https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/171447 2026-04-04T09:49:12Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274166 Title: 디지털 시대의 중국 전통 채색 조각 예술의 전파 및 혁신 Ewha Authors: Nie, Xiaoying Abstract: 본 논문은 중국의 전통 채색 조각 예술을 조형적·미학적 측면에서 연구하고 나아가 이 전통 예술이 디지털 환경에서 특히 인기 게임 《검은 신화: 오공(Black Myth: Wukong)》을 통해 어떻게 계승 및 시각적 혁신을 이루었는지를 심층적으로 분석한다. 총 네 장으로 구성되어 있으며, 제목에서 언급한 바와 같이 중국 전통 채색 조각 예술에 대한 인식, 채색 조각 예술의 디지털 전파 및 시각적 혁신 네 부분으로 나뉜다. 제1장 서론은 연구의 배경, 목적 및 의미를 종합적으로 소개하고 중국 전통 채색 조각 예술이 디지털 시대에 직면한 기회와 도전을 설명하며, 중국국내외 관련 연구 현황을 정리하고, 본 연구의 혁신점과 가치를 명확히 하며, 연구 방법과 논문 구조를 설명한다. 제2장은 주로 역사적 배경, 종교적 및 현대적 의미에서 중국 전통 채색 조각에 대한 인식을 소개한다. 중국 전통 채색 조각 예술의 발전 맥락을 정리하고, 채색 조각의 역사적 배경을 지역 요인과 사회 종교 문화 요소 측면에서 설명하다. 그리고 채색 조각에 대한 시각적 분석을 바탕으로 문헌 자료를 연구 기반으로 하여, 도상학, 비교법 등 관련 연구 방법을 통해 도상학의 관점에서 중국산시성의 사찰에서 채색 조각의 배경과 인물 형상 등을 구체적으로 논술한다. 제3장은 논문의 핵심인 디지털 전환 과정에 집중한다. 게임 《검은 신화: 오공》은 『서유기』 신화와 중국 전통 문화를 배경으로 어떻게 서사를 재구성했는지 살펴본다. 특히, 채색 조각의 정적인(靜的) 조형 언어가 캐릭터 디자인을 통해 동적인(動的) 디지털 정체성으로 구현되는 과정을 분석하며, 디지털 매체의 시각적 언어(Visual Language)가 전통 예술의 생명력을 어떻게 증폭시켰는지 논한다. 디지털 플랫폼(숏폼 영상, UGC, 이미지 기반 확산)에서의 시각 확산 메커니즘을 분석하여 전통 문화가 대중적으로 재인식되는 과정을 제시한다. 게임의 성공은 오프라인 전시회로 확장되는 구체적인 사례를 통하여 전통 예술의 현대적 계승과 문화 전파의 성공적인 모델을 제시한다. 제4장은 전체 연구 성과를 종합하며 디지털 매체가 전통 채색 조각의 시각 논리 재구성, 문화 서사의 심화 및 전파 경로의 확장에 핵심적인 역할을 한다는 점을 강조한다. 본 연구는 전통 예술과 디지털 미디어의 융합이 문화적 유산을 재활성화하고 글로벌 대중문화 콘텐츠로 확산시키는 새로운 가능성을 탐색하며, 향후 디지털 환경에서의 문화 콘텐츠 개발과 전통 예술의 현대화 연구에 이론적 토대를 제공하고자 한다.;This thesis investigates the traditional Chinese colored sculpture from both morphological and aesthetic perspectives, and further conducts of how this traditional art form has been communication and visually innovated within the digital age—particularly through the popular game 《Black Myth: Wukong》. The study is divided into four chapters and encompasses four major sections: the perception of traditional Chinese colored sculpture, its digital dissemination, and its visual innovation. Chapter 1, provides a comprehensive overview of the research background, objectives, and significance. It explains the opportunities and challenges faced by traditional colored sculpture in the digital age, reviews relevant domestic and international scholarship, clarifies the academic contribution and value of this study, and outlines the research methods and structure of the thesis. Chapter 2, offers an introduction to traditional Chinese colored sculpture from historical, religious, and contemporary perspectives. It traces its developmental trajectory and contextualizes its historical background in relation to regional factors and socio-religious cultures. Based on visual analysis and supported by literature and iconographic research methods, this chapter provides a detailed discussion of the background, iconography representations of colored sculpture found in temples of Shanxi Province. Chapter 3, the core of the thesis, focuses on the process of digital transformation. This chapter examines how 《Black Myth:Wukong》 reconstructs narrative structures grounded in 《Journey to the West》 mythology and traditional Chinese culture. Special attention is given to the transformation of the static sculptural language of colored sculpture into dynamic digital identities through character design. It also analyzes how the visual language of digital media amplifies the vitality of traditional art. Furthermore, by examining visual dissemination mechanisms on digital platforms—such as short videos, user-generated content (UGC), and image-based diffusion—the chapter illustrates how traditional culture is reinterpreted and newly perceived by the public. Examples of offline exhibitions that emerged from the game’s success serve to demonstrate a practical model for the contemporary inheritance and cultural transmission of traditional art. Chapter 4, synthesizes the overall research findings, emphasizing the pivotal role of digital media in reconstructing the visual logic of traditional colored sculpture, enriching cultural narratives, and expanding pathways for cultural dissemination. Ultimately, this study explores the potential of integrating traditional art with digital media to revitalize cultural heritage and extend it into global popular culture. It aims to provide a theoretical foundation for future cultural content development and research on the modernization of traditional arts in the digital era. 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274165 Title: 새하얀 내면의 풍경 Ewha Authors: 최유리 Abstract: 본인의 허무는 죽음이라는 필연적 종말을 직면한 개인적 경험으로 인해 증폭되었다. 이 경험은 삶의 유한성을 명확하게 인식하게 된 순간이었고, 본인을 내면으로의 후퇴와 자기파괴로 이어지도록 만들었다. 이러한 후퇴와 자기파괴로부터 자신을 지키기 위해선 허무를 대하는 새로운 태도가 필요했고, 그것이 바로 낙관이었다. 본인은 이 낙관을 허무를 부정하지 않고 그와 공존하며 새로운 의미를 생성하는 태도로 지칭한다. 이는 낙관이 허무를 인정하고 수용하게 만듦으로써 새로운 삶의 가능성을 모색하고자 하는 내면적 정서를 생성함을 의미한다. 이렇게 만들어진 본인의 내면적 정서는 외부 세계의 자연, 특히 풍경과 만나 확장되었다. 풍경은 본인에게 있어 내면의 감각이 외부로 확장되는 매개 공간으로서, 감정의 투사 대상이자 내면의 정서를 시각적으로 드러내는 장소로 기능한다. 이러한 관점은 전통 산수화의 미학과도 이어지며 본인의 작업 태도와 직접적으로 연결되었다. 풍경과 만난 내면의 정서는 내면 풍경으로 전환된 후 화지와 만나 회화적 언어로 구현되어 나타난다. 여리고 부드러운 풀과 작은 꽃들의 풍경으로 향했던 시선은 점차 새하얀 설경으로 옮겨 갔는데, 하얗게 덮인 풍경은 본인에게 역설적 의미를 자아낸다. 세상을 시리고 차갑게 만들면서도 동시에 모든 걸 덮음으로써 포근함과 새하얀 순수를 연상하게 만드는 것이다. 이러한 설경의 역설은 허무와 낙관이 공존하는 본인의 내면 정서를 포용하며, 파괴되었던 내면의 회복이 만들어낸 내면 풍경으로 이어진다. 본인은 이렇게 설경을 매개로 구현된 내면 풍경을 수묵화의 표현 방식을 통해 화폭에 담아내었다. 그렇게 그려진 새하얀 풍경들은 실재했던 순간과 본인의 정서가 뒤섞여 새롭게 만들어졌다. 일시적이지만 존재했던 풍경의 이미지를 내면의 정서를 비추어 바라봄으로써 결국 현실엔 존재하지 않는 풍경을 만들어낸 것이다. 설경과 만난 본인의 작업은 언뜻 색이 사라진 듯 보이지만 여전히 존재하는 푸른색을 찾을 수 있다. 이 푸른색은 차가워 보이는 설경의 풍경 속 내면의 정서적 온도를 투영하게 만든다. 이러한 회화적 장치들은 본인의 내면 풍경을 관람자가 시각적으로 경험할 수 있도록 인도하였다. 본 논문을 통해 본인은 허무를 인식하고 수용한 과정을 니체의 이론을 중심으로 살펴봄으로써 본인의 내면 정서가 지닌 학술적 의미를 바라보고, 풍경이 정서적 공간으로서 내면 정서와 어떻게 연결되는지 서술하고자 한다. 이를 통해 형성된 내면 풍경이 본인의 회화로 구현되는 과정을 바라보면서 설경과 자기회복 정서가 지닌 연결성과 푸른색에 내재한 정서적 온도의 의미를 분석하여 본인의 작업을 이루는 회화적 요소들을 확인하고자 한다. 이러한 논거들을 토대로 본인의 작품을 분석함으로써 그 의의를 살펴볼 것이다. 본인은 풍경이 내면 정서를 회화적 언어로 변환할 수 있게 하는 구조적 장치임을 논의함으로써 본인의 정서와 자연 풍경이 서로를 매개하며 회화적 의미를 생산하고 자기회복을 이루는 과정을 탐구하고자 한다. 그럼으로써 본인의 파괴되었던 내면이 언젠가 완전한 회복을 이루기를 소망한다.;The author’s sense of nihilism was intensified by a personal experience in which the inevitability of death was directly confronted. This moment made the finitude of life unmistakably clear, leading the author into an inward retreat and a state of self-destruction. To counteract such regression and collapse, a new attitude toward nihilism became necessary—an attitude the author conceptualizes as optimism. This optimism does not deny nihilism but coexists with it, generating new meaning. It signifies an inner disposition that acknowledges and accepts nihilism while simultaneously seeking new possibilities for life. This internal sentiment expanded outward when it encountered the external world of nature, particularly landscapes. For the author, the landscape functions as a mediating space through which inner sensations extend outward, serving both as a vessel for emotional projection and as a site where internal sentiments can be visually manifested. This perspective resonates with the aesthetics of traditional Korean landscape painting and directly informs the author’s artistic approach. The inner sentiment that meets the landscape is then transformed into an inner landscape, which appears in pictorial form as it comes into contact with the painting surface. The gaze that once turned toward delicate grasses and small blossoms gradually shifted toward pure white snowscapes. These white landscapes evoke a paradoxical meaning for the author: while they render the world cold and bleak, they also blanket everything in a way that evokes warmth and pure whiteness. This paradox of the snowscape embraces the coexistence of nihilism and optimism within the author’s emotional state and leads to the creation of an inner landscape shaped by the recovery of a once-fractured inner world. The author captures this inner landscape—materialized through the medium of snow—on canvas through the techniques of ink painting. The resulting white landscapes amalgamate remnants of real moments with the author’s emotional states, manifesting scenes that transcend physical reality. By reflecting ephemeral yet actual landscapes through the lens of inner sentiment, the author constructs a new landscape that transcends the external world. Although the snow-filled landscapes seem devoid of color, subtle traces of blue permeate the void. This blue reflects the emotional temperature embedded within the cold surface of the snowscape. Such pictorial devices guide viewers toward a visual experience of the author’s inner landscape. Through this thesis, the author examines the process of recognizing and accepting nihilism, centering on Nietzsche’s theories, to explore the academic implications of the author’s inner sentiment. The study then discusses how the landscape, as an emotional space, becomes connected to inner sentiment. By tracing how the inner landscape is materialized in the author’s paintings, the thesis analyzes the relationship between the snowscape and the emotion of self-recovery, as well as the emotional temperature inherent in the color blue, in order to elucidate the pictorial elements that constitute the author’s work. Based on these arguments, the author analyzes the artworks to identify their significance. By arguing that the landscape functions as a structural device that translates inner sentiment into pictorial language, the author investigates the process through which personal emotion and natural landscape mediate one another to produce pictorial meaning and enable self-recovery. Through this inquiry, the author expresses the hope that the once-damaged inner world may one day achieve full equilibrium. 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274161 Title: 쓸모없는 흙 자투리가 지닌 쓸모있는 기록 Ewha Authors: 전지원 Abstract: 본 논문은 도자 작업 과정에서 필연적으로 발생하는 작고 버려지기 쉬운 물질인 흙 자투리에 주목하여 이 물질이 지닌 의미와 조형적 가능성을 탐구하는 연구이다. 연구자는 효율과 결과가 우선시되는 현대 사회에서 사소하고 쓸모없다고 여겨지는 것들이 쉽게 배제되는 현실에 문제의식을 느꼈으며, 이러한 인식 속에서 작업 과정 중 자연스럽게 발생하는 흙 자투리를 단순한 부산물이 아닌 연구의 중심 대상으로 삼았다. 이 물질들은 특정 순간의 작업을 직접적으로 기록하지는 않지만, 축적하고 수집되는 과정 속에서 작업의 시간성과 반복된 행위의 흔적을 담고 있다. 이는 흙 자투리가 문서나 사진과 같은 제도적 기록과는 다른 방식으로, 과정과 기억을 물질 자체에 내포하고 있다는 것을 알 수 있다. 즉, 흙 자투리는 고정된 형태의 기록이 아니라 재배치와 변형을 통해 의미가 변주되는 유동적인 기록으로 이해될 수 있다. 본 논문은 이러한 특성에 주목하여 흙 자투리를 비제도적 아카이브로 해석할 수 있는 가능성을 탐구하고자 한다. Ⅱ장에서는 먼저 아카이브 개념의 이론적 배경을 살펴본다. 철학자 자크 데리다(Jacques Derrida)의 ‘아카이브 죽음충동(Archive Death Drive)’ 개념을 바탕으로, 아카이브가 단순히 과거를 보존하는 장치가 아니라 소멸과 생성, 망각과 보존이 동시에 작동하는 구조임을 검토하고 이를 흙 자투리의 성격과 연결해 살펴본다. 이어 미술평론가 할 포스터(Hal Foster)의 ‘아카이브 충동(Archival Impulse)’ 개념을 통해 아카이브를 수집하고 재배열하는 예술적 실천이 어떻게 새로운 의미를 만들어내는지를 분석한다. 이를 통해 흙 자투리를 조합하고 재구성하는 연구자의 행위가 아카이브의 불완전성과 재해석 가능성을 드러내는 방식임을 확인하고자 한다. Ⅲ장에서는 이러한 이론을 바탕으로 서로 다른 유형의 아카이브를 작업에 활용하는 닐 브라운스워드, 한희선, 최소영의 작업을 살펴본다. 각 작가는 산업 폐기물, 신체의 흔적, 청바지 등을 작업에 적용하여 버려지거나 잊혀진 물질을 작가만의 서사로 전환한다. 이들이 아카이브를 단순한 기록의 집합이 아니라 개인적 경험과 사회적 맥락이 교차하는 유동적인 구조로 다루는 방식을 분석하고, 아카이브의 의미와 확장 가능성을 고찰하고자 한다. Ⅳ장에서는 앞선 이론과 사례 분석을 토대로 연구자의 작업을 살펴본다. 연구자는 도자 제작 과정에서 필연적으로 발생하는 흙 자투리를 수집하고, 이를 연결·조합하거나 특정 제작 대상에서 나온 자투리를 연결하여 그 두 대상과 연관 짓는 방식, 그리고 흙 자투리와 유사한 성격을 지닌 일상의 사물과 결합하는 방식으로 작업을 전개한다. 이 과정에서 흙 자투리는 ‘버려진 것’이라는 기존의 인식에서 벗어나 연구자의 감각과 해석이 개입된 기록으로 재구성된다. 작업 과정을 중심으로 흙 자투리가 작품 안에서 어떤 관계와 구조를 형성하는지를 살펴보고, 이러한 방식이 아카이브 개념을 제도적 틀 너머로 확장될 가능성을 지니는지 검토하고자 한다. 본 연구는 흙 자투리와 같은 비제도적 물질이 시간성과 흔적을 지닌 하나의 미시적인 기록으로 읽힐 수 있다는 가능성을 제시한다. 연구자의 작업 과정에서 발생한 미세한 흙 자투리들은 새로운 관계망 속에서 재배치되며 기존의 의미 체계를 이탈해 다른 층위의 의미를 획득한다. 이를 통해 아카이브를 고정된 과거의 기록물이 아니라 재조합과 해석에 따라 의미가 지속적으로 변주되는 유동적 구조로 이해하고자 한다. 나아가 지금까지 주목받지 못했던 작고 버려진 물질들, 즉 비제도적 아카이브가 새로운 서사를 형성하는 잠재적 주체로 작동하는 양상을 고찰하고 그것이 예술 안에서 어떠한 방식으로 재구성되고 확장될 수 있는지를 탐구하고자 한다.;This thesis explores the meaning and formative possibilities of clay scraps—small, easily discarded materials inevitably generated during the ceramic process. In a modern society where efficiency and results are prioritized, the researcher identifies a problematic reality where things considered trivial or useless are easily excluded. Within this perception, clay scraps, which naturally occur during the working process, are treated not as mere by-products but as the central subject of this study. While these materials do not directly record a specific moment of work, they contain traces of temporality and repeated actions through the process of accumulation and collection. This suggests that clay scraps internalize processes and memories in a manner different from institutional records like documents or photographs. In other words, clay scraps can be understood as fluid records whose meanings vary through rearrangement and transformation rather than as fixed forms of documentation. Focusing on these characteristics, this study explores the possibility of interpreting clay scraps as a non-institutional archive. Chapter II examines the theoretical background of the concept of the archive. Based on philosopher Jacques Derrida’s concept of the "Archive Death Drive," this study reviews the archive not simply as a device for preserving the past, but as a structure where destruction and creation, and forgetting and preservation, operate simultaneously, linking this to the nature of clay scraps. Furthermore, through Hal Foster’s concept of the "Archival Impulse," the study analyzes how the artistic practice of collecting and rearranging archives creates new meanings. Through this, the researcher’s act of combining and reconstructing clay scraps is identified as a way of revealing the incompleteness and re-interpretability of the archive. Chapter III examines the works of Neil Brownsword, Han Hee-sun, and Choi So-young, who utilize different types of archives in their practices based on these theories. Each artist applies industrial waste, bodily traces, or denim to their work, transforming discarded or forgotten materials into personal narratives. By analyzing how they treat the archive as a fluid structure where personal experience and social context intersect rather than a simple collection of records, this chapter considers the meaning and expansion possibilities of the archive. Chapter IV examines the researcher’s own work based on the preceding theoretical and case analyses. The researcher collects clay scraps inevitably generated during the ceramic process and develops work by connecting and combining them, linking scraps from specific objects back to those objects, or combining them with everyday items that share similar characteristics. In this process, clay scraps move beyond the conventional perception of being "discarded" and are reconstructed as records involving the researcher’s senses and interpretation. Focusing on the working process, this chapter examines what relationships and structures the clay scraps form within the work and considers whether this approach holds the potential to expand the concept of the archive beyond institutional frameworks. This study suggests the possibility that non-institutional materials, such as clay scraps, can be read as microscopic records possessing temporality and traces. The minute clay scraps generated during the researcher’s process are rearranged within a new network, departing from existing systems of meaning to acquire a different layer of significance. Through this, the archive is understood not as a fixed record of the past, but as a fluid structure whose meaning is continuously modulated according to recombination and interpretation. Furthermore, this study contemplates how small, neglected materials—non-institutional archives—act as potential subjects forming new narratives and explores how they can be reconstructed and expanded within the realm of art. 2026-01-01T00:00:00Z https://dspace.ewha.ac.kr/handle/2015.oak/274162 Title: 이질적 시선, 뒤틀린 풍경 Ewha Authors: 태현영 Abstract: 본 연구는 흐르는 시간과 이를 붙잡고자 하는 감정의 충돌에서 발생하는 불안정한 인식 상태를 어떻게 회화적으로 구성할 수 있는가에 대해 탐구한다. 시간은 선형적으로 흐르지만, 기억과 감정은 종종 그 흐름을 거스르며 비선형적으로 드러난다. 그 과정에서 과거와 현재는 혼재하며, 이처럼 시간과 감정이 충돌하는 지점에서 인식은 불안정한 상태가 된다. 왜곡과 낯선 이미지 배치는 인식 구조가 흔들릴 때 발생하는 조형적 결과로 나타난다. 본 연구는 삶을 살아가며 느끼는 애착 관계에서의 불안과 방어기제로부터 출발하여, 이질적 시선이 투영된 뒤틀린 화면을 구상하는 과정을 탐구한다. 시간과 감정 사이에서 드러나는 인식의 불안정성은 작품 속 형상의 변형과 왜곡으로 나타난다. 화면에 등장하는 이러한 형상들은 서로 침투하고 공존하며 기이한 장면을 만든다. 이는 혼란스러운 꿈과 같은 장면이 되며, 이질감과 양가감정을 자체로 드러내는 하나의 풍경이 된다. 나의 작품에서 이러한 인식 상태는 두 가지 방향으로 나타난다. 첫째, 부모님의 필름 사진을 소재로 하여 이를 추상 식물과 결합한 회화 작업을 만들어낸다. 사진을 볼 때 투영된 나의 불안한 심리와 그로 인해 화면에 나타나는 조형적 원리를 분석한다. 둘째, 이주의 경험을 토대로 동네의 모습을 왜곡시키고 낯선 화면으로 드러낸다. 그 과정에서의 형식적 방법론을 분석하며, 이로부터 나타나는 의미를 살펴본다. 두 방향 모두 감정과 시간에 대한 사유로부터 출발하며, 이를 시각화하는 과정에서 비현실적 긴장감이 생기는 원리를 보고자 한다. 첫 번째 방향인 부모님의 과거 사진을 소재로 한 작업에서는 불안과 파괴의 분위기를 탐색한다. 그들의 사진을 발견하였을 때 나를 찔렀던 미지의 두려움은 추억을 시간의 상실이라는 관점으로 바꾸어 바라보도록 했다. 이는 나의 불안한 심리가 투영된 것으로 볼 수 있으며, 사진 속 대상의 자리에 개입한 주관적 시선을 분석한다. 또한, 나의 기억이 사진 속 대상에 침투하며 어떠한 방식으로 환상적 장면을 만드는지 살펴본다. 이 방향은 심리적 동기에 초점을 맞추어, 작업에서 드러나는 분위기를 탐구하는 과정으로 이루어진다. 두 번째 방향은 오래 살던 동네를 떠났던 개인적인 경험으로부터 출발하여, 동네의 풍경을 왜곡시키는 형식적 방법론을 전개한다. 다면체 유리컵에 투영되는 굴절 이미지들은 이질감과 낯섦을 극대화하는 장치로 활용된다. 이러한 이미지는 디지털적 변형을 거친 식물 이미지와 결합하며 해체와 응축, 매끈함과 거친 질감 등 이중의 형식을 공존하게 하는 장면이 된다. 대비되는 요소의 충돌로 만들어지는 비현실의 풍경이 가질 수 있는 새로운 가능성을 사유하고자 한다. 이 작업에서 왜곡과 변형은 의도적인 장치로 사용되어 형식 실험의 일종으로 전개된다. 결론에서는 본 작업과 연구의 한계를 비판적으로 검토하고, 왜곡을 전제로 한 상태에서 작동 방식을 세분화하는 향후의 작업 방향을 제시한다. 또한, 감정과 왜곡의 정도에서 타협 지점을 찾아 관람자에게 설득력을 갖출 수 있을 방식을 고민하고 인식 구조 자체에 집중하여 작업의 논리를 확립해 나가고자 한다.;This study explores how to painterly construct an unstable state of perception that occurs in the conflict between time flowing and the emotion trying to hold onto it. Time flows linearly, but memories and emotions often go against that flow and appear nonlinear. In the process, the past and the present are mixed, and at the point where time and emotion collide, perception becomes unstable. Distortion and unfamiliar image arrangement appear as a formative result that occurs when the cognitive structure is shaken. This study explores the process of conceiving a twisted screen in which a heterogeneous gaze is projected, starting from anxiety and defense mechanisms in the attachment relationship felt throughout life. The instability of perception revealed between time and emotion appears as deformation and distortion of the shape of the work. These figures on the screen penetrate and coexist with each other, creating a bizarre scene. It becomes a scene like a confused dream, and it becomes a landscape that reveals a sense of heterogeneity and ambivalence. In my work, this state of perception appears in two directions. First, using my parents' film photographs as a material, a painting work that combines them with abstract plants is created. When looking at a picture, I analyze my anxious psychology projected and the formative principles that appear on the screen. Second, based on the experience of migration, the appearance of the neighborhood is distorted and revealed through an unfamiliar screen. It analyzes the formal methodology in the process and examines the meaning that emerges from it. Both directions start from thinking about emotion and time, and I want to see the principle of unrealistic tension in the process of visualizing it. The first direction, work based on my parents' past photos, explores the atmosphere of anxiety and destruction. The unknown fear that stabbed me when I found their photos made me look at the memories in terms of loss of time. This can be seen as a projection of my anxious psychology, and it analyzes the subjective gaze that intervenes in the place of the object in the picture. In addition, we look at how my memories penetrate the object in the picture and create a fantastic scene. This direction consists of a process of exploring the atmosphere revealed in the work, focusing on psychological motivation. The second direction starts from the personal experience of leaving the neighborhood where you lived for a long time and develops a formal methodology that distorts the landscape of the neighborhood. Refractive images projected on a polyhedral glass cup are used as devices to maximize a sense of heterogeneity and unfamiliarity. These images become a scene that coexists with dual forms such as dismantling and condensation, smoothness and rough texture by combining them with plant images that have undergone digital transformation. I would like to think about the new possibilities of an unrealistic landscape created by the collision of contrasting elements. In this work, distortion and transformation are used as intentional devices and unfold as a type of formal experiment. In the conclusion, the limitations of this work and study are critically reviewed, and future work directions that subdivide the operation method on the premise of distortion are presented. In addition, by finding a compromise point in the degree of emotion and distortion, we intend to consider a way to be persuasive to the viewer and establish the logic of work by focusing on the perception structure itself. 2026-01-01T00:00:00Z