https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/171139 Sun, 05 Apr 2026 04:09:50 GMT 2026-04-05T04:09:50Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274241 Title: 2022 개정 고등학교 미술 교과서 분석을 통한 인공지능 기반 미술교육 활성화 방안 Ewha Authors: 이예나 Abstract: 인공지능의 등장은 우리 삶에 근본적인 변화를 가져왔다. 교육은 이처럼 예측하기 어려운 급속한 변화 속에서 인공지능 활용의 새로운 방법을 모색하는 초입 단계를 겪고 있다. 특히 교육에서는 학습자가 미래 사회를 살아갈 수 있는 역량을 함양할 수 있도록 인공지능을 비판적으로 수용하면서도 창의적으로 다룰 수 있는 종합적 역량의 중요성을 강조하고 있다. 미술교육은 다양한 매체 활용을 통해 학습자의 창의적 사고를 확장하며 시각적 의미를 해석하는 데 관심을 두고 교육 가능성을 탐색해 온 교과이다. 이러한 미술교육의 특성은 인공지능 기술 발전의 환경에서 요구하는 창의성, 시각적 문해력 그리고 비판적 해석 능력과 밀접하게 맞닿아 있다. 이와 같은 교육 환경 변화에 선제적으로 대응하기 위해서 인공지능 역량을 효과적으로 함양할 수 있는 방향에 대한 미술교육에서의 활발한 논의가 필요하다. 본 연구는 2022 개정 고등학교 일반 미술 교과서 10종을 분석하고 현직 고등학교 미술 교사와 심층 인터뷰를 통해 도출한 결과를 바탕으로 미술교육에서 인공지능 기반 교육의 현장 활성화 방안을 제안하는 것을 목적으로 한다. 이를 달성하기 위한 연구의 절차는 다음과 같다. 첫째, 선행 연구 및 문헌 자료 분석을 통해 미술 교과에서 인공지능의 교육적 의의와 적용 방향을 고찰하였다. 둘째, 2022 개정 미술과 교육과정을 분석하여 인공지능 관련 성취 기준과 학습 요소의 반영 정도를 확인하였다. 셋째, 2022 개정 고등학교 미술 일반 교과서 10종을 대상으로 구성 분석과 내용분석을 실시하였다. 넷째, 현직 고등학교 미술 교사 5인을 대상으로 비대면 심층 인터뷰를 진행하였으며, 이를 통해 교육 현장에서 인공지능을 활용한 미술 수업의 현황과 교사들의 인공지능 미술교육에 대한 인식 및 한계점을 파악하였다. 다섯째, 문헌 연구, 교과서 분석, 교사 인터뷰 결과를 종합하여 인공지능 기반 미술교육의 교육 현장 활성화를 위한 개선 방안을 제시하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 선행 연구 및 문헌 분석을 통해 미술 교과가 인공지능 교육에 적합한 교과임을 확인하였다. 미술은 전통적으로 창의성과 시각적 문해력 개념을 교육 내용으로 선정해 왔다. 특히 사회의 복잡성과 다양성이 확대됨에 따라 학생들이 인공지능과 같은 매체를 비판적으로 받아들일 수 있는 능력을 인공지능 기반 미술교육을 통해 적절히 이루어질 수 있다는 것을 확인할 수 있었다. 둘째, 2022 개정 교육과정은 디지털 매체 활용을 적극적으로 반영하고 있었다. 특히 미적 체험·표현·감상 세 영역 전반에 디지털 환경에 대한 강조를 확인하였다. 하지만 인공지능과 관련된 성취 기준의 서술은 일부 서술되어 있어 구체적 수업 설계나 학습 활동으로 이어지기에는 한계를 보였다. 셋째, 2022 개정 고등학교 미술 교과서 분석 결과, 교과서에서 인공지능 윤리적 이해, 사회적 영향 등 인공지능 리터러시에 대한 반영 비율을 높이고 전 영역에 고르게 배치될 필요를 확인하였다. 고등학교 교과서 10종에서 인공지능과 관련된 내용은 전체의 5.5%에 불과했으며, 주로 표현 영역에 집중되어 있었다. 또한 교과서별로 수준과 편차의 차이를 보였으며 일반적으로 인공지능 미술의 개념과 원리 등에 대한 깊이 있는 탐구를 할 수 있는 학습활동과 관련 도판이 부족하여 이 개선이 필요할 것으로 보인다. 넷째, 교사들이 적극적으로 인공지능 기반 미술교육 수업을 현장에 실행하기 위해 수업에 곧바로 활용할 수 있는 연수와 제도적 지원이 필요하다. 또한 교육 현장의 인공지능 교육이 활성화를 위해서는 교사들의 적극적이고 열린 자세와 태도가 필요하다는 것을, 인터뷰를 통해 확인할 수 있었다. 원활한 인공지능 교육을 실행하기 위해서 학교의 충분한 지원과 기자재의 보급 등이 필요하며 학생들이 미래 사회 핵심 역량에 대응할 수 있도록 이를 반영한 교과서의 개선 또한 필요한 것으로 나타났다. 연구 결과를 종합하자면 인공지능 미술교육은 사회 변화와 시대적 요구를 반영한 필수적인 역량으로 학습자의 창의적인 사고, 시각적 표현, 비판적 이해를 통합적으로 포괄하는 교육이라고 할 수 있다. 이러한 인공지능 역량을 미술교육에 적용하고 교육하기 위해서는 교과서 개선, 교사 인식 변화, 정책 및 제도적 지원이 마련되어야 한다. 교과서의 인공지능 미술은 표현에 치우쳐져 있었으며, 인공지능과 관련된 윤리적인 성찰과 리터러시 측면이 충분히 반영되지 못하고 있었다. 이를 위해 교과서의 구성은 인공지능의 기술적 측면과 함께 윤리적 의미를 함께 다룰 수 있도록 폭넓게 보완돼야 할 것이다. 또한, 교육 현장에서 실제 교육을 실행하는 교사가 인공지능과 같은 신기술을 더욱 긍정적으로 교육에 반영할 수 있도록 실질적인 도움이 되는 연수 프로그램을 통해 구체적으로 수업을 구성할 수 있는 제반이 마련되어야 할 것이다. 이를 통해 미술교육에서 인공지능 미술교육이 더욱 활성화될 수 있을 것을 기대한다. 본 연구는 2022 개정 미술과 교육과정이 반영된 고등학교 미술 교과서에 나타난 인공지능 관련 현황을 분석하고, 교사 인터뷰를 통해 현장의 인식을 반영하여 향후 미술교육의 개선 방향을 제시했다는 점에서 의의를 지닌다. 다만 본 연구는 교사 5인을 중심으로 진행되어 결과의 일반화에는 한계가 있으며, 후속 연구에서는 다양한 지역과 학교를 포함한 확대 연구가 필요할 것이다. 본 연구가 향후 인공지능을 활용한 미술교육이 학교 현장에서 보다 구체적이고 실천적인 교육 형태로 발전하는 데 기초 자료로 활용되기를 기대한다.;The emergence of artificial intelligence (AI) has introduced profound transformations across contemporary society, reshaping the ways in which individuals live, communicate, and learn. Amid this rapid and often unpredictable technological shift, the educational field continues to search for meaningful and systematic approaches to integrating AI. In particular, recent discourse in education emphasizes the need to cultivate multifaceted competencies that enable learners to critically engage with and creatively apply AI, thereby strengthening their capacity to navigate and contribute to future environments. Within this context, art education has consistently explored new pedagogical possibilities by nurturing learners’ creative thinking and visual interpretive abilities through diverse media. These long-standing characteristics of art education closely intersect with the creativity, visual literacy, and critical interpretation skills increasingly required in an era shaped by advancing AI technologies. Consequently, proactive dialogue within the field of art education is essential to determine how students’ AI-related capabilities can be cultivated in purposeful and pedagogically meaningful ways. This study analyzes ten general high school art textbooks revised in 2022 and proposes strategies to more effectively incorporate AI within art education. The research process unfolded through several sequential steps. First, prior studies and existing literature were reviewed to examine the educational significance of AI and its pedagogical applications in art education. Second, the 2022 revised art curriculum was analyzed to determine how AI-related achievement standards and learning elements were reflected. Third, a structural and content analysis was conducted on ten general high school art textbooks aligned with the 2022 revision. Fourth, in-depth, non-face-to-face interviews were carried out with five current high school art teachers. These interviews provided insights into the present status of AI-based art instruction, as well as teachers’ perceptions, understandings, and challenges regarding AI-related educational practices. Finally, findings from the literature review, curriculum and textbook analyses, and teacher interviews were synthesized to derive improvement measures aimed at expanding and strengthening AI-based art education in school settings. The results of this study are as follows. First, the analysis of prior literature confirmed that art is a domain well suited to AI education, largely because art has traditionally emphasized creativity, visual literacy, and interpretive judgment—competencies that remain critical in an AI-driven society. Specifically, the study confirmed that AI-based art education can support students in developing the ability to critically assess emerging media, including AI-generated imagery, within the broader context of rapid technological change. Second, considering the growing complexity of society influenced by AI advancement, digital transformation, and environmental shifts, the 2022 revised curriculum—scheduled for full implementation in 2025—actively integrates digital media use. Emphasis on digital environments was evident across the areas of aesthetic experience, expression, and appreciation. However, the treatment of AI-related achievement standards remained limited, constraining opportunities for teachers to design concrete lessons and learning activities that address AI in meaningful ways. Third, analysis of the ten revised high school art textbooks revealed the necessity of increasing the proportion of content related to AI literacy, including topics such as AI ethics and social implications, and ensuring a more balanced distribution across all curriculum areas. Across the textbooks, AI-related material represented only 5.5% of total content and was primarily concentrated in the expression area. Moreover, textbooks varied considerably in depth and organization and frequently lacked learning activities, examples, and visual materials that would support students in exploring the concepts and principles of AI art more substantively. These findings highlight a clear need for curricular and material improvements. Fourth, teachers require both professional development and institutional support to effectively implement AI-based art instruction. Interviews indicated that teachers’ proactive and open attitudes are essential to advancing AI education in practice, but sustainable support—including equipment, classroom resources, and school-level policy commitment—is equally critical. Furthermore, textbooks must be revised to better reflect key competencies needed in a technological society, enabling students to engage with future-oriented challenges through the lens of art. In summary, AI-based art education represents an essential competency area that aligns with societal change and contemporary educational demands. Such education encompasses learners’ creative thinking, visual expression, and critical understanding in a comprehensive manner. To effectively embed AI competencies within art education, improvements in textbooks, shifts in teacher perception, and coherent policy and institutional support are required. At present, AI-related content in textbooks remains heavily weighted toward expressive activities and insufficiently addresses ethical considerations and literacy-oriented dimensions involving AI. To remedy this imbalance, textbooks must be revised to encompass both the technical and ethical implications of AI more fully. Additionally, practical training opportunities should be provided for teachers actively working in school settings, enabling them to confidently integrate emerging technologies into their instruction and design robust, concrete lessons. Such efforts will contribute to expanding and strengthening AI-based art education. This study is meaningful in that it examined the current use of AI in high school art textbooks aligned with the 2022 revised curriculum and reflected the perspectives of practicing teachers to propose future directions for enhancing art education. However, the limited number of interview participants restricts the generalizability of the findings. Future research should involve a broader range of regions, school contexts, and teacher experiences. Nevertheless, this study offers a valuable foundation for developing more concrete, practical, and pedagogically grounded approaches to AI-based art education in schools. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274241 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274239 Title: 온라인 미술관을 활용한 미술비평수업이 초등학교 6학년의 시각적 문해력에 미치는 영향 Ewha Authors: 김영원 Abstract: This study examined the effects of an online museum–based art criticism lesson, structured with Gaehigan’s critical inquiry model, on the visual literacy of sixth-grade students. As digital technologies continue to shape classroom environments, students encounter a wide range of visual materials in their daily lives. This shift has increased the need for learners to interpret images and construct meaning autonomously. In art education, this has highlighted the importance of visual literacy and the move away from teacher-centered criticism toward approaches that support active inquiry. Online museums offer an accessible environment in which students can explore artworks freely, manipulate screens, and observe details closely, allowing them to engage in more self-directed interpretation. Sixth-grade learners, who are beginning to move beyond egocentric thinking and develop the ability to understand social and contextual meanings, are at a developmental stage well suited for such inquiry-based activities. The study was conducted with a sixth-grade class in Seoul using the Kandinsky digital gallery on Google Arts & Culture. A four-session criticism lesson was designed around the cyclical stages of Gaehigan’s model—problem recognition, hypothesis building, investigation, interpretation, and expression. Students first explored Kandinsky’s artworks and created initial hypotheses, then gathered information to revise their ideas and produce written criticism. Data were collected through pre- and post-tests on visual literacy, student self-evaluations, and a satisfaction survey. Quantitative analysis identified significant score increases between pre-test (M = 3.26) and post-test (M = 4.16). Qualitative analysis of student work was also conducted to examine patterns of inquiry, interpretation, and reflective thinking. The findings indicate three major results. First, significant growth in visual literacy was observed across all three sub-components. This improvement aligns with the developmental characteristics of sixth-grade students, who are increasingly capable of considering multiple viewpoints and recognizing social and cultural contexts in visual materials. Second, students showed positive perceptions of the lesson and reported active and self-directed learning attitudes. Many felt that their ability to interpret artworks improved through the online museum experience, and they expressed high levels of interest and satisfaction. Third, analysis of student work showed that cyclical and reflective thinking processes were evident even at the upper-elementary level. Higher-achieving students demonstrated logical analysis using formal elements such as color, line, and composition, while mid-level students used comparison and investigation to construct meaningful interpretations. Overall, the study demonstrates that lessons combining online museums with a critical inquiry approach can enhance the visual literacy of sixth-grade students. The findings also suggest that the integration of digital tools and inquiry-based criticism supports deeper interpretive thinking at the elementary level. This implies the need for future art education to incorporate environments that strengthen visual literacy and digital literacy together, and calls for additional research that considers a wider range of grade levels and learning contexts.;최근 학교 현장에서는 디지털 기술의 확산으로 인해 학습자들이 다양한 시각 자료와 이미지를 일상적으로 접하게 되면서, 이를 해석하고 의미를 구성하는 능력이 중요한 교육적 과제로 부상하고 있다. 특히 미술교육에서는 시각 자료를 능동적으로 탐색하고 그 의미를 스스로 판단하는 시각적 문해력이 핵심 역량으로 강조되며, 교사 중심의 설명식 비평에서 벗어난 새로운 접근이 요구되고 있다. 이러한 변화 속에서 디지털 매체를 활용한 미술 비평 교육은 학습자가 보다 주체적으로 작품의 의미를 구성하는 탐구 중심의 구조로 재정립될 필요가 있다. 온라인 미술관은 이러한 요구에 부합하는 학습 환경으로, 공간적·물리적 제약 없이 다양한 작품에 접근할 수 있을 뿐 아니라 학습자가 화면을 조작하고 세부 요소를 관찰하며 능동적 탐구를 수행할 수 있는 환경을 제공한다. 또한 초등학교 6학년은 논리적 사고와 인과적 추론이 발달하기 시작하는 시기로, 시각 매체를 보다 깊이 있게 이해하고 해석하는 능력을 키워 갈 수 있는 중요한 단계에 해당한다. 이에 본 연구는 온라인 미술관을 활용한 비평적 탐구 중심의 미술 비평 수업이 초등학교 6학년 학습자의 시각적 문해력 향상에 미치는 영향을 분석하는 것을 목적으로 하였다. 본 연구는 서울에 위치한 초등학교의 6학년 학급을 대상으로 Google Arts & Culture 플랫폼의 칸딘스키 온라인 갤러리를 학습 매체로 활용한 비평 수업을 진행하였다. 총 4차시 분량으로 Gaehigan의 비평적 탐구 모형을 기반으로 하여 비평 수업을 구성하였다. 문제인식, 가설 설정, 탐구, 해석, 표현의 순환적인 과정으로 설계하였고 학습자가 스스로 작품을 탐색하고 자신의 해석을 구성하도록 돕는 것에 중점을 두었다. 1-2차시에서는 온라인 미술관으로 칸딘스키의 작품을 감상하고 작품에 대한 가설을 설정하였다. 3-4차시에서는 설정한 가설을 검증할 수 있는 정보들을 탐색한 뒤 기존의 가설을 수정 및 보완하며 비평문을 작성하였다. 연구 결과를 도출하기 위하여 시각적 문해력 사전·사후 검사, 학습자 자기평가, 수업 만족도 설문을 시행하였다. 사전·사후 검사의 수치를 통계적으로 분석하여 유의미한 점수 차이를 확인하였고 자기평가와 수업 만족도 설문에 대한 빈도 분석을 수행하여 수업의 효과성을 검증하였다. 또한 학습자의 결과물들은 질적 분석을 통해 평가기준을 토대로 학습자의 탐구 과정과 시각적 사고 및 해석의 의미를 도출하였다. 본 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 사전 검사(M=3.26)와 사후 검사(M=4.16)에서 유의미한 변화가 나타났다. 특히 연구 대상인 초등학교 6학년 학생들은 자기중심적 시각에서 점차 벗어나 타인의 관점이나 작품이 놓인 사회적 맥락을 이해할 수 있는 발달 단계에 있다. 이러한 연령적 특성은 시각적 문해력의 세부 요소—형식 분석, 맥락 이해, 의미 구성—과도 자연스럽게 맞물리며, 세 가지 하위 역량에서 모두 향상된 점수를 확인할 수 있었다. 이는 온라인 미술관과 비평적 탐구를 결합한 수업이 6학년 학생들이 사회·문화적 맥락을 고려하며 이미지를 해석하는 능력을 키우는 데 효과적으로 작용했음을 보여준다. 둘째, 온라인 미술관 및 미술 비평 수업에 대해 긍정적인 인식을 형성하였다. 6학년은 자신의 생각을 정리하고 표현하는 능력이 빠르게 자라는 시기이며, 또래와 다양한 의견을 비교하며 사고 폭을 넓혀가는 특징이 있다. 자기 평가·수업 만족도 결과에서 학생들이 자신의 참여 태도를 적극적이고 자기주도적으로 인식한 점은 이러한 발달적 변화와 연결된다. 온라인 미술관 활용 경험을 통해 미술 비평 능력이 향상되었다고 느끼고, 학습 활동 전반에 흥미와 만족을 보인 것은 온라인 기반 감상 수업이 고학년 학생들의 정서적·인지적 참여를 동시에 이끌어낼 수 있음을 시사한다. 셋째, 학습자 결과물 분석을 통해 초등학교 6학년 단계에서도 비평적 탐구의 순환적·반성적 사고가 충분히 촉진될 수 있음을 확인하였다. 이 시기의 학생들은 작품 속 형식 요소뿐 아니라 사회적 의미나 작가의 의도를 추론하는 능력도 점차 발달하는데, 상위 학습자는 색채·형태·구성 등을 근거로 논리적으로 비평문을 작성하였고, 중위 학습자 역시 조사와 비교를 통해 자신의 해석을 구성하며 반성적 사고 과정을 보여주었다. 본 연구는 온라인 미술관과 비평적 탐구 모형을 결합한 수업이 초등 6학년의 시각적 문해력을 증진한다는 것을 보여주었다. 또한 순환적인 비평 과정을 디지털 매체들과 적절히 통합하여 운영하였을 때 높은 수준의 해석 능력을 기른다는 것을 입증하며 온라인 미술관이 탐구적 사고를 촉진하는 학습 매체임을 제시하였다. 특히 본 수업은 비평적 탐구가 초등학교 고학년 수준에서도 효과적임을 나타내면서 초등 단계에서도 본격적인 비평적 탐구 수업이 적용될 수 있음을 보여준다. 이는 미래의 미술교육이 시각적 문해력을 위한 탐구적 환경과 디지털 리터러시 교육을 통합적으로 제시하도록 방향성을 설정해야 한다는 것과 향후 보다 넓은 학년 군의 수준과 맥락을 반영한 후속 연구가 필요하다는 것을 시사한다. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274239 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274240 Title: 예술가-교사(TA) 정체성 형성 과정에 관한 내러티브 연구 Ewha Authors: 윤승연 Abstract: Teaching Artists (TAs) are individuals who navigate between two worlds—artistic creation and educational practice—drawing upon distinct backgrounds of artistic and teaching experiences. Such differences shape how TAs design instruction in educational settings and influence how they redefine themselves throughout these processes. Therefore, research on the identity formation and professional growth of Teaching Artists is meaningful in enhancing the qualitative development of art education. However, discussions surrounding TA identity have often been limited to fragmented case descriptions or institutional and program-centered perspectives, leaving a need for deeper inquiry grounded in actual lived experience. In particular, the internal conflicts and processes of identity negotiation that arise while balancing artistic practice and teaching have not been sufficiently illuminated in previous research. The purpose of this study is to explore the transformations and adjustments of identity experienced by Teaching Artists while simultaneously engaging in creative work and educational practice, and to reveal the meaning of their internal growth and implications for art education. Through this, the study seeks to broaden the understanding of TA professionalism and ultimately contribute to improving the quality of art education. While existing research and discourse on Teaching Artists have tended to focus primarily on program operations or collaborative structures, such approaches are limited in capturing the inner development of teachers as educational agents. Prior research has largely centered on policy support, school-community collaboration models, and program evaluations; yet there remains a lack of narrative-based studies addressing who Teaching Artists are and how they establish professional identity through internal processes. Accordingly, research that examines TA identity through the narratives of individual lived experience holds both practical and academic significance. Identity is not a fixed outcome but a process that transforms and is constructed over time. Therefore, quantitative methods such as surveys or statistical analysis are insufficient for capturing its complexity. Since identity is constructed and understood through stories (Clandinin & Connelly, 2000), this study adopts Narrative Inquiry, a methodology that focuses on influential events or turning points within an individual’s life that lead to change and growth. Narrative Inquiry allows for the structural representation of identity transformation and the formation of internal meaning by reconstructing participants’ lived experiences across a temporal continuum. This makes it especially suitable for exploring the multiple layers of identity—personal, social, and practical—experienced by Teaching Artists. Furthermore, Narrative Inquiry enables the interpretation of the sensory and experiential qualities of identity that cannot be easily reduced to language, allowing participants’ unique language and contextual expression to emerge. This study was conducted with three Teaching Artists who simultaneously engage in creative and educational work in both school and private art-education settings. Through in-depth interviews and narrative analysis, the study examines biographical experiences and transformative events to analyze the process of identity change. By clarifying how TA identity is constructed throughout personal experience and educational practice, this research aims to present a new perspective on teacher professionalism in art education. Moreover, the findings are expected to provide practical implications for establishing institutional support structures and designing collaborative educational systems that better sustain Teaching Artists;예술가-교사(TA)는 창작자이자 교육자로서 두 세계를 오가며 살아가는 존재로, 각기 다른 예술 경험과 교육 경험의 배경을 가지고 있다. 이러한 배경의 차이는 예술가-교사가 교육 현장에서 어떻게 수업을 구성하고, 그 과정 속에서 자신을 어떻게 재정의 하는가에 영향을 미친다. 따라서 예술가-교사의 정체성 형성과 전문성 성장에 대한 연구는 미술교육의 질적 향상에 있어 유의미하다고 할 수 있다. 그러나 예술가-교사의 정체성 형성 과정은 여전히 단편적인 사례 소개에 머무르거나, 제도 운영의 관점에서만 논의되는 경향이 있어, 현장의 실제 경험을 기반으로 한 깊이 있는 탐구가 요구된다. 특히 창작과 교육을 병행하는 과정에서 겪는 내적 갈등과 정체성 조정의 과정은 기존 연구에서 충분히 조명되지 않았다. 본 연구의 목적은 예술가-교사가 창작활동과 교육실천을 병행하는 가운데 경험하는 정체성의 변화와 조정을 탐색하고, 그 과정을 통해 형성되는 예술가-교사의 내적 성장과 미술교육적 의미를 밝히고자 한다. 이를 통해 예술가-교사의 전문성에 대한 이해를 확장하고 이를 통해 미술교육의 질적 향상에 기여하고자 한다. 또한, 현재 예술가-교사(TA)와 관련된 연구 및 담론들은 프로그램 운영 또는 협력 구조 중심으로 흐르는 경향이 강하다. 하지만 이러한 연구들 만으로는 교육의 주체로서 교사의 내면적 성장을 논하기 어렵다고 판단하여 예술교육의 질적 발전을 위한 탐구 방법으로써 예술가-교사(TA)의 정체성을 탐구하고자 하였다. 선행 연구들은 주로 정책 지원, 학교-지역 협력 모델, 프로그램 평가 중심의 연구가 대부분이었으며, 교육 주체로서 예술가-교사가 누구이며 어떤 내적 과정을 통해 전문성을 확립해 가는지에 대한 서사적 접근은 매우 부족한 실정이다. 따라서 예술가-교사의 정체성 문제를 개별 경험의 서사 속에서 탐구하는 연구는 실천적·학문적 차원 모두에서 의의를 가진다. 정체성은 고정된 결과가 아니라, 시간 속에서 변화하고 구성되는 과정이다. 따라서 설문이나 통계를 내는 등의 양적 연구는 그 복잡한 변화를 포착할 수 없다. 정체성은 이야기로 구성되고, 이야기를 통해 이해되기에 (Clandinin & Connelly, 2000) 본 연구에서는 개인의 삶에서 경험하는 영향력 있는 사건이나 계기로 인해 나타나는 변화와 성장에 주목하는 연구인 ‘내러티브 탐구’를 선정하였다. 내러티브 탐구는 참여자가 살아온 삶의 이야기를 시간적 흐름 속에서 재구성하기 때문에, 정체성의 변화와 내면적 의미 형성 과정을 구조적으로 드러낼 수 있다. 이는 예술가-교사가 경험하는 복합적 정체성의 층위(개인적·사회적·실천적 정체성)를 탐색하는 데 매우 적합한 방법론이다. 내러티브 탐구는 언어로 환원되기 어려운 정체성의 감각적・경험적 특성을 참여자 만의 언어와 맥락 속 고유한 언어로 해석할 수 있게 해주었다. 본 연구는 학교와 사설 미술교육 현장에서 창작 활동과 교육 활동을 병행해온 예술가-교사 3인을 대상으로 심층 인터뷰와 내러티브 분석을 실시하였으며, 각 참여자의 생애사적 경험과 전환적 사건을 중심으로 정체성 변화의 과정을 분석하고자 한다. 본 연구는 예술가-교사의 정체성이 개인의 생애 경험과 교육 실천 과정 속에서 어떻게 구성되는지 구체적으로 밝힘으로써, 미술교육의 현장에서 교사의 전문성을 바라보는 새로운 관점을 제시하고자 한다. 나아가 예술가-교사를 지원하는 제도적 기반과 교육 현장의 협력 구조 설계에도 실질적인 시사점을 제공할 것으로 기대한다. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274240 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274069 Title: 세대통합을 위한 지역사회 연계 미술감상교육 질적 사례 연구 Ewha Authors: 기아롬 Abstract: 본 연구는 현대 사회에서 약화되고 있는 세대 간 관계를 회복하고, 미술 감상 경험을 매개로 서로의 감정·가치·관점을 이해할 수 있는 교육적 관계를 모색하고자 하였다. 기술의 발전으로 세대별 경험의 차이가 커지고 고령화가 빠르게 진행되는 오늘날, 미술 교과가 세대통합에 어떤 역할을 할 수 있을지에 대한 문제의식에서 출발하였다. 따라서 학교나 가족이라는 제한된 관계를 넘어 다양한 세대의 만남을 기획하기 위해, 연구자는 마을공동체 사업에 지원하여 학생과 지역 주민을 연계한 감상 프로그램을 운영하였다. 이를 통해 지역사회 공동체 기반의 미술 감상 경험이 세대 간 상호작용을 어떻게 형성하는지에 주목하였다. 본 연구의 목적은 세대를 통합한 미술 감상 프로그램을 실행하여 참여자들의 세대 간 이해·공감·소통·협력의 방식에 어떠한 변화가 있는지를 탐구하는 것이다. 아울러 이러한 감상 경험이 미술 교과의 핵심역량과 어떤 방식으로 맞물려 교육적 의미를 만들어 내는지 살펴보았다. 이를 위해 실제 감상 대화가 이루어지는 과정과 그 속에서 드러나는 상호작용, 그리고 감상 관점이 변화하는 흐름을 분석하였다. 연구의 이론적 기반으로는 세대통합의 원칙과 기존 세대통합 미술교육 사례를 검토하고, Dewey의 ‘경험으로서의 예술’, Barrett의 비평 교육, Yenawine의 시각적 사고 전략(VTS), 류지영의 커뮤니케이션 감상 이론을 중심으로 프로그램을 설계하였다. 연구 참여자는 먼저 연구자가 근무하는 학교의 초등학생 및 연계된 중·고등학교 학생을 참여자로 구성하였다. 그리고 연구자가 속한 지역의 마을공동체에 지원하여, 해당 사업을 통해 성인 참여자를 모집하였다. 이렇게 구성된 세대 통합 감상 프로그램을 하나의 사례로 보고 질적 연구를 수행하였으며, 미술관 현장 관찰, 감상 대화 녹음 전사, 참여자 감상 노트, 연구자 관찰 기록, 심층 인터뷰 등 다양한 자료를 수집하였다. 자료는 오픈 코딩을 거쳐 반복적 비교분석법을 따라 분석하였고, 도출된 범주를 세대통합 역량과 미술 교과 핵심역량에 매핑하여 해석하였다. 연구 결과는 다음과 같이 네 가지 상위 범주, [세대별 관점의 차이와 상호 보완성], [상호작용을 통한 감상의 확장], [자기 정체성과 가치 재발견], [공동체적 감상과 세대통합적 성장]로 도출되었다. 또한 Merriam의 해석학적 관점에 따라 범주화되지 않는 개별 참여자의 독립적 내러티브를 별도로 제시하여 의미를 심층적으로 분석하였다. 이러한 결과를 바탕으로 세 가지 결론을 도출하였다. 첫째, 세대통합 감상 경험은 참여자들이 자신의 감상 방식, 표현 방식, 가치 인식 체계를 성찰하고 재구성하는 데 기여하였다. 이는 세대 이해·공감·소통·협력의 관점과 맞물려, 참여자들이 자신의 위치와 정체성을 새롭게 인식하게 하는 결과로 이어졌다. 둘째, 다양한 세대의 감상이 만나는 과정에서 참여자들의 심미적 감성 역량이 확장되었다. 참여자들은 ‘관찰—대화—융합’의 과정을 거치며 자신이 기존에 가지고 있던 시각적 해석을 새롭게 구성하고 작품에 대한 이해의 폭을 넓혀 갔다. 셋째, 감상 활동을 매개로 세대 간 친밀감·돌봄·공동체성이 형성되었다. 프로그램 초반 참여자들은 낯설어 하는 모습을 보였으나, 이후 서로 경청하는 태도와 자연스러운 대화로 발전하였다. 이는 세대 간 관계 형성의 가능성을 보여준다. 이와 더불어 본 연구는 몇 가지 시사점과 후속 연구의 필요성을 제기한다. 첫째, 본 연구의 심층 인터뷰자가 5명에 한정되어 있어, 후속 연구에서는 양적 조사를 병행한 혼합 연구를 통해 더 다양한 참여자의 경험을 연구할 필요가 있다. 둘째, 본 연구는 사례 연구로 참여자들에게 나타난 경험과 변화를 기술·해석하는데 주력하였다. 이 과정에서 연구자는 회기마다 참여자들을 관찰하여 다음 회기의 대화 방식이나 운영 방식을 조정하였다. 따라서 후속 연구에서는 실행 연구를 통해 세대통합 미술 감상 프로그램의 구성과 운영 방식을 체계적으로 설계 및 검증하는 노력이 요구된다. 결론적으로, 본 연구는 지역 공동체 기반 세대통합 감상 모델의 교육적 가능성을 실증적으로 보여주었으며, 미술 감상을 통해 세대 간 이해와 상호작용이 촉진될 수 있음을 시사한다. 특히 지역사회의 마을공동체 운영으로 참여자들이 예술 경험에 접근할 수 있었던 점은 세대통합 프로그램의 공공성과 확장 가능성을 보여주는 중요한 사례라 할 수 있다. 향후 후속 연구를 통해 세대통합 미술교육 프로그램이 더욱 활발하게 개발되기를 기대한다.;This study explores how intergenerational art appreciation can help address weakened intergenerational relationships and foster educational relationships through which participants come to understand one another’s emotions, values, and perspectives. This study is grounded in concerns about the role art education can play in intergenerational integration in a contemporary context marked by rapid technological change, widening experiential gaps between generations, and accelerated population aging. To move beyond interactions limited to peer groups or family relationships, the researcher implemented an art appreciation program that connected students and local residents through a community-based initiative. By doing so, the study focuses on how community-based art appreciation experiences shape intergenerational interaction and create opportunities for meaningful encounters across generations. The study aimed to design and implement an intergenerational art-viewing program centered on dialogic appreciation and to investigate how participants’ ways of understanding, empathizing, communicating, and collaborating evolved over the course of the program. It also examines how these experiences relate to the core competencies emphasized in the art curriculum and what forms of educational value they produce. To this end, the study analyzed the flow of dialogic viewing activities, the interactions that unfolded within them, and the interpretive shifts that emerged among participants. The theoretical framework draws on research in intergenerational integration and intergenerational arts education, along with Dewey’s concept of art as experience, Barrett’s principles of critical inquiry, Yenawine’s Visual Thinking Strategies (VTS), and Ryu Ji-Young’s communication-centered art appreciation theory. Participants included elementary, middle, and high school students affiliated with the researcher’s school, as well as adult participants recruited through a community arts initiative in Yongin City. Treating the program as a single-case study, the research collected multiple forms of qualitative data: museum field observations, audio-recorded and transcribed discussions, participants’ viewing notes, researcher observation logs, and in-depth interviews. These data were coded through open coding and the constant comparative method, and the resulting categories were interpreted in relation to intergenerational competencies and the core competencies of the art curriculum. Four overarching categories emerged from the analysis: (1) generational differences and complementarity, (2) expansion of interpretation through interaction, (3) rediscovery of identity and values, and (4) communal appreciation and intergenerational growth. Following Merriam’s interpretive approach, an additional narrative (Case E) that did not fit neatly into the categorical structure is presented separately to allow for deeper analysis. The findings point to three major conclusions. First, intergenerational art appreciation prompted participants to reflect on and reorganize their habitual interpretive practices, expressive tendencies, and generational value frameworks, leading them to reexamine their own positions and identities. Second, participants’ aesthetic sensibilities expanded as interpretations from different generations intersected. Through a cyclical process of observation, dialogue, and integration, they reconstructed earlier impressions and broadened their understanding of the artworks. Third, the program fostered intergenerational familiarity, care, and a sense of community. Although participants initially expressed some hesitation, they gradually developed attentive listening habits and engaged in progressively more natural dialogue, revealing the potential for sustained intergenerational relationship building. The study also offers directions for future research. Because only five participants took part in the in-depth interviews, future studies would benefit from mixed-methods designs that incorporate quantitative data and represent a broader range of participants. Moreover, as this case study involved iterative adjustments to the program during implementation, future work should adopt action-research approaches to design, refine, and evaluate intergenerational art-viewing programs more systematically. In conclusion, this study provides empirical evidence for the educational potential of community-based intergenerational art appreciation and demonstrates that art viewing can meaningfully support intergenerational understanding and interaction. It also highlights the public value of such programs, as participants were able to engage without financial burden through a publicly funded community initiative in Yongin City. Continued development and research in intergenerational arts education will further strengthen both the educational significance and the social impact of such programs. Thu, 01 Jan 2026 00:00:00 GMT https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274069 2026-01-01T00:00:00Z