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프로이트의 빙산 이론을 적용한 무용창작작품 「Lone」의 구조적 의미 연구

Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT

Title: 프로이트의 빙산 이론을 적용한 무용창작작품 「Lone」의 구조적 의미 연구 Ewha Authors: 문승연 Abstract: 본 연구는 2025년 06월 12일 이화여자대학교 체육관 홀 1에서 발표한 본 연구자의 석사 졸업 무용 창작 작품 「Lone」의 창작 과정을 분석하고 연구한 논문이다. 본 작품은 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 무의식 개념을 중심으로, '빙산 이론(Iceberg Theory)'을 창작의 기반으로 삼아, 인간 내면의 심리 구조를 표현한 한국무용 창작 작품이다. 「Lone」은 인간의 의식, 전의식, 무의식이라는 세 층위로 나뉘는 심리 구조를 분석하며 작품을 체계화하였다. 본 연구에서는 작품 내용에 따른 움직임 및 예술적 요소를 바탕으로 본 안무자의 안무 방법을 정리하여 창작 접근 방법을 제시하고자 한다. 본 연구의 목적은 첫째, 무용 창작 작품「Lone」의 주제와 창작 과정을 분석함으로써 프로이트의 무의식 개념이 신체 언어로 어떻게 전환될 수 있는지를 탐구하는 데 있다. 이를 통해 인간의 내면적 심리 구조를 무용이라는 예술적 매체를 통해 시각적으로 드러내는 방법을 모색하고자 한다. 둘째, 본 작품의 분석을 통해 안무자의 주관적 경험과 신체 감각을 기반으로 한 심리학적 이론이 무용적 움직임으로 구체화되는 과정을 밝히는 것을 목적으로 한다. 이는 프로이트의 무의식 개념을 단순 해석에 그치지 않고 창작 과정 속에서 실제 움직임으로 구현하는 방법적 가능성을 탐색하기 위함이다. 「Lone」은 1장 〈의식〉, 2장 <전의식>, 3장 <무의식>으로 구성되어 인간의 심층 심리인 삼중 구조가 무용 창작의 구성 원리로써 바뀌어가는 과정을 표현하였다. 각 장에서는 움직임 외에도 시각적 요소인 조명 활용을 중점적으로 활용하며 주제 의식을 강화하였다. 1장 <의식>은 의식의 제한성과 의식적인 사회 규범을 반영한 표면적 자아의 형태로, 반복적인 움직임을 통해 획일화된 일상과 경직성을 강조하였다. 2장 <전의식>은 의식과 무의식 사이의 경계 영역으로, 유연하고 감정적인 동작으로 내면의 갈등과 분출을 암시하였다. 3장 <무의식>은 가장 깊숙한 내면의 세계를 상징하며 감정의 근원을 마주하며 신체 언어로 심리의 복잡성이 표현된다. 인간의 심리 구조가 변화되는 과정을 반복적이고 기계적인 동작, 상승과 하강의 높낮이 등 유동성 있는 움직임을 사용하여 표현하였다. 조명을 중점적으로 활용하여 느껴지는 심리 상태를 시각적으로 표현하고자 하였으며 주제와 심리 변화의 흐름을 상징적으로 나타내고자 하였다. 본 연구 결과로 첫째, 프로이트의 무의식 개념을 바탕으로 비가시적 심리 요소가 신체 움직임으로 전환되는 과정을 실기 중심으로 구체화하였다. 한국무용이 지닌 특성과 서양 심리학의 개념을 결합하여, 심리 삼중 구조의 정서를 치환하는 과정에서 주관적 감정이 예술적 언어로 구조화되는 실질적 사례를 제시하였다. 둘째, 동작의 구성 방식, 공간 활용, 시각적 상징성 등을 통합적으로 활용함으로써, 심리학적 이론과 신체적 감각이 결합된 창작 방법의 가능성을 도출하였다. 이러한 접근은 심리 구조의 단계적 변화가 무대 위에서 자연스럽게 시각화되며, 심리학적 개념과 예술적 형상이 유기적으로 결합된 융합적 미학을 구현할 수 있음을 확인하게 한다. 셋째, 본 연구는 무용 창작의 과정적 분석을 통해 무의식 개념의 창작 과정 흐름을 구체화하였다. 창작 과정에서 마인드맵, 안무 일지, 즉흥 리서치 등을 병행하여 각 장면의 정서적 핵심을 구조화하고, 프로이트의 이론을 움직임의 단계적 전개로 전환하였다. 이러한 연구 과정을 통해 신체 예술로 표현하는 무용 작품을 안무가의 내면세계에 따른 무의식적 표현과 심리적 감정 변화에서 비롯된 것이라고 새롭게 분석하는 데에 그 의의를 갖는다.;This study is a thesis that analyzes the creative process of the researcher's master's graduation dance work 「Lone」which was presented on June 12, 2026, at Hall 1 of the Ewha Womans University. The piece is a Korean dance composition that explores the inner psychological structure of human beings, drawing upon Sigmund Freud’s concept of the unconscious and adopting the “Iceberg Theory” as its foundational framework.「Lone」systematizes the work by examining the psychological structure segmented into three strata—consciousness, preconsciousness, and unconsciousness. Based on the movements and artistic elements aligned with the thematic progression, this study delineates the choreographer's methodology and proposes a creative approach applicable to dance-making. The purpose of this study is, first, to explore how Freud’s concept of the unconscious can be transformed into bodily language by analyzing the theme and creative process of the dance work Lone. Through this, the study seeks to identify ways in which the inner psychological structure of human beings can be visually revealed through the artistic medium of dance. Second, this study aims to elucidate the process by which psychological theories grounded in the choreographer’s subjective experiences and bodily sensations are concretized into choreographic movement through an analysis of the work. This is intended to explore methodological possibilities for embodying Freud’s concept of the unconscious not merely as theoretical interpretation but as actual movement within the creative process. The choreography of 「Lone」 consists of three chapters—Consciousness, Preconsciousness, and Unconsciousness—illustrating how the tripartite structure of deep human psychology is transformed into a principle of dance composition. Each chapter emphasizes lighting design as a visual component, alongside movement, to reinforce thematic consciousness. Chater 1 represents the superficial ego that embodies the limitations of consciousness and socially constructed norms, accentuating homogenized everyday existence and rigidity through repetitive movements. Chapter 2 portrays the boundary region between consciousness and unconsciousness, suggesting inner conflict and emotional eruption through flexible and expressive motion. Chapter 3 symbolizes the deepest internal world in which the origin of emotions is confronted and the complexity of the psyche emerges through bodily expression. The transformation of the human psychological structure is conveyed through dynamic movement qualities, including repetitive and mechanical motion as well as variations of vertical trajectory such as ascent and descent. The choreography integrates lighting as a central device to visually represent psychological states and to symbolically capture the thematic and emotional transitions. The findings of this study are threefold. First, based on Freud’s concept of the unconscious, the study concretizes in a practice, centered manner the process by which invisible psychological elements are translated into bodily movement. By merging the characteristics of Korean dance with concepts of Western psychology, the work provides a practical example wherein subjective emotions are structured into an artistic language during the translation of the emotional qualities of the psychological tripartite model. Second, by holistically incorporating movement composition, spatial utilization, and visual symbolism, the study identifies the potential of a creative methodology that integrates psychological theory with somatic sensibility. This approach demonstrates that the gradual transformation of psychological structure can be organically visualized on stage, enabling a convergent aesthetics in which psychological concepts and artistic forms are seamlessly synthesized. Third, this study concretizes the creative flow of the unconscious concept by conducting a process-based analysis of dance creation. Throughout the creative process, tools such as mind maps, choreographic journals, and improvisational research were employed to structure the emotional core of each scene and to translate Freud’s theory into a step-by-step development of movement. Through this research process, the study gains significance in newly interpreting a dance work expressed through bodily art as an embodiment of the choreographer’s unconscious expressions and psychological shifts arising from their inner world.

칼 로저스 인간중심이론에 기반한 성인 발레 지도자 태도(Being)모형의 구성과 교육적 함의

Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT

Title: 칼 로저스 인간중심이론에 기반한 성인 발레 지도자 태도(Being)모형의 구성과 교육적 함의 Ewha Authors: 이자윤 Abstract: 본 연구의 목적은 성인 발레 교육에서 정서적 학습 환경이 학습의 질을 결정하는 핵심 조건임을 확인하고, 이를 실천적으로 구성할 수 있는 지도자 정서 태도 모형을 제시하는 데 있다. 성인 발레는 최근 평생교육·참여형 예술로 확장되었으나, 교육 현장은 여전히 기술 중심의 지시와 반복 훈련에 머물러, 성인 학습자의 정서·경험·자기 이해를 중심에 두지 못하는 구조적 한계를 드러내고 있다. 성인 학습자는 삶의 압력과 비교 불안, 신체 노출의 긴장 속에서 수업을 마주하며, 이러한 정서적 특성은 학습자가 경험의 의미를 스스로 구성하고 확장하기 위해 안전한 관계 기반을 필요로 한다. 이에 성인 발레 수업은 단순한 신체 기술의 습득을 넘어 감정과 움직임이 상호작용하는 관계적 예술 경험이어야 하며, 지도자의 존재방식(Being)에 근거한 정서적 태도는 이러한 학습 구조를 여는 결정적 요인이 된다. 본 연구는 지도자의 태도(Being)가 학습자에게 지각되는 순간 정서적 공명(Affective Resonance)이 발생하고, 이 공명이 신뢰–표현–몰입으로 이어지는 관계적 경험을 생성함을 분석함으로써, 성인 발레 교육의 핵심 동력을 관계적 학습(Relational Learning)으로 개념화한다. 관계적 학습은 지도자와 학습자가 정서적 상호작용을 통해 경험을 공동 구성하고 그 안에서 의미를 재해석하는 과정으로, 인간중심이론의 “성장은 관계 안에서 일어난다”는 원리를 교육적 구조로 해석한 것이다. 이러한 이론적 틀 위에서 본 연구는 지도자의 정서적 태도(Being)를 ‘경청–공감–수용–성찰–전환’으로 구조화한 H.E.A.R.T 모형을 제시한다. 이 모형은 지도자의 태도(Being)가 외적 역할(Role)로 전이되고, 이 역할이 정서적 환경을 조성(Foster)하며, 조성된 환경이 관계적 경험과 학습으로 확장하는 작동 경로를 설명한다. 또한 H.E.A.R.T 모형은 지도자의 정서적 반응이 내면에서는 비선형적 흐름으로 움직이고, 학습자에게 지각되는 순간에는 순환적 구조로 전환된다는 점에서 성인 발레 교육의 복합적 심리 역학을 정교하게 해석하도록 돕는다. 아울러 ‘정서 기반의 관계적 경험’은 대면 여부가 아니라 지도자의 태도가 학습자에게 어떻게 지각되는가에 따라 성립하므로, 본 모형은 다양한 교육 환경으로 확장 가능한 잠재성을 지닌다. 종합하면, 본 연구는 성인 발레 교육의 정서적 환경을 규명하고, 인간중심이론을 기반으로 관계적 학습의 구조를 해석하며, 이를 실천적 수준에서 구현할 수 있는 H.E.A.R.T 모형을 통해 성인 발레 교육의 새로운 방향을 제안한다. 또한 지도자의 정서적 태도를 개인의 성향이 아닌 교육적 전문성으로 재정의함으로써, 성인 발레뿐 아니라 향후 예술교육 전반에서 관계 기반 교육의 패러다임을 확장하는 이론적 기반을 마련한다.;The purpose of this study is to elucidate the role of the emotional learning environment as a central condition determining the quality of adult ballet learning and to propose a practical model of instructors’ emotional attitudes. Although adult ballet has recently expanded as a form of lifelong and participatory arts education, instructional practices remain largely shaped by technical directives and repetitive training, revealing limitations in responding to adult learners’ emotions, prior experiences, and self-understanding. Adult learners enter the studio under pressures—social expectations, comparison anxiety, and bodily exposure tension—calling for a relationally safe environment that enables them to construct and extend the meaning of their experiences. Thus, adult ballet classes must move beyond physical skills and function as relational artistic experiences in which emotion and movement interact. An instructor’s emotional attitude, grounded in their way of being, becomes a decisive factor in enabling such learning structures. This study conceptualizes relational learning as the core mechanism of adult ballet education by analyzing how an instructor’s way of being produces affective resonance, generating relational experiences of trust, expression, and engagement. Relational learning refers to the co-construction of experiences between instructors and learners through emotional interaction, embodying the humanistic principle that “growth occurs within relationships.” into an educational structure. Building on this frame, the study proposes the H.E.A.R.T model, structuring the instructor’s emotional attitudes as Hearing, Empathizing, Accepting, Reflecting, and Transforming. The model shows how an instructor’s attitude (Being) shapes external roles, fosters an emotional environment, and expands into relational learning, with nonlinear responses manifesting cyclically for learners, offering a refined view of adult ballet’s complex psychological dynamics. In sum, this study clarifies the emotional environment of adult ballet education, interprets the structure of relational learning through a humanistic theoretical lens, and presents the practical H.E.A.R.T model as a new direction for adult ballet pedagogy.

무용 작품 「공전(空转)」의 창작 과정 연구

Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT

Title: 무용 작품 「공전(空转)」의 창작 과정 연구 Ewha Authors: Yu, Huimin Abstract: This study aims to explore methods for translating the three stages of learned helplessness uncontrollable situation, cognitive attribution, and behavioral inhibition into perceptible movement-based expressions in dance. The research originates from the widespread anxiety, exhaustion, and sense of powerlessness experienced by contemporary young adults, a context in which the researcher is also situated. Accordingly, the study seeks to visualize psychological states that are difficult to verbalize or remain outside conscious awareness by allowing them to be expressed through bodily change, and to transform this process into a choreographic methodology. Drawing upon personal emotional experiences, the researcher employed creative journaling, rehearsal video review, and continuous self reflection to analyze the relationships among emotion, movement, and cognition. In establishing the conceptual foundation of the work, the psychological phases of learned helplessness were aligned with the symbolic imagery drawn from Franz Kafka, forming a structural correspondence among psychological concepts, literary images, and personal experience. Through improvisational exploration, emotional keywords were translated into movement textures, which were systematized to complete the dance work Gongjeon. (空转, Empty Rotation) The major outcome of the dance work Gongjeon lies in its psychological structure. It was observed that the psychological structure extends beyond the simple reproduction of emotion and may be transferred into dance expression through bodily responses and the logic of movement. Notably, when undergoing a step-by-step transformation from psychological experience to literary imagery, movement texture, and stage structure, the abstract psychological process was found to settle relatively stably into more concrete bodily language. Furthermore, fragmented high-frequency movements and repetitive cyclical structures that emerged during the creative process showed structural similarities to cognitive and emotional patterns such as anxiety, self-negation, and behavioral inhibition. This suggests that dance may serve as a channel through which psychological processes can be externally revealed. Literary imagery played an important mediating role in the intermediate stage of generating and refining movement by increasing emotional density and compressing psychological experience into symbolic language. The bodily stillness presented in Gongjeon suggests that it need not be fixed to a single meaning. On the one hand, the stillness reflects the manifestation of learned helplessness in the body; on the other hand, it may also be understood as a defensive or coping strategy aimed at conserving energy and regulating emotional burdens in uncontrollable situations. This demonstrates that different psychological mechanisms may overlap within a single bodily expression, providing a more multilayered interpretive perspective when psychological concepts are introduced into dance analysis. This study is significant in that it demonstrates the potential for artistically exploring the emotional difficulties and psychological changes experienced by younger generations through dance. In particular, by proposing a method of converting psychological concepts into structural elements of dance creation, the study investigates possibilities for expanding creative research that organically connects psychology, literature, and the body. Additionally, by incorporating psychological structure into dance analysis, it presents a practical case of interdisciplinary research spanning the arts and psychology, and through Gongjeon, seeks to offer audiences a more multilayered perspective for understanding helplessness and the phenomenon of spinning in place. However, this study bears certain limitations: it is based on the researcher’s personal experience, and thus lacks sufficient group-based investigation or external validation; and its analytical framework is confined to learned helplessness, failing to encompass a broader range of psychological mechanisms. Future research may benefit from integrating group choreography, improvisational experimentation, and analyses of audience feedback to examine the interactions among psychology, body, and stage in a more dimensional and comprehensive manner;본 연구는 학습된 무기력이 제시하는 세 단계, 즉 통제 불가능한 상황, 인지적 귀인, 행동 억제라는 심리 구조를 신체로 지각 가능한 무용 표현으로 전환하는 방법을 탐색하는 데 목적이 있다. 연구의 출발점에는 오늘날 청년 세대가 공통적으로 경험하는 불안, 소진, 무력감이 놓여 있으며, 연구자 역시 이러한 정서적 환경 속에 있다. 이에 본 연구는 말로 설명하기 어렵거나 의식 바깥에 머무르는 심리를 통해 신체의 변화가 표현되도록 시각화하고, 이를 창작의 방법론으로 전환하고자 하였다. 연구자는 자신의 정서 경험을 토대로, 창작 일지 작성, 리허설 영상 회고, 지속적 자기 성찰을 병행하며 감정, 동작, 인식 사이의 관계를 분석하였다. 창작 근거를 마련하는 과정에서 학습된 무기력의 심리적 단계에 프란츠 카프카의 상징적 이미지를 대응시키고, 이를 바탕으로 심리 개념, 문학적 이미지, 개인 경험의 구조를 설정하였다. 이어 즉흥적 탐색을 통해 도출한 정서적 핵심어를 동작의 질감으로 전환하고, 그 결과를 체계화하여 무용 작품 「공전(空转)」을 완성하였다. 무용 작품 「공전(空转)」의 주요 결과로는 심리 구조가 있다. 심리 구조는 단순한 정서 재현을 넘어 신체 반응과 동작의 논리를 무용적 표현으로 옮겨질 수 있음이 관찰되었다. 특히 심리 경험, 문학 이미지, 동작 질감, 무대 구조로 이어지는 단계적 전환을 거칠 때, 추상적인 심리 과정이 보다 구체적인 신체 언어로 비교적 안정적으로 정착되는 양상이 확인되었다. 또한, 창작 과정에서 나타난 파편화된 고빈도 동작과 반복적인 순환 구조 등은 불안과 자기 부정, 행동 억제와 같은 인지·정서적 패턴과 일정한 구조적 유사성을 보였으며, 이를 통해 무용이 심리 과정을 바깥으로 드러내는 하나의 통로가 될 수 있음을 시사하였고, 문학적 이미지는 감정의 밀도를 높이고 심리 경험을 상징적 언어로 압축함으로써, 동작을 생성·정교화하는 중간 단계에서 중요한 매개 역할을 수행하였다. 「공전(空转)」에서 나타나는 신체적 정지가 단일한 의미에 고정되지 않을 수 있음을 시사한다. 작품 속 공전은 한편으로는 학습된 무기력이 몸으로 드러난 모습이면서, 동시에 통제 불가능한 상황에서 에너지를 아끼고 정서적 부담을 조절하려는 일종의 방어·대응 전략으로도 이해될 여지가 있다. 이는 하나의 신체 표현 안에 서로 다른 심리 기제가 중첩될 수 있음을 보여 주며, 심리학적 개념을 무용 분석에 도입할 때 보다 다층적인 해석 관점을 마련해 준다. 본 연구는 무용을 매개로 청년 세대가 겪는 정서적 어려움과 심리적 변화를 예술적으로 탐구할 수 있는 가능성을 보여 준다는 점에서 의의를 지닌다. 특히 심리 개념을 무용 창작의 구조적 요소로 전환하는 방식을 제안함으로써, 심리, 문학, 신체를 유기적으로 연결하는 창작 연구의 확장 가능성을 모색하였다. 아울러 무용 작품 분석에 심리학적 구조를 도입하여 예술과 심리학을 아우르는 학제 간 연구의 실제 사례를 제시하였고, 작품 「공전(空转)」을 통해 관객이 무력감과 공전 현상을 보다 다층적으로 이해할 수 있는 관점을 제공하고자 하였다. 한편 본 연구는 작품이 연구자의 개인 경험에 기반하고 있어 집단적 조사나 외부 검증이 충분히 이루어지지 못했다는 점, 분석의 틀이 학습된 무기력에 한정되어 다양한 심리 기제를 폭넓게 포괄하지 못했다는 점 등의 한계를 안고 있다. 향후 연구에서는 그룹 안무와 즉흥 실험, 관객 피드백 분석 등을 병행하여, 심리, 신체, 무대 간 상호작용을 보다 입체적이고 종합적으로 검토할 필요가 있다.

사르트르의 실존주의 사상에 기반한 무용 작품 「미지」의 창작 과정 연구

Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT

Title: 사르트르의 실존주의 사상에 기반한 무용 작품 「미지」의 창작 과정 연구 Ewha Authors: Shao, Wei Abstract: 본 연구는 연구자이자 안무자 SHAO WEI가 2024년 12월 5일 이화여자대학교 체육관 홀1에서 발표한 석사 졸업 무용 작품 「미지」의 창작 과정을 분석한 실기기반 연구이다. 본 작품은 중국 소설 <포위된 성(围城)>에서 촉발된 문제의식을 출발점으로 삼되, 사르트르의 ‘실존이 본질에 앞선다’라는 명제를 이론적 중심축으로 삼아 ‘아이러니한 딜레마’라는 개념적 구조를 구성하였다. 연구자는 이 구조가 사회적 처지 속에서 개인에게 ‘의미의 막막함’, ‘결단의 지연과 선택의 부담’, ‘행동력 상실과 수동성의 반복’이라는 세 가지 상태로 반복·강화되는 양상을 정리하고, 행동과 선택을 통해 스스로의 존재 의미를 형성하며 딜레마를 벗어날 가능 경로를 모색하는 과정을 탐색하였다. 본 연구는 상징적 창작 방법의 실행 가능 경로를 중심으로, ‘아이러니한 딜레마’의 구조와 실존 명제가 창작 실천의 절차 속에서 어떻게 신체 움직임과 무대 요소로 구체화되는지를 고찰하였다. 연구는 문헌 분석과 실기기반 연구를 병행하여 진행하였다. 문헌 분석에서는 <포위된 성> 및 관련 연구, 사르트르의 실존주의 사상, 실존주의와 무용 창작, 상징적 창작 방법과 관련된 선행연구를 검토하여 작품의 개념과 방법론적 토대를 마련하였다. 실기기반 연구에서는 안무 일지, 리허설 및 공연 영상, 안무 원고, 공간·조명 설계 자료 등을 수집하여 작품 구상에서 무대화에 이르는 전 과정을 기록·정리하고, 창작 과정의 선택과 수정, 결정의 근거를 분석하였다. 창작 방법 측면에서 본 연구는 상징적 창작 방법을 적용하였으며, 이는 세 단계로 구성된다. 첫째, 구상 단계에서는 문학 텍스트와 철학 텍스트, 개인 경험에서 문제의식을 정리하고, 이를 ‘아이러니한 딜레마’의 구조 및 세 가지 상태로 정련한 뒤 형상어(예: 속박, 불안, 망설임, 수동성 등)로 치환하였다. 둘째, 상징 체계 구축 단계에서는 검은 망사 오브제, 신체 질감, 동작 및 자세, 조명과 공간 구성을 상징 요소로 설정하고, 즉흥과 영상 피드백을 통해 장면별 표현 가능성을 탐색·선별하였다. 셋째, 구체적 창작 및 상징 효과 강화 단계에서는 즉흥 소재를 호흡 리듬, 힘의 사용, 시각적 공간의 세 측면에서 재구성하고 오브제·조명·의상·음악과 결합하여 전체를 통합하였다. 작품 「미지」는 1장 ‘보이지 않는 속박’, 2장 ‘각성과 몸부림’, 3장 ‘반항과 순환’의 구조를 통해 수동적 처지에서 자각과 선택의 문제로 이행하는 과정을 전개하며, 결말에서는 ‘벗어남’이 다시 ‘다른 진입’으로 이어지는 반어적 순환을 제시한다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 상징적 창작 방법은 ‘아이러니한 딜레마’의 구조와 실존 명제와 같은 추상적 개념을 신체 움직임과 오브제, 조명, 공간 구성 등 무대 기호로 번역하는 데 유효한 경로를 제공한다. 둘째, 즉흥을 기반으로 한 안무 절차는 신체의 즉각적 반응을 보존하면서도, 호흡·힘·공간의 구성 원리를 통해 장면이 핵심 상태와 구조에 밀착되도록 조직할 수 있음을 보여준다. 셋째, 창작 과정에서 안무자가 즉흥 소재를 선택·배열·수정하는 판단의 연쇄는 ‘의미가 선험적으로 주어지지 않으며 실천 속에서 형성된다’는 사르트르의 관점을 실천적 차원에서 드러낸다. 결론적으로 본 연구는 문학적 문제의식과 실존주의 명제를 매개로, ‘아이러니한 딜레마’의 구조를 무용 창작의 절차와 무대 언어로 전환하는 방법론적 사례를 제시한다.;This study is a practice-based investigation that analyzes the choreographic process of Miji (「미지」), a master’s graduation dance work presented by the researcher and choreographer SHAO WEI on December 5, 2024, at Hall 1 of the Sports Complex, Ewha Womans University. The work takes as its point of departure the problem consciousness elicited by the Chinese novel Fortress Besieged (<포위된 성, 围城>) and adopts Jean-Paul Sartre’s proposition that “existence precedes essence” as its central theoretical axis in order to construct the conceptual framework of an “ironic dilemma.” The researcher identifies how this structure is repeatedly reinforced in the lives of individuals within social circumstances through three recurring states: “a sense of meaninglessness and bewilderment,” “the postponement of decision-making and the burden of choice,” and “the loss of agency and the repetition of passivity.” In doing so, the study explores the process by which individuals seek possible pathways out of the dilemma by forming the meaning of their own existence through action and choice. Centering on the practical applicability of a symbolic creation method, this study examines how the structure of the “ironic dilemma” and the existential proposition are embodied through bodily movement and stage elements within the procedures of creative practice. The research was conducted by combining literature review and practice-based inquiry. In the literature review, previous studies related to Fortress Besieged, Sartre’s existentialist philosophy, existentialism and dance creation, and symbolic creation methods were examined to establish the conceptual and methodological foundations of the work. In the practice-based component, choreographic journals, rehearsal and performance videos, choreographic notes, and materials for spatial and lighting design were collected to document and organize the entire process from initial conception to staging, and to analyze the bases for creative decisions, revisions, and selections. In terms of creative methodology, the study applied a symbolic creation method composed of three stages. First, in the ideation stage, problem consciousness was articulated based on the literary and philosophical texts and the researcher’s personal experience; it was then refined into the structure of the “ironic dilemma” and its three states, and translated into figurative descriptors (e.g., constraint, anxiety, hesitation, passivity). Second, in the stage of constructing a symbolic system, black mesh objects, bodily textures, movement and postures, and lighting and spatial composition were established as symbolic elements; improvisation and video feedback were used to explore and select expressive possibilities for each scene. Third, in the stage of concrete creation and strengthening symbolic effects, improvisational materials were reorganized in terms of breathing rhythm, use of force, and visual spatiality, and integrated into a unified whole in conjunction with objects, lighting, costume, and music. Miji unfolds through three sections—(1) “Invisible Constraint,” (2) “Awakening and Struggle,” and (3) “Defiance and Circulation”—depicting a progression from a passive condition toward an awareness of, and engagement with, the problem of choice. In the ending, the work presents an ironic cycle in which “escape” leads to “another entry.” The findings are as follows. First, the symbolic creation method offers an effective pathway for translating abstract concepts—such as the structure of the “ironic dilemma” and the existential proposition—into stage sign systems including bodily movement, objects, lighting, and spatial composition. Second, an improvisation-based choreographic process can preserve the body’s immediate responsiveness while organizing scenes to adhere closely to the core states and structure through compositional principles of breath, force, and space. Third, the chain of judgments through which the choreographer selects, arranges, and revises improvisational material reveals, at the practical level, Sartre’s view that meaning is not given a priori but is formed through practice. In conclusion, this study presents a methodological case that, by mediating between literary problem consciousness and an existentialist proposition, translates the structure of the “ironic dilemma” into choreographic procedures and stage language.