측면은 깊게 다루지 않았음을 밝혀 둔다. 스트라빈스키에게 피아노는 단순한 독주악기라기 보다는 그의 음악에 구심점이 되는 작곡의 원천이었다. 그는 모든 작품을 피아노 건반을 통한 직접적인 소리를 통해 작곡하였다. 피아노가 포함되지 않은 관현악곡에도 피아노 건반의 오른손과 왼손의 포지션(position)을 그대로 옮겨 놓은 듯한 기보법이 나타나기도 한다. 또한 관현악곡에서 피아노가 사용될 경우에는 타악기적 기법을 사용하여 오케스트라 음향 안에 융화시켰다. 그의 음악에서 피아노는 선율이나 화성을 부각시키기보다 리듬을 강조하면서 장식적인 효과를 내거나 다른 악기와의 중복 사용으로 전체적인 윤곽을 강조하는 역할을 하였다. 스트라빈스키의 주요 피아노 작품은 대부분 그의 신고전주의 시기의 작품이며 「피아노 소나타(Piano Sonata, 1924)」, 「A조의 세레나데(Serenade in A, 1925)」 등은 이 시기의 대표적인 피아노 독주곡이다. 이 시기에는 「피아노 협주곡(Concerto for Piano and Wind Instruments, 1924」, 「피아노와 오케스트라를 위한 카프리치오(Capriccio for Piano and Orchestra, 1929)」, 「두 대의 피아노를 위한 협주곡(Concerto for Two Pianos and Orchestra, 1935 )」 등의 협주곡을 작곡하여 스스로 연주활동을 하기도 하였다. 또한 「두 대의 피아노를 위한 소나타(Sonata for Two Pianos, 1944)」는 피아노 듀오 작품들 중에서 중요한 레퍼토리로 평가받고 있다. 신고전주의의 작품들은 형식적으로 바로크와 고전의 영향을 많이 받아 소나타와 변주곡, 푸가 등의 형식과 기법을 쉽게 찾아볼 수 있다. 리듬은 스트라빈스키 음악에서 가장 중요한 요소로 꼽히는데 이 시기의 작품에서도 그의 특징적인 기법들이 두드러지게 나타난다. 비대칭적인 분할, 불규칙적인 액센트, 멀티미터(multi-meter) 등이 특징적으로 나타나며 재즈의 영향을 받은 당김음 기법도 많이 사용되었다. 또한 피아노의 타악기적인 측면이 강조되면서 다양한 데타셰(détaché) 주법이 사용되었고, 침발롬(cimbalom)의 영향을 받은 반복음 기법도 많이 사용되었다. 레가토와 스타카토의 동시 사용도 스트라빈스키의 특징적인 기법중의 하나이다. 피아노의 음향에 있어서는 낭만주의 시대에 통용되던 화려한 오케스트라적인 색채보다는 순수한 피아노의 울림 자체를 통한 정제된 음향을 추구하였다. 따라서 과장된 표현이나 페달의 사용을 통해서가 아니라 음향 자체를 다양하게 조절 할 수 있는 고도의 테크닉을 필요로 하는 것이다. 스트라빈스키 피아노 음악에는 표현을 위한 예술로서가 아니라 예술을 위한 예술을 표방했던 그의 음악 미학에 부합되는 차원 높은 정신과 정제된 테크닉이 요구된다. 이러한 의미에서 스트라빈스키의 피아노 작품들은 충분한 음악적 가치를 지니며, 좀 더 활발한 연주를 통하여 재조명되어야 할 것이다.