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Towards a Posthuman Tragedy

Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT

Title: Towards a Posthuman Tragedy Ewha Authors: 장하림 Abstract: The purpose of this study is to examine how Caryl Churchill’s Far Away reimagines the tragic form in light of ecological crisis, posthuman theory, and the socio-political realities of the Anthropocene. Drawing on Timothy Morton’s concept of “dark ecology” and Jason W. Moore’s critique of the Anthropocene, this thesis argues that Far Away dismantles classical structures of tragedy and inaugurates a new form: the posthuman tragedy. Through this lens, Churchill’s play becomes a theatrical intervention that challenges classical and modern structures of tragedy by confronting the audience with the ethical, aesthetic, and ontological implications of living in the Capitalocene. In contrast to traditional tragedy, which relies on the individual’s moral transformation and the restoration of social order through catharsis, Far Away subverts these conventions by presenting a fragmented world in which human and nonhuman agencies are radically entangled. The play’s rejection of narrative closure, its surreal and dystopian imagery, and its disruption of logos-based language together signal a profound reconfiguration of the tragic genre. In the introduction and second chapter, this study situates Far Away within the broader context of ecological crisis and the evolving tragic tradition, arguing that conventional forms of tragedy are no longer adequate for representing the slow, systemic violence of the Anthropocene/Capitalocene. The second chapter first explores cultural and philosophical responses to the apocalyptic condition of the 21st century, noting how thinkers like Slavoj Žižek and Bruno Latour describe our era as one in which catastrophe is always-already occurring. It then examines the term “Anthropocene” and its critique by scholars like Jason W. Moore, who proposes the “Capitalocene” to expose the capitalist structures underpinning ecological collapse. Against this backdrop, the chapter traces the historical function of tragedy—from Aristotle to modern critiques such as Peter Szondi and Raymond Williams—and concludes that tragedy must evolve to address the entangled, nonhuman dimensions of ecological disaster. This sets the stage for reimagining tragedy through a posthuman, ecocritical lens. In the third chapter, the focus shifts to Churchill’s dramaturgical strategies in Far Away and their disruption of traditional tragic structure. Analyzing Parts One and Two of the play, the chapter examines how Churchill dismantles the logic of logos and undermines the moral authority that traditionally grounds tragedy. Through fragmented dialogue, surreal settings, and symbolic objects like the prisoners’ hats, Churchill exposes the violent complicity of capitalogenic art. Drawing from Morton’s concepts of agrilogistics and “strange loops,” the chapter argues that Churchill reveals the tragic failures of both human subjectivity and artistic representation in the Capitalocene. In the fourth chapter, this study turns to the final Part of Far Away and proposes the concept of “posthuman tragedy.” Here, the play’s apocalyptic vision reaches its peak: all entities—humans, animals, and materials—are drawn into a surreal global war. The chapter analyzes how this collapse of ontological boundaries evokes what Morton calls “ecognosis,” a visceral recognition of human-nonhuman entanglement. By rejecting catharsis, reconfiguring peripeteia, and embracing horror, fragmentation, and moral ambiguity, Far Away enacts a radical aesthetic departure from traditional tragic form. The posthuman tragic mode that emerges through this departure dismantles anthropocentric hierarchies and invites the audience to envision a new model of horizontal coexistence—one grounded in ecological and zoe-centered ethics. Ultimately, this study argues that Far Away functions not as a pessimistic prophecy or a mere response to the post-apocalyptic era, but as a philosophical and theatrical blueprint for grappling with the ecological and ethical challenges of our time. Churchill’s posthuman tragedy confronts audiences with the unsettling reality of planetary entanglement, demanding that we become political animals that rethink the anthropocentric foundations of tragedy, and move towards a redefined subjectivity in relation to nonhuman entities.;본 연구의 목적은 카릴 처칠의 희곡 『저 멀리(Far Away)』가 생태 위기, 포스트휴먼 이론, 그리고 인류세의 현실에 비추어 비극 양식을 어떻게 재구성하는지를 고찰하는 데 있다. 티모시 모튼(Timothy Morton)의 ‘어두운 생태학(Dark Ecology)’ 개념과 제이슨 W. 무어(Jason W. Moore)의 인류세 비판을 이론적 기반으로 삼아, 본 논문은 『저 멀리』가 고전적 비극의 구조를 해체하고 새로운 형식인 ‘포스트휴먼 비극(posthuman tragedy)’을 혁신적으로 제시한다고 주장한다. 이러한 관점에서 처칠의 작품은 고전적 및 근대적 비극의 형식에 도전적으로 개입하며, 현대 관객에게 ‘자본세’라는 시대적 조건 속 윤리적, 미학적, 존재론적 함의를 직면하게 한다. 전통적 비극이 개인의 도덕적 변증법과 카타르시스를 통한 사회 질서의 회복에 초점을 맞추는 반면, 『저 멀리』는 인간과 비인간 행위자들이 근본적으로 얽혀 있는 파편화된 세계를 드러냄으로써 이러한 규범을 전복한다. 서사적 종결의 거부, 초현실적이고 디스토피아적인 이미지의 활용, 로고스 중심 언어의 붕괴 등은 비극 장르의 심층적 재구성을 암시하며, 비극 형식의 미학적·이론적 지평을 확장한다. 첫 번째로, 본 연구는 『저 멀리』를 생태 위기와 비극 전통의 역사적 진화라는 맥락 속에 위치시키며, 인류세/자본세가 가시화하는 느리고 구조적인 폭력을 표현하기에 기존의 비극 양식은 한계를 지닌다고 주장한다. 이 장에서는 슬라보예 지젝(Slavoj Žižek)과 브루노 라투르(Bruno Latour) 등 사상가들이 진단한 21세기의 종말론적 조건을 검토하고, 무어가 제안한 ‘자본세’ 개념을 통해 인류세 담론에 내재한 자본주의적 권력구조를 비판적으로 조명한다. 나아가 아리스토텔레스(Aristotle)부터 피터 스촌디(Peter Szondi), 레이먼드 윌리엄스(Raymond Williams)에 이르는 비극 개념의 역사적 전개를 추적하며, 비극이 생태 파국의 얽히고설킨 비인간적 차원을 다룰 수 있는 새로운 형식으로 전환되어야 함을 논증한다. 이를 통해 포스트휴먼적이고 생태비평적인 관점에서 비극을 새롭게 상상할 수 있는 토대를 마련한다. 두 번째로, 극에 나타나는 처칠의 극작 전략과 그것이 전통적 비극 구조를 어떻게 변형하는지를 분석한다. 특히 1막과 2막을 중심으로, 처칠이 로고스의 논리를 해체하고 전통적으로 비극을 지탱해 온 도덕적 권위의 기반을 허무는 방식을 고찰한다. 파편화된 대화, 초현실적 무대 설정, 수감자들의 모자와 같은 상징적 오브제를 통해 처칠은 자본주의 체제와 예술의 폭력적 공모 관계를 드러낸다. 모튼의 ‘아그릴로지스틱스(agrilogistics)’ 및 ‘기이한 고리(strange loops)’ 개념을 통해, 본 장은 처칠이 자본세적 조건 하에서 인간 주체성과 예술 재현의 비극적 실패를 어떻게 연극적으로 구현하는지를 탐구한다. 세 번째로는 작품의 마지막 막을 분석하며 ‘포스트휴먼 비극’이라는 개념을 본격적으로 제시한다. 세 번째 막에서 작품은 종말론적 상상력의 절정에 도달하며, 인간, 동물, 물질까지 포함한 모두가 초현실적인 전 지구적 전쟁에 휘말린다. 이러한 존재론적 경계의 붕괴는 전통적 아나그노리시스(anagnorisis) 대신 모튼이 말한 ‘생태인식(ecognosis),’ 즉 인간과 비인간 존재 간의 얽힘에 대한 감각적 인식을 유도한다. 『저 멀리』는 카타르시스(catharsis)를 거부하고, 페리페테이아(peripeteia)의 구조를 재구성하며, 공포, 파편화, 도덕적 모호성을 수용함으로써 전통적 비극 양식으로부터 미학적이고 급진적인 이탈을 실현한다. 이러한 일탈을 통해 등장하는 포스트휴먼 비극의 양식은 인간 중심적 위계를 해체하며, 생태적이고 수평적인 공존의 형태, 곧 ‘조에 중심적인(zoe-centered)’ 윤리에 기반한 새로운 형태의 공생에 대한 상상을 가능케 한다. 결론적으로 본 논문은 『저 멀리』를 단순히 포스트아포칼립스 시대에 대한 비관적 예언이나 반응으로 간주하지 않고, 동시대의 생태적·윤리적 위기에 대응하기 위한 철학적이며 연극적인 사유의 틀로 이해한다. 처칠의 포스트휴먼 비극은 인간과 비인간 존재가 얽혀 있는 행성적 실재를 관객에게 정면으로 제시함으로써, 정치적 동물이 되어, 인간 중심적 비극의 전제를 재고하고, 비인간 존재와의 관계 속에서 재정립되는 생태적 감수성을 지닌 주체성으로 나아갈 것을 촉구한다.

코믹스 작품에 나타난 타자 재현의 복합성

Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT

Title: 코믹스 작품에 나타난 타자 재현의 복합성 Ewha Authors: 정경진 Abstract: 본 연구는 코믹스(Comics) 매체에서 타자를 복합적으로 묘사하는 방식에 대해 분석한다. 특히 서구의 시각에서 비서구 타자를 다룬 두 작품인 조 사코(Joe Sacco)의 『팔레스타인』(Palestine)과 기 들릴(Guy Delisle)의 『선전』(Shenzhen)을 중심으로, 이들 작품이 타자에 대해 상이한 목적과 시선을 기반으로 하면서도, 고정관념을 때로는 강화하고 동시에 그것을 전복하는 양가적이고 복합적인 방식으로 타자를 재현하고 있음을 논의한다. 서론인 제Ⅰ장은 코믹스 매체의 역사에 대한 일반적인 소개로 시작한다. 코믹스는 오랫동안 진지한 주제를 다룰 수 있거나 학술적인 연구에 적합한 매체로 간주되지 않았지만, 최근 들어 사회·정치적 이슈를 다루는 수단으로서 점차 주목받고 있다. 이에 따라 본 장에서는 코믹스가 다룰 수 있는 진지한 주제 중 하나로서 비서구 타자의 재현 문제를 다루는 방식을 고찰하고자 하는 본고의 연구 목적과 방향을 제시한다. 『팔레스타인』과 『선전』은 모두 저자가 자신의 캐리커처를 서사 전개에 적극적으로 활용하며, 타자를 향한 시선과 그들과의 관계를 시각적으로 드러낸다는 공통점을 지닌다. 본 장에서는 이러한 표현 전략을 중심으로 두 작품이 본 연구의 핵심 분석 대상으로 설정된 이유를 제시한다. 제Ⅱ장은 사코의 『팔레스타인』을 중심으로 분석을 전개한다. 특히 「헤브론」(“Hebron”), 「베일」(“Veil”), 「온건한 압박2장」(“Moderate Pressure: Part 2”), 그리고 「순례」(“Pilgrimage”) 등의 일화를 중심으로 사코의 만화 저널리즘이 서구 주류 언론에서 자주 배제되거나 소외된 팔레스타인 사람들의 목소리를 드러내는 방식을 살펴본다. 사코는 자신의 캐리커처를 활용해 독자가 그의 시선 변화를 따라가도록 유도하며, 다양한 코믹스적 기법을 통해 인터뷰 장면을 재구성함으로써 기존 서양 언론에서는 볼 수 없었던 새로운 방식의 목격과 증언을 제시한다. 따라서 사코의 코믹스 저널리즘은 팔레스타인 사람들이 누구이며, 어떤 방식으로 억압당하고 있는지, 그리고 그들의 기본권이 침해되는 상황을 팔레스타인 사람들의 입장에서 생각해 볼 수 있도록 전달하며, 독자로 하여금 기존의 고정관념을 넘어서는 관점을 갖도록 유도한다. 제Ⅲ장은 기 들릴의 『선전』을 다룬다. 『선전』은 프랑스계 캐나다인인 들릴이 출장 차 방문한 중국 선전에서의 경험을 코믹스 여행기(travelogue) 형식으로 담아낸 작품이다. 『팔레스타인』과 달리 『선전』은 인권 문제나 언론의 자유와 같은 주제를 전면적으로 다루지는 않지만, 서양인으로서 들릴이 중국인을 바라보는 복잡하고 양가적인 시선은 다양한 코믹스적 표현 기법을 통해 드러난다. 그는 종종 중국인을 서구적 가치 기준에 따라 판단하면서도, 동시에 자신의 인식 한계를 자각하고, 현지인들과의 인간적·문화적 접촉을 담아낸다. 이러한 복합적인 태도는 자신의 캐리커처 활용과 단순하지만 상징성이 강한 작화 스타일을 통해 섬세하게 시각화되며, 타자에 대한 거리감과 친밀감이 공존하는 미묘한 감상을 효과적으로 전달한다. 본 연구의 목적은 코믹스가 단순한 오락 매체를 넘어, 진지하고 학문적인 주제를 다룰 수 있는 정당한 서사 형식이자 비평적 매체로 기능할 수 있음을 밝히는 데 있다. 『팔레스타인』과 『선전』이 비서구 타자를 재현하는 과정에서 드러내는 복잡성과 양가성에 대한 분석을 통해, 코믹스가 고유한 시각적 서사를 바탕으로 비판적 성찰과 문학적 해석을 이끌어낼 수 있는 매체임을 논의의 핵심으로 삼는다.;This thesis examines the complex representations of Others in the comics medium. It focuses on two specific works that depict non-Western Others from Western perspectives—Palestine by Joe Sacco and Shenzhen by Guy Delisle. It argues that these works portray non-Western Others in a complex, and at times ambivalent, manner in which preconceived notions of the Other are both reaffirmed and subverted. The first chapter provides a general introduction to the history of the comics medium, which has often been overlooked as a form capable of conveying serious themes. It highlights the medium’s growing recognition for its ability to address socio-political issues. The chapter also initiates a discussion on the representation of non-Western Others and offers a general overview of Palestine and Shenzhen, focusing on how these works employ comics techniques—such as the use of the writer’s own caricature—to reflect their ambivalent attitudes toward the Other. The second chapter focuses specifically on Palestine. Through close readings of the chapters “Hebron,” “Hijab,” “Moderate Pressure: Part II,” and “Pilgrimage,” it examines how Sacco’s comics journalism depicts stories of Palestinian people that are often unheard in conventional Western journalism. By using a caricature of himself—enabling readers to engage with his evolving perspective—and by reconstructing interviews through various comics techniques, Palestine offers a powerful alternative mode of witnessing. It compellingly reveals who the Palestinian Others are, how they are mistreated, and how their fundamental rights are violated, encouraging readers to move beyond stereotypes. The third chapter, focusing on Shenzhen, argues that the comics travelogue—although not explicitly oriented toward human rights or journalistic justice—nonetheless reflects Delisle’s ambivalent attitudes toward the Chinese people. While he often others them by portraying them as inferior or underdeveloped and judging them through Western standards and values, he also demonstrates moments of self-awareness and connection, acknowledging the limitations of his perspective and revealing glimpses of human and cultural engagement with the local Chinese population. These moments are effectively, albeit implicitly, conveyed through Delisle’s use of his own caricature and his simple yet symbolically resonant drawing style. This thesis ultimately aims to demonstrate that the comics medium is not merely a vehicle for entertainment, but a legitimate and powerful literary form capable of engaging with serious and scholarly issues. By analyzing how Palestine and Shenzhen depict the complexities and ambivalences involved in representing non-Western Others, this study highlights the medium’s unique capacity for visual storytelling—one that can foster critical reflection and literary analysis.

희생 제의의 재전유

Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT

Title: 희생 제의의 재전유 Ewha Authors: 김수형 Abstract: 본 연구는 중세 왕의 비극적 죽음을 주제로 한 르네상스 영국의 대표적 역사극인 크리스토퍼 말로우(Christopher Marlowe)의 『에드워드 2세』 (Edward II, 1594)와 윌리엄 셰익스피어(William Shakespeare)의 『리처드 2세』(Richard II, 1597)를 르네 지라르 (René Girard)의 ‘희생양’과 ‘희생 메커니즘’의 개념에 비추어 분석한다. 기존 연구들이 두 왕의 섹슈얼리티나 정체성과 같이 국소적인 시각에서 이루어진 반면, 극중 왕들이 겪은 정치적 실패가 단순 개인의 과오에 기인한 것이 아니라 공동체적 폭력에 의한 것이라는 점에 대해서는 상대적으로 적은 주목을 받아왔다. 본 논문은 『에드워드 2세』와 『리처드 2세』 가 역사극에 비극의 구조를 더하여 공동체적 폭력에 희생된 각 왕들을 연민하고 공감하도록 이끈다고 분석한다. 이로써 두 극은 각 왕들의 희생이 실은 매우 부조리함을 폭로하여 관객들로 하여금 그러한 폭력적 악순환 구조를 중단하고 보다 비폭력적이고 안정적인 사회적 정체성을 찾아가도록 돕는다. 본 논문의 두 번째 장에서는 르네 지라르의 희생양 이론을 기반으로 『에드워드 2세』와 『리처드 2세』에 드러난 당대 영국의 상황을 고려하여 정치적 상황에서 희생 메커니즘이 어떻게 작동하고 희생양을 만들어내는지를 탐구한다. 즉, 절대 왕권이 약화된 합리성 중심의 새로운 정치 질서의 태동에서 각 왕들이 자신의 위태로운 입지를 강화하기 위해 기울인 정치적 노력을 살펴보고 이들이 부당하게 비난받은 사항들을 검토하여 두 극이 이들에 대한 비난의 정당성에 의문을 던진다고 분석한다. 이후 세 번째 장에서는 극중 드러난 희생 제의의 반복성이 그 메커니즘의 모순과 위험성을 전면에 드러낸다고 주장한다. 이는 반복적이고 모순된 논리로 왕들을 폐위시키려는 행위가 폭력적 에너지를 완전히 잠식시킬 수 없다는 것이며 이 폭력성은 여전히 공동체에 잔존하여 왕들의 죽음뿐 아니라 그 이후 또다른 희생을 야기한다. 이러한 문제에 있어 두 작품은 각 왕의 폐위와 죽음에 예수의 희생 이미지를 덧입히는 방식으로 사회적 폭력을 극복할 의지를 나타낸다. 두 극에서 예수의 이미지는 왕들이 보여준 인간적 고통과 유약성을 묘사하는 데 사용되며, 이로써 희생 메커니즘에 의해 유죄한 것으로 몰렸던 이들이 사실은 사회적 폭력에 의한 희생양임을 인지하게 만든다. 희생의 밑바닥에서 점차 예수의 외형과 태도를 닮아가는 왕들의 모습은 이 같은 폭력적 메커니즘을 타파할 방도로 예수의 비폭력과 그 모방을 암시하는 효과를 갖는다. 이 과정에서 경험되는 희생양을 향한 공감과 연민의 감정은 이들과 극중 박해자들 및 관객 간의 경계를 허물어 희생양이 시공간을 초월하여 기억/애도됨으로써 그들의 마음 속에 부활하고 계승되도록 하며, 비폭력적 공동체로의 전환을 지향하도록 이끈다. 이를 바탕으로 결론에서는 희생양의 상징적 부활과 계승이 희생의 반복성과 더불어 희생 메커니즘의 부당함을 고발하고 그 폭력성을 재고할 촉매제가 된다고 논의한다. 두 극은 성서적 이미지의 활용을 통해 에드워드와 리처드가 왕으로서 갖는 실책에도 불구하고 이들에게 과도한 폭력을 전가하여 위기를 해결하고자 하는 방식에 한계가 있음을 지적한다. 물론 이 같은 극의 관점이 역사적 왕들을 이상화하려는 작업으로 읽힐 가능성도 배제할 수 없으며 이러한 의도가 유효한 효과를 내었는지에 대해서는 추가적인 논의가 필요하다. 그럼에도 불구하고, 두 극의 시도는 우리가 당연시하는 개념과 관습에 의문을 던지고 그것을 비판적으로 재고하도록 돕는다는 점에서 유의미하다. 『에드워드 2세』는 에드워드에게 가해지는 폭력을 적극적으로 노출시킴으로써, 『리처드 2세』는 볼링브룩이 한때 죄인이라 여겼던 리처드를 이해하고 잔존하는 폭력의 씨앗을 ‘무조건적인 용서’로 극복하는 모습을 담아냄으로써 이 같은 희생 메커니즘의 폭력성과 한계를 강조한다. 본고는 희생 메커니즘의 폭력적 악순환을 중단하려는 극의 구조를 통해 두 작품이 비폭력적 제의로서 기능하고 있음을 관찰한다.;Edward II (1594) and Richard II (1597), written by Christopher Marlowe and William Shakespeare respectively, are British Renaissance historical dramas that depict the tragic deaths of medieval kings. While most previous scholarship has concentrated on partial issues - such as the monarchs’ sexuality or unstable identities - relatively little attention has been paid to the broader communal dynamics in these dramas. This paper examines how Edward II and Richard II integrate the structural elements of tragedy into the historical drama, thereby fostering audience empathy for their scapegoated kings. In doing so, both plays not only expose the absurdity of scapegoating (or sacrificial ritual) but also disrupt its cycle of violence, offering a non-violent catharsis for communal aggression. Chapter II: The Isolated Kings and the Inauguration of the Sacrificial Mechanism analyzes how the sacrificial mechanism operates - creating and then precipitating the downfall of its scapegoats - by examining each king’s struggle with the community to which he belongs, drawing on René Girard’s scapegoat theory. Chapter III: Evoking Empathy through Recognizing the Violent Cycle of Scapegoating investigates how the repetition of sacrifice in the plays explicitly reveals the mechanism as both self-destructive and self-contradictory. In addition, by parallelizing the sacrifices of Edward and Richard with that of Jesus, the plays show that the scapegoat - victimized and martyred by the sacrificial mechanism - is, in fact, innocent. Furthermore, it is observed that the innocent victim may be both revived and commemorated on secular and spiritual levels, in ways that transcend time and space. In other words, through the cathartic mourning they inspire, these victims are vividly revived in the theatre, arousing empathy, pity, and fear within the audience. This is made possible by an empathic blurring of the boundary between “us” and “them,” thereby evoking understanding and compassion both from the persecutors on stage and the spectators in the audience. Building on this, the conclusion argues that the resurrection of the scapegoat acts as a catalyst for revealing and ultimately overturning the injustices inherent in the sacrificial mechanism.

오필리아의 영상적 재현 연구

Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT

Title: 오필리아의 영상적 재현 연구 Ewha Authors: 오수민 Abstract: This paper investigates the transformation of Ophelia’s visual representation in various film adaptations of “Hamlet” across different periods. The analysis focuses on the works of five directors: Laurence Olivier, Grigori Kozintsev, Franco Zeffirelli, Kenneth Branagh, and Michael Almereyda. The 1970s are identified as a pivotal moment in the history of Ophelia’s representation, coinciding with the rise of feminist criticism, which prompted a reevaluation and reinterpretation of classical female characters traditionally viewed as passive. Prior to the advent of feminist criticism, Ophelia was conventionally depicted as a passive figure both in literary analysis and on the stage. However, as feminist criticism gained traction, Ophelia began to be reinterpreted as a character with her own perspective, turning her attention to the patriarchal structures that oppressed her. This shift in interpretation also influenced her visual portrayal in films. The second chapter examines the visual representation of Ophelia in Olivier‘s and Kozintsev’s pre-1970s adaptations of “Hamlet.” Despite their different socio-cultural backgrounds―Olivier emphasizing individual psychology and Kozintsev focusing on alienated individual within a political collective―both directors portray Ophelia as an object. In Olivier’s film, Ophelia is a beautiful object within a painterly mise-en-scène, whereas in Kozintsev’s adaptation, she is depicted as a pitiable object, materialized as a political marionette. The third chapter analyzes Ophelia in Zeffirelli’s and Branagh’s post-1970s adaptations. During this period, a gradual inversion of the gaze occurs, allowing Ophelia to develop her own perspective. Zeffirelli’s Ophelia is portrayed as an introspective and pure girl who, through her sidelong glances, keenly perceives the patriarchal world. Branagh’s Ophelia appears to be an obedient daughter and lover, but she has secretly engaged in a sexual relationship with Hamlet. This is revealed through flashback scenes by the camera, highlighting their intimate moments. These flashbacks indicate that, within the oppressive patriarchal environment, she creates her own space through her memories, providing insight into her desires. The fourth chapter explores Almereyda’s “Hamlet,” a post-1970s adaptation distinct from the commercially oriented versions of Zeffirelli and Branagh. Almereyda’s film, which leans more towards art cinema, presents Ophelia as a photographer who critically captures the patriarchal world. By taking and burning photographs, she asserts control over her memories, portraying her as the most subjective character among the five adaptations discussed.;본고는 시대에 따라 영화 <햄릿>(Hamlet) 속 오필리아(Ophelia)의 시각적 재현이 변화하는 과정을 살펴보고자 한다. 분석 작품은 로렌스 올리비에(Laurence Olivier), 그리고리 코진체프(Grigori Kozintsev), 프랑코 제피렐리(Franco Zeffirelli), 케네스 브래너(Kenneth Branagh), 그리고 마이클 알메레이다(Michael Almereyda)에 이르기까지의 총 다섯 감독의 <햄릿>이다. 1970년대는 오필리아의 시각적 재현의 역사에 있어 막대한 위상을 지니는 시기이다. 이 시기를 기점으로 페미니즘 비평이 대두되었으며, 그간 피동적이라고만 여겨졌던 고전 속 여성 인물들 또한 재차 호명되고 재해석되었다. 셰익스피어(William Shakespeare)의 『햄릿』(Hamlet)에 등장하는 오필리아 또한 예외는 아니었다. 페미니즘 비평 등장 이전 오필리아는 전통적으로 수동적인 인물로 해석되었으며 무대 위에서도 그와 같이 그려졌으나, 비평 상의 흐름에 따라 점점 자신만의 시각을 갖고 그녀를 억압하는 가부장제를 직간접적으로 비판하는 인물로 재해석되기 시작했다. 오필리아에 대한 해석의 변화는 영화 속에서 그녀를 시각적으로 그리는 방식의 변화로도 이어진다. 본고는 오필리아 재현사에서 분수령이 되는 시기인 1970년대를 기준으로 잡은 뒤, 이전과 이후의 작품에서 나타나는 오필리아의 재현상을 비교해 보고자 한다. 작중의 공간적 배경인 엘시노어(Elsinore)의 영상적 미장센과 그 속에서 오필리아의 몸이 그려지는 양상에 대해 살피고자 한다. 분석을 위해서는 멀비(Laura Mulvey)의 남성적 응시(Male Gaze) 이론을 빌리고자 한다. 70년대 페미니즘 비평의 물결 속에서 등장한 멀비의 저작은 영상적 재현 속 여성이 가부장제의 남성적 응시 속에서 시각적이고 성적인 면모가 부각됨으로써 피사체로 전락한다는 내용을 담고 있다. 본고는 멀비의 이론에 따라 70년대 이전 작품 속에서는 오필리아가 피사체로 표현되는 반면, 이후에 등장한 작품 속에서는 점차적으로 응시의 전도가 이루어진다는 점을 주장하고자 한다. 본론의 첫 챕터에서는 1970년대 이전의 작품인 올리비에와 코진체프의 <햄릿> 속 오필리아의 시각적 재현상을 살피고자 한다. 두 감독은 다른 사회·문화권에 속한 만큼 각각 개인의 심리, 정치적 집단 속 소외된 개인이라는 서로 다른 초점을 보여준다. 그러나 두 영화 모두 오필리아를 미적이거나 수동적인 피사체로 표현한다는 점에서 공통점을 갖는다. 올리비에의 작품 속 오필리아는 회화적인 미장센 속에서 아름다운 피사체로 나타나는 한편, 코진체프의 오필리아는 엘시노어의 정쟁 속에서 정치적 도구로 물화됨으로써 희생양과도 같은 가련한 피사체로 그려진다. 본론의 두 번째 챕터에서는 1970년대 이후의 작품 가운데 제피렐리와 브래너의 <햄릿> 속 오필리아를 탐구하고자 한다. 이 시기 이후 점차적으로 응시의 전도가 이루어짐으로써 오필리아는 남성적 응시에 대해 완전히 비판적으로 마주보지는 못하더라도 자신만의 응시를 갖기 시작한다. 제피렐리의 오필리아는 내성적이고 순수한 소녀로 그려지나, 곁눈질하는 행위를 통해 가부장제의 세상을 파악하는 영민함을 지니고 있다. 브래너의 오필리아는 아버지와 연인에게 순종적인 규범적 인 숙녀처럼 그려지나, 가부장제의 억압적인 환경 속에서 햄릿과 육체적 관계를 맺은 기억을 떠올림으로써 가상일지언정 자신만의 공간을 가진 인물로 그려진다. 70년대 이후에 이르러 오필리아는 자신의 응시를 갖기 시작하며, 일말의 주체성 또한 획득하게 된 것이다. 본론의 마지막 챕터에서는 70년대 이후 작품이지만 앞선 두 작품과는 궤를 달리하는 알메레이다의 <햄릿>을 살펴보고자 한다. 알메레이다의 작품은 현대 뉴욕으로 배경을 옮기는 각색이 이루어졌다. 또한 알메레이다의 작품은 두 작품과 시기상으로는 유사하나 상업성의 측면에서 차이를 갖는다. 제피렐리와 브래너가 상업성을 위해 오필리아를 비롯한 인물들을 어느 정도 볼거리처럼 표현하는 측면이 있다면, 알메레이다는 예술영화에 가깝다. 작품의 성격의 차이는 오필리아의 재현상의 차이로도 이어진다. 알메레이다의 오필리아는 사진작가로서, 자신만의 시각을 갖고 가부장제를 비판적으로 포착한다. 그녀는 사진을 찍고 태우는 행위를 통해 자신의 기억에 대해 통제권을 주장함으로써 다섯 작품 가운데 가장 주체적인 인물로 그려진다.