https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/171292 Mon, 06 Apr 2026 09:19:10 GMT 2026-04-06T09:19:10Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/272307 Title: 한국창작춤 「생(生)」에 관한 연구 Ewha Authors: 이지현 Abstract: 본 논문은 박사 프로포잘로 발표된 한국창작춤 「생(生)」의 창작과정과 공연된 작품을 분석한 실기기반연구로, 본 연구는 연구자의 작품을 연구함으로써 안무자의 예술관을 확립하고 안무 방법론을 발견하여 예술적 역량 강화를 도모한다. 본 논문은 PBR을 중심으로 안무가가 작품 창작의 전 과정을 다각적으로 분석하고 독자적인 안무 방법론의 발견을 시도하며 작품의 구상부터 공연까지 전 과정에서의 1차 자료를 구축하여 분석의 기초를 마련한다. 분석의 대상인 한국창작춤 「생(生)」은 인간이 백지상태로 태어나 다양한 경험을 축적하며 자아를 형성해 나간다는 것을 주제로 한국춤의 핵심 요소인 호흡과 즉흥을 움직임 창작의 주제로 활용한다. 안무자는 작품의 주제 구현을 위해 개인 움직임 탐구를 진행하여 도출된 기본 움직임을 바탕으로 무용수의 적극적인 움직임 탐구를 유도하고, 그 과정에서 관찰된 무용수의 움직임 특성과 개성을 안무에 반영한다. 작품의 움직임 컨셉은 혼돈, 빈 상태, 경험의 세 단계로 구분되었고, 각 장의 주제에 부합하는 탐구 과제의 체험, 변형, 피드백 단계를 거치며 무용수가 움직임을 심층적으로 이해하고 작품에 자발적으로 참여하도록 했다. 한국창작춤 「생(生)」의 1장은 ‘생의 전, 혼돈’으로 인간 존재 이전의 무질서와 불안정을 나타냈으며 이는 하강하며 팔을 위로 들어 올리는 동작, 온몸을 떠는 동작, 그리고 이 동작들이 제자리에서 무음으로 느리게 진행됨으로써 에너지의 충돌과 소멸의 이미지로 드러났다. 2장 ‘탄생, 빈 상태’는 인간 탄생을 외부와 상호작용하기 이전의 순수하고 완전한 존재로 설명되며 가부좌 자세로 호흡하고, 호흡을 통해 비례와 대칭을 이루는 움직임으로 연결되어 조명과 플로어 패턴이 대칭과 균형의 이미지로 표현되었다. 그렇지만 이러한 대칭적이고 질서 정연한 움직임은 탄생 및 빈 상태를 표현하는 데는 다소 부족함이 있었다. 3장은 ‘탄생 이후’로 탄생 이후에 개인의 다양한 경험을 통해 고유한 정체성 확립할 수 있음을 나타내는 장으로 이는 몸을 부위별로 발전시키는 즉흥, 조건문이 있는 즉흥을 개성 있는 움직임으로 풀어나가고 플로어 패턴이 완전히 자유로워지는 상태까지 이르러 표현되었다. 이렇듯, 개별적이고 유기적인 신체의 움직임과 예측 불가능한 리듬과 속도감은 각 개인 삶의 궤적과 내면세계를 충분히 드러냈다. 본 연구의 분석 결과, 창작과정에서 설정한 움직임 컨셉 및 안무 의도가 작품에 효과적으로 반영되었음을 알 수 있었다. 그리고 창작과정 연구를 통해 본 연구자의 안무 방법론을 정리할 수 있었다. 움직임 창작 원리인 호흡과 즉흥은 안무적인 다양성을 확장하고, 작품의 내적 의미를 효과적 구현하는 데 중요한 방법으로 작용했음을 알 수 있었다. 더불어 무용수들의 주체성과 개성을 살린 안무 방식으로 작품 주제가 효과적으로 드러나도록 했음을 알 수 있었으며 이러한 안무법을 통해 창작된 작품에서 사용된 움직임, 플로어 패턴, 의상, 조명, 음악은 유기적으로 연결되어 각 장의 주제를 적절하게 표현해내었다. 결론적으로 본 연구는 호흡과 즉흥을 활용한 안무방법론을 기반으로 하여 공연된 「생(生)」이 한국창작춤에서 나아가 한국 컨템포러리 무용으로 동시대의 담론을 형성했음을 보여준다. 이에 대한 결론 및 논의는 첫째, 한국창작춤이 고정되지 않고 변화하는 예술 형태임을 ‘한국창작춤 안무법’을 통해 논증했다. 둘째, 공연과 작업을 텍스트로 전환하는 연구가 안무자이자 연구자들에게 필요한 방법임을 제안했으며, 셋째, 호흡과 즉흥을 중심으로 한 안무법의 움직임 원리가 동시대 무용 창작 방법으로써 가치를 가질 수 있음을 확인하였다. 그리고 넷째, 무용수의 주체성을 실현한 본 연구의 안무법으로 안무자와 무용수의 관계에 대한 논의가 이어질 수 있음을 제안했으며, 마지막으로 안무 의도의 구현 여부를 체계적으로 분석하고 관객의 해석을 반영하는 후속 연구의 필요성을 제시하였다. 결과적으로, 본 연구가 후배 안무가들이 자신의 창작 방향을 점검하고 예술성 향상을 이룰 수 있는 하나의 참고가 되길 바라며, 호흡과 즉흥의 원리를 통한 동시대의 무용 작품 사례로 컨템포러리 안무가들에게 또한 유의미한 참고가 되기를 기대한다.;This dissertation presents a practice-based research (PBR) investigation into the creative and performative processes underlying the Korean contemporary dance work Saeng (生), which premiered as part of a doctoral proposal at Ewha Womans University on December 5, 2023. The principal aim of this study is to articulate the choreographer’s artistic philosophy and to formulate a distinct choreographic methodology through an in-depth analysis of the work, thereby contributing to the advancement of choreographic practice and knowledge production in Korean contemporary dance. Employing a practice-based research framework, this study engages in a comprehensive analysis encompassing the full trajectory of creation—from conceptualization to rehearsal and final performance. Primary data were generated through embodied experimentation, process documentation, performer feedback, and performance analysis. These data served as the basis for constructing an original choreographic methodology. Saeng (生) investigates the construction of identity through the metaphor of life as a blank slate shaped by lived experience. The choreography is structured into three thematic phases—chaos (pre-life), blankness (birth), and experience (postnatal development)—each reflecting a distinct dimension of corporeal and psychological transformation. Central to the work are the choreographic principles of breath and improvisation, which are rooted in traditional Korean dance vocabularies but reinterpreted through a contemporary lens. Dancers engaged in a series of embodiment tasks designed to foster creative autonomy, deepen movement understanding, and encourage active participation in the generative process. Performance analysis confirms that the choreographic intentions and movement concepts developed during creation were effectively actualized on stage. The integration of breath and improvisation emerged as a core compositional strategy, enabling both structural innovation and emotional authenticity while foregrounding dancer subjectivity and individuality. The work’s scenographic elements—spatial design, costume, lighting, and sound—further reinforced its conceptual and emotional arc. This research positions Saeng (生) as a case study demonstrating the potential of Korean creative dance to evolve within a contemporary discourse through methodologies grounded in indigenous movement principles. The study offers five key contributions: (1) it proposes a flexible, evolving model of Korean creative dance, articulated as the “Korean Creative Dance Choreographic Method”; (2) it underscores the scholarly importance of translating creative and performative processes into textual and theoretical frameworks; (3) it validates breath and improvisation as effective tools for contemporary choreographic practice; (4) it highlights the capacity of choreographic strategies to activate dancer subjectivity and reframe choreographer–dancer dynamics; and (5) it advocates for the development of systematic methodologies for analyzing choreographic intent and integrating audience interpretation. Ultimately, this study contributes to serve as a valuable resource for emerging choreographers seeking to critically reflect on their creative direction and enhance their artistic practice. Furthermore, by presenting a case study of a contemporary dance work grounded in the principles of breath and improvisation, it offers meaningful insights for choreographers engaging in contemporary discourse and practice. Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/272307 2025-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/272306 Title: 무용창작 작품 「춤이 나를 말하다」에 관한 연구 Ewha Authors: 천소정 Abstract: 본 논문은 연구자의 이화여자대학교 무용학과 실기박사 졸업 무용작품 「춤이 나를 말하다」의 구상, 안무, 연습 및 공연의 전 과정을 연구한 것이다. 무용작품 「춤이 나를 말하다」는 ‘나는 내 춤을 어떻게 생각하는가?’라는 주제를 중심으로 5명의 발레무용수가 자신의 춤 이야기를 움직임으로 말하는 것이며, 옴니버스(Omnibus) 형식으로 구성하였다. 본 연구는 「춤이 나를 말하다」의 연구를 통해서 본 안무가의 안무 스타일과 예술 철학을 확립하는데 목적이 있다. 본 연구자는 기존 발레교육과 안무환경에서 무용수가 수동적인 존재로 여겨지는 점에 문제의식을 느끼고, 무용수를 창작의 주체로 전환하는 새로운 접근을 시도하였다. 본 연구에서는 몸학(Somatics)의 수련법을 바탕으로 무용수가 자신의 몸을 지각하고 감각함으로써 의미 있는 움직임을 생성할 수 있도록 유도하였다. 이를 위해 연구자는 안무가가 지시자가 아닌 ‘촉진자(facilitator)’로서의 역할을 하기 위해서 무용수와 수평적 의사소통의 창작 환경을 조성하였다. 본 논문은 실기기반연구법(Practice Based Research)을 중심으로 무용창작 작품 「춤이 나를 말하다」의 구상부터 공연까지 창작 및 연습의 전 과정과 공연된 작품을 연구하였다. 본 연구는 PBR의 연구 절차에 따라 ‘연구 설계 → 작품 구상 → 안무 및 연습 → 작품 공연 → 공연 작품 분석’의 순으로 연구를 진행하였다. 그리고 창작 및 연습 단계에서 구축한 작업 및 체험일지, 인터뷰 녹취록, 공연 DVD 등을 연구 자료로 사용하였다. 본 논문의 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 작업의 결과물인 작품뿐만이 아니라 과정의 중요성도 확인하게 되었다. 둘째, 본 안무가도 인지하지 못했던 무용 스타일이 밝혀졌고 안무가로서 성장하게 되었다. 셋째, 안무가와 무용수의 민주적 소통방식의 중요성을 확인하게 되었다. 넷째, 무용수들은 작품의 창작 과정과 공연 참여를 통해, ‘무용’이란 단순히 동작의 완성도를 넘어서 자신의 내면을 감각하고 표현하는 주체적인 과정임을 경험하게 되었다. 본 연구자는 본 작품의 창작 과정과 공연을 통해 안무 스타일을 체계화할 수 있었다. 첫째, 안무가는 외형적 형식보다 감각 기반의 움직임 생성을 중시하며, 무용수의 내면에서 비롯된 움직임이 무대 위에 자연스럽게 드러나도록 하였다. 둘째, 무용수 각자의 삶, 감정, 자기 탐색 등을 움직임으로 서사화하였다. 셋째, 안무가는 개별성을 존중하면서도, 전체적인 조화와 통합성을 지향하는 안무 방식을 구현하였다. 또한 안무가는 작품의 결과물뿐만 아니라 몸 감각과 움직임 탐구의 과정, 무용수와의 협력 관계를 중요하게 생각했다. 즉 안무가는 촉진자이자 조정자로서의 역할을 하며, 창작 과정도 작업의 결과물인 작품만큼이나 중요하다는 철학을 확립하는 중요한 전환점이 되었다. 본 연구의 의미는, 「춤이 나를 말하다」가 감각성, 서사성, 그리고 개념적 사고를 구현한 것을 밝힘으로써 발레 작품을 담론과 비판적 실천의 장으로 확장했다는 점이다. 지금 여기, 즉 21세기 한국에서 발레 전공자들의 정서와 이야기를 담아낸 컨템포러리한 발레 작품을 창작한 것은 의미가 있는 일이라 사려 된다. 본 작품은 창작 방법과 예술적 표현에 있어 지금 여기의 상황과 역사를 담은 동시대의 발레 작품을 창작한 사례라 할 수 있다. 본 연구가 21세기 한국의 발레를 창작하고자 하는 한국의 발레 안무가와 자신의 춤과 주체성에 대해 고민하고 성장하길 원하는 무용수들에게 참고가 되길 바란다.;This study investigates the full process—planning, choreography, rehearsal, and performance—of the practice-based doctoral dance work 「Dance Speaks for Me」, created and presented by the researcher at Ewha Womans University. Centered around the question, “How do I perceive my dance?”, the work features five ballet dancers who express their individual dance narratives through movement. Constructed in an omnibus format, the piece reflects the choreographer’s artistic philosophy and choreographic style, which emphasize dancer autonomy and somatic awareness. Challenging the traditionally hierarchical structure between choreographer and dancer, this research repositions the choreographer as a facilitator, fostering a horizontal and collaborative creative environment. Utilizing a Practice-Based Research (PBR) methodology, the study followed a structured process: research design, conceptual development, choreography and rehearsal, performance, and performance analysis. Materials such as rehearsal journals, personal reflections, interview transcripts, and performance recordings were used as core data sources. The findings are as follows: First, the study highlights the value of the creative process alongside the final performance. Second, the choreographer identified and developed a unique choreographic style grounded in sensory perception, narrative movement, and resonant expression. Third, the importance of democratic communication between choreographer and dancer was affirmed. Fourth, through active engagement in the creative process, dancers experienced dance not merely as technical execution but as an act of self-perception and embodied expression. This work expands the discourse of ballet in Korea by integrating sensoriality, narrative, and conceptual reflection into a contemporary ballet format that resonates with the lived experiences of 21st-century Korean dancers. As such, this study offers a meaningful reference for Korean choreographers seeking alternative approaches to ballet creation and for dancers pursuing greater subjectivity and artistic growth. Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/272306 2025-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/264413 Title: 「강태홍류 산조춤」의 전승과정 및 작품 연구 Ewha Authors: 김율희 Abstract: 본 논문은「강태홍류 산조춤」의 전승과정과 작품의 특징을 분석한 연구이다. 연구의 목적은 「강태홍류 산조춤」의 전승과정과 작품의 특징을 밝혀, 이 춤에 내재된 역사적 가치와 예술성을 밝히는 것이다. 이를 통하여 국가 및 시도 무형문화재 지정에서 제외된 비지정 무형문화재 전통춤들의 학문적 연구에 일조하리라 기대한다. 연구의 방법은 심층면담 및 과거 구술음원 분석을 통한 구술사연구방법과 문헌연구방법이 사용되었다. 「강태홍류 산조춤」은 강태홍류 가야금산조에 맞춰 추는 춤으로, 1949년 강태홍에 의해 안무되어 1950년 김온경이 초연한 실내홀춤 양식의 전통춤이다. 본 연구에서는 이 춤의 전승과정을 다섯 시기로 구분하여 그 변화양상을 살펴보았다. 이유는 약 75년간 지속된 이 산조춤이 강태홍, 김동민, 김온경의 역사적 관계에 의해 형성‧성장하고, 유실되어 다시 복원이 이르는 다양한 변화를 거쳤기 때문이다. 「강태홍류 산조춤」의 특징은 다음과 같다. 첫째,「강태홍류 산조춤」은 작곡자와 안무자가 일치하는 유일한 전통춤이기 때문에‘음악의 시각화’가 강하게 나타나는 특징이 있다. 둘째, 이 춤은 여타 권번 전통춤과는 달리 작품의 의뢰자와 안무자, 전승자가 김동민, 강태홍, 김온경이라는 명확한 안무배경을 지닌‘발생의 명확성’이 있다. 셋째,「강태홍류 산조춤」은 여성들의 일상생활 묘사와 자연물의 행위모방 묘사가 표현되는‘동작의 묘사성’이 뛰어나다. 대표적으로 소매걷움사위, 실패감는사위, 나비사위, 학사위 등이 있다. 넷째, 강태홍의 음악세계와 일맥상통하는 담백한‘표현의 절제미’가 있다. 다섯째, 무용수와 가야금, 장구 연주자와의 교감과 감응이 매우 중시되는‘연희의 감응성’이 있다. 「강태홍류 산조춤」의 전승과정과 작품의 특징을 고찰한 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째,「강태홍류 산조춤」은 강태홍이 작곡하고 안무한, 전통춤 계열의 산조춤으로 최초의 작품이다. 이 춤은 1949년 김동민의 의뢰로, 강태홍이 본인의 산조를 짧게 다듬어 김온경에게 유일하게 전수한 춤이다. 지금까지 학계에 알려진 이 춤의 초연은 1951년 부산극장이었으나, 이번 연구에서 1950년 봄 토성초등학교 학예회로 밝혀졌다. 둘째, 이 춤의 작곡자 겸 안무자인 강태홍은 가야금산조와 병창, 창극에 천재적인 재능을 가진 국악인으로 알려져 있다. 그러나 강태홍은 부산지역 일반인에게 최초로 춤을 가르친 무용교육자이자 안무자이다. 국악활동에 비해 잘 알려지지 않은 강태홍의 무용활동은 후원자 김동민과의 인연으로 인한 것이며, 예술적 후원 관계를 넘어 강태홍의 예술세계의 총체인 산조춤을 남기게 된다. 셋째,「강태홍류 산조춤」의 전승과정은 시대상황과 강태홍, 김동민, 김온경의 관계에 의해 굴곡의 역사를 지닌다. 이 작품은 1949년 안무되어 1950년 초연되는 형성과정을 거치며 발전하다, 1957년 강태홍 사망과 함께 춤의 유실기를 겪고, 1989년 신명숙과 함께 산조춤 음악의 복원 및 산조춤 복원이 이루어져, 현재까지 전승되어 오고 있다. 넷째,「강태홍류 산조춤」의 특징은 음악의 시각화, 발생의 명확성, 동작의 묘사성, 표현의 절제미, 연희의 감응성이 있다. 본 연구는「강태홍류 산조춤」의 전승과정과 특징을 구술사연구방법으로 고찰한 최초의 연구이다. 과거 구술자료를 토대로 추가적인 심층면담을 실시한 본 연구는 전통춤 연구의 방법을 확장하였다는데 의의가 있다. 또한「강태홍류 산조춤」의 실제적 이해를 돕고, 전통춤의 다양성 확보와 발전에 도움이 되길 바란다. 나아가 국가 및 시도 무형문화재 지정에서 제외된 수많은 전통춤 종목 중, 예술성과 무용사적 의미가 큰 춤들을 발굴하고, 연구하는데 도움이 될 것으로 기대한다.;This thesis is about a study analyzing the unique transmission process of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ and its characteristics. Sanjo dance is a kind of Korean traditional solo dance and it goes along with the Sanjo music played by Gayaguem. ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ was choreographed by Kang, Tae Hong himself in 1949 and the first official stage was performed by Kim, On Kyung, in 1950. This study aims to reveal the historic and artistic value in ⌜Kang, Tae Hong Style Gayaguem Sanjo Dance⌟ by examining its unique birth and transmission process, and characteristics of it. Also this research is for the need of restoring the diversity of Korean traditional dance by examining undesignated intangible cultural heritage. This thesis is based on the analysis of oral history and literature review as research methodology. The transmission process of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ that has been lasting for about 75 years can be divided into five phases - a period of formation, development, loss, restoration, and settlement - according to the historical background and the relationship of Kang, Tae Hong, Kim, Dong Min and Kim, On Kyung. The major characteristics of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ are as follows. First, ‘Visualization of Music’; his Sanjo music shows the perfect match with the dance. It’s because the composer of the Sanjo music is the same person as a choreographer of the dance, which means Kang, Tae Hong himself created the dance. Second, ‘Uniqueness of Origin’; compared to the other traditional folk dances, his Sanjo dance has a clear background of birth, which means there were a client, a choreographer and a transmitter of the dance - Kim, Dong Min, Kang, Tae Hong and Kim, On Kyung respectively. Third, ‘Portrayal of Movement’: its movements, steps and styles portray everyday routines of women as well as describe nature and objects. For example, there are movements related with women’s rolling up sleeves, spinning thread and imitating the motion of butterfly or crane. Fourth, ‘Concise but Elegant Beauty’: not only his world of music but his Sanjo dance itself represent the very refined beauty of moderation. Fifth, ‘Harmony of Live Show’; All performers - a dancer, a Gayageum player and a Janggu drummer – interact each other to create harmony from live accompaniments. The conclusion of this study are as follows. Firstly, ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ is the first Sanjo work as traditional dance style. It was choreographed in 1949 at request of Kim, Dong Min. Kang, Tae Hong made his Gayaguem Sanjo music shorter to make the dance and taught it Kim, On Kyung who was his only and direct successor to his Sanjo dance. The first performance was staged in the spring festival in Toseong Elementary School in 1950. Secondly, Kang, Tae Hong was an versatile artistic genius not only as a Korean traditional musician creating Gayageum Sanjo, Byeongchang and Changgeuk but also as a choreographer and a dance educator who taught dance to the public for the first time. That was thanks to the meeting with Kim, Dong Min. The relationship of Kim, Dong Min and Kang, Tae Hong was more than just a patron and an artist, which resulted in the creation of Sanjo dance, the essence of his art. Thirdly, the transmission of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ has gone through till today from a period of formation, development, lost, restoration, and settlement and those were driven by the historical relationship of Kang, Tae Hong, Kim, Dong Min and Kim, On Kyung. What is more, it was very critical to restore his Sanjo dance work with Shin, Myeong Sook, the artistic practitioner of Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo music. Fourthly, the characteristics of the dance are the visualization of music, the uniqueness of its origin, the portrayal of movements, concise but elegant and refined beauty and the harmony of a live show. This thesis is the first study on the transmission and characteristics of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟ utilizing additional in-depth interviewing method in addition to analyzing oral archives and oral historical records. This is significant to improve the way of research into traditional dance field. Aso this study has been conducted in the hope of the real and further understanding of ⌜Kang, Tae Hong style Gayaguem Sanjo Dance⌟. Furthermore, it would be rewarding that this study contributes to the diversity of traditional dance discovering countless precious traditional dances that hold huge artistic value but are hidden or excluded from national or local intangible cultural heritage register. Sun, 01 Jan 2023 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/264413 2023-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/264148 Title: 무용작품 「그 사이의 나」에 관한 연구 Ewha Authors: 임동진 Abstract: 본 논문은 2021년 6월 17일 이화여자대학교 홀 Ⅰ에서 발표한 본 연구자의 무용 작품 「그 사이의 나」의 구상 단계에서부터 공연까지의 과정을 분석한 연구이다. 무용 작품 「그 사이의 나」는 본인의 이주를 통한 정체성의 변화와 혼란의 경험을 토대로 안무되었다. 이를 빠르게 변화하는 현대사회 안에서 주체적인 자신의 삶이 아닌 ‘타자화 되어가는 사회현상’에 투영하여 작품의 주제와 안무 의도를 표현하고자 하였다. 이에 본 논문의 목적은 작품의 주제가 핵심 개념과 함께 어떻게 예술적으로 형상화되었는지 작품에 표현된 움직임을 중심으로 그와 연계된 예술적 표현 요소들을 분석하는데 있다. 본 논문의 연구 작품의 안무 의도는 다음과 같다. 무용 작품「그 사이의 나」는 안무자의 실제 경험을 토대로 모호해진 경계를 살아가는 현대사회 사람들의 이야기를 작품에 담고자 하였다. 지역적으로 모호해진 경계는 오히려 너와 나로 나눠지는 이분법적인 경계를 만들었다. 이러한 경계에서 자신의 삶을 온전히 살아가지 못하고 ‘타자화’되어가는 과정을 ‘변화하는 정체성’으로 작품의 주제로 발전시켰다. 또한 이를 통해 역설적으로 ‘서로의 다름을 인지하고 인정’하는 기회가 되며, ‘자신의 내면을 깊이 들여다보는 자기 성숙의 과정’으로 이어질 수 있다는 미래지향적인 긍정의 메시지를 작품에서 전달하고자 하였다. 연구 작품의 핵심 개념인 호미바바의 『문화의 위치』(1994)에 소개된 ‘양가성’, ‘혼종성’, ‘제 3의 공간’은 문화 간의 ‘역동적인 교류’를 통한 ‘창조적 공간’인 제3의 공간을 제시함으로써 발전적인 시각으로 문화를 조망한다. 연구자는 이러한 문화적 정체성을 긍정적인 측면에서 바라보고 이를 통해 ‘다양하고 무한한 잠재적 가능성을 생성’하는 ‘새로운 문화창조의 장’을 ‘변화되는 정체성의 끊임없는 성숙의 과정’으로 작품에서 총 3장으로 구성하여 제시하였다. 본 연구자는 안무 작품「그 사이의 나」를 통해 다양해지는 현대사회의 삶 속에서 자신의 ‘주체적 정체성’을 갖고 그 안에 ‘다양함을 수용’한다면 그 과정은 힘들더라도 더 온전한 자신의 삶을 살 수 있음을 말하고자 했다. 또한 빠르게 변화되는 융복합시대에 자신의 삶을 어떻게 살아갈 것인가에 대한 질문을 던지고 그에 대한 안무자만의 답을 제시함으로써 함께 공감할 수 있는 소통의 작품이 되기를 바라는 바이다. 본 연구를 통해 연구자는 본인의 안무작품을 분석함으로 안무자의 예술적 가치관을 체계화시키고, 나아가 독창적인 표현 방식을 만들어나가고자 하는데 본 연구의 의의가 있다. ;This thesis analyzed and researched the entire creative process from the initial planning to the final stage of dance performance regarding the author’s dance work titled「In-between Myself」that was presented in Hall I of Ewha Womans University on the 17th of June in 2021. The dance work of「In-between Myself」was choreographed based on the author’s experience of changes and confusion in the identity as a result of the emigration. The author attempted to express the main ideas of the dance work and the choreographic objectives by reflecting these experiences of the author’s on the ‘social phenomenon of otherization’ for those not being able to live independent lives of their own selves in this fast-changing modern era. The current thesis was based on the theory by Homi K. Bhabha on ‘ambivalence’, ‘hybridity’, and ‘the third space’ that was introduced in「The Location of Culture」(1994). By adopting these concepts, the aim of the current thesis was to analyze how these concepts were artistically materialized in the dance moves of the dance work to express the main themes. The choreographic objectives of the present dance work are following. The dance work composed of three chapters in total attempted to describe life stories of those living in ambiguous boundaries of the modern society based on the choreographer’s personal experiences. Geographically ambiguous boundaries ironically made binary boundaries of you versus me. Based on these, the author regarded the process of ‘otherization’ for those not being able to live lives of their own selves as ‘changing identities’, which is the main idea of the present dance work. Furthermore, the author also attempted to deliver the future-oriented positive messages that this process could ironically lead to a ‘self-retrospective self-maturing process’ after ‘acknowledging and accepting the differences of each other’. ‘Ambivalence’, ‘hybridity’, and ‘the third space’, which are the main concepts of the present research work, view culture from the productive perspectives and suggest the third space as the ‘creative space’ developed from ‘dynamic interactions’ among various cultures. The author, also focusing on the positive aspects of the cultural identity, viewed a ’new field of cultural creation producing various and infinite potential possibilities’ as an ‘constantly maturing process of changing identities’. These ideas were symbolically choreographed and constructed in each of the chapters 1, 2, and 3 of the dance work to materialize the identity-changing process focused on the inside of a own self instead. In sum, in the dance work of「In-between Myself」, the present choreographer tried to argue that people could live their own lives more holistically in this ever-diversifying modern society when they ‘accepts diversity’ while holding ‘their own independent identities’ no matter how difficult the process might be. Moreover, the author hopes the current dance work to be the empathetic work of communication by raising the question of how to live a life as a own self in this fast-changing multidisciplinary era and suggesting some answers to it. Finally, this thesis has its meaning in attempting to organize the author’s artistic integrity and create original method of expression by analyzing the author-choreographed work. Sun, 01 Jan 2023 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/264148 2023-01-01T00:00:00Z