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애니메이션 기반 미술치료를 통한 성소수자의 자기개념 회복 과정에 대한 근거이론 연구

2026-02-23T16:31:37Z

Title: 애니메이션 기반 미술치료를 통한 성소수자의 자기개념 회복 과정에 대한 근거이론 연구 Ewha Authors: 김유미 Abstract: The purpose of this study is to explore the psychological process of self-concept recovery experienced by sexual minorities through animation-based art therapy and to theorize this transformation using grounded theory methodology. This research investigates the psychological mechanisms through which the temporal and narrative dimensions of animation facilitate the formation and recovery of self-concept among sexual minorities. In particular, it examines how a damaged self-concept—distorted by social stigma and cultural prejudice—can be reconstructed and reintegrated through artistic creation and narrative reorganization. Sexual minorities often face complex challenges in identity formation and self-awareness due to the intersection of social norms, religious beliefs, and moral judgments. These sociocultural pressures frequently lead to emotional repression, relational difficulties, and internalized stigma, which serve as critical psychological factors influencing self-concept. This study applies grounded theory to analyze how an unstable self-concept can be symbolically externalized through animation-based art therapy, reorganized into a coherent self-narrative, and restored as an integrated sense of self. Participants consisted of ten adults aged 19 years or older who identified as sexual minorities and reported psychological difficulties such as depression, anxiety, self-hatred, relational conflict, and religious or moral guilt. All participants voluntarily completed an eight-session animation-based art therapy program and demonstrated a fundamental understanding of and interest in artistic and digital media. They also expressed a strong willingness to engage in emotional expression and self-narrative exploration. Each session was structured around the stages of self-awareness, emotional visualization, confrontation with the inner critic, relational recovery, and narrative integration. Therapeutic activities included drawing, storyboarding, and digital animation production. Data were collected through session observations, participants’ artworks, three rounds of in-depth interviews, and written self-narratives. Data analysis followed the grounded theory procedures outlined by Strauss and Corbin (1998), including open coding, axial coding, and selective coding. A total of 433 concepts, 29 subcategories, and 9 major categories were identified, which were ultimately integrated into the core category, “Psychological Reconstruction and Recovery of the Wounded Self-Concept through Animation Narrative.” This core category was structured around five stages of psychological transformation: self-denial, characterized by the internalization of social stigma and moral judgment that intensified emotional repression and identity confusion; emotional disconnection, marked by restricted affective expression and heightened self-monitoring, resulting in diminished self-respect; emotional externalization, in which suppressed emotions were symbolically expressed through visual imagery, enabling participants to reinterpret and reframe their feelings; relational recovery, wherein empathetic and accepting relationships alleviated self-criticism and restored self-respect; and self-integration, where emotions, identity, and self-narratives became interconnected to form a coherent and integrated sense of self. Although the depth and scope of integration varied among individuals, the overall process revealed a cyclical recovery mechanism progressing from emotional externalization to identity integration. These findings indicate that self-concept recovery among sexual minorities unfolds as a reconstructive therapeutic process encompassing disintegration, acceptance, and integration. The significance of this study is threefold. First, it provides theoretical significance by conceptualizing the psychological mechanisms of animation-based art therapy. While traditional art therapy has primarily focused on static imagery, this study demonstrates how the temporal and narrative properties of animation enable dynamic psychological transformation, thereby expanding the expressive scope of art therapy and suggesting new directions for integrative art–psychology research. Second, it offers clinical significance by establishing a grounded theoretical model for self-concept recovery among sexual minorities. By illustrating how fragmented identities—damaged by social stigma—can be reconstructed through symbolic artistic expression and relational support, this study provides a theoretical foundation for therapeutic interventions addressing identity conflict and minority stress. Third, it contributes practical and sociocultural significance by showing how art can function as a psychological medium for recovering from social oppression and identity distortion. This highlights the potential of art therapy not only as a modality for personal healing but also as a catalyst for social awareness and transformation. Furthermore, this study identifies animation as a composite art medium functioning as a psychological mechanism of emotional regulation and self-integration. Through creative engagement, participants reconstructed their self-narratives and transformed stigmatized self-concepts into renewed self-acceptance and psychological coherence. Accordingly, animation-based art therapy is proposed as an integrative art–psychological intervention model that facilitates identity recovery and emotional reintegration. The findings of this study provide essential theoretical and practical foundations for future research on identity restoration and psychological integration across diverse populations.;본 연구의 목적은 애니메이션 기반 미술치료를 통해 성소수자가 경험하는 자기개념 회복의 심리적 과정을 탐색하고, 그 변화를 근거이론에 기반하여 이론화하는 데 있다. 이를 위해 애니메이션이라는 시간적·서사적 예술 매체가 성소수자의 자기개념 형성과 회복 과정에서 어떤 심리적 기제를 작동시키는가를 밝히고자 하였다. 특히 사회적 낙인과 문화적 편견 속에서 손상된 자기개념이 예술적 창작과 서사 재구성 과정을 통해 어떻게 통합적으로 회복되는가를 심층적으로 탐색하였다. 성소수자는 사회적 규범과 종교적 도덕 판단이 교차하는 환경 속에서 정체성 형성과 자기인식에 복합적인 영향을 받으며, 이러한 사회문화적 맥락은 감정 표현의 제약과 관계적 어려움으로 이어져 자기개념의 중요한 심리적 변인으로 작용한다. 본 연구는 이러한 불안정한 자기개념이 애니메이션 기반 미술치료의 예술적 상징화 과정을 통해 감정과 정체성이 상징적 이미지로 표상되고, 자기서사로 재구성되며, 통합된 자기로 회복되는 과정을 근거이론 방법을 적용하여 탐색하였다. 연구 참여자는 스스로 성소수자로 정체화한 만 19세 이상의 성인 10명으로, 정체성 혼란 및 심리적 어려움(예: 우울, 불안, 자기혐오, 관계 갈등, 종교적·도덕적 죄책감 등)을 경험한 사람들이다. 모든 참여자는 애니메이션 기반 미술치료 프로그램의 전 회기에 자발적으로 참여하였으며, 미술 및 디지털 매체 활용에 대한 기본적인 이해와 흥미를 가지고 있었다. 또한 감정 표현과 자기서사 탐색을 위한 미술활동과 면담에 성실히 임할 의지를 보였고, 연구 목적에 대한 충분한 설명을 들은 후 서면 동의를 완료하였다. 프로그램은 총 8회기로 구성되었으며, 각 회기는 자기인식, 감정의 시각화, 내면 비판자 탐색, 관계 회복, 서사적 통합의 단계를 포함하였다. 미술치료 활동은 그리기, 스토리보드, 애니메이션 제작 등을 통해 진행되었으며, 자료는 회기 관찰기록, 참여자 작품, 세 차례의 심층면담, 자기서사 기록을 통해 수집되었다. 수집된 자료는 Strauss와 Corbin(1998)의 근거이론 절차에 따라 개방코딩, 축코딩, 선택코딩의 단계로 분석하였다. 분석 결과, 성소수자의 자기개념 회복 과정은 총 433개의 개념, 29개의 하위 범주, 9개의 범주로 도출되었으며, 이들 범주는 최종적으로‘애니메이션 서사를 통한 상처받은 자기개념의 심리적 재구성과 회복 과정’이라는 핵심 범주로 통합되었다. 핵심 범주는 다섯 단계의 심리적 변화를 통해 구조화되었다. 첫째, 자기부정 단계에서는 사회적 낙인과 도덕적 판단을 내면화하며 감정의 억압과 정체성 혼란이 심화되었다. 둘째, 정서차단 단계에서는 감정 표현이 제한되고 자기감시가 강화되어 자기존중의 기반이 약화되었다. 셋째, 감정외화 단계에서는 애니메이션 창작 과정에서 내면의 감정이 상징적 이미지로 드러나며, 참여자는 그 이미지를 통해 감정을 객관적으로 바라보고 의미를 재구성하기 시작하였다. 억눌린 정서는 시각적 형상으로 전환되면서, 감정이 단순한 표현을 넘어 성찰적 이해의 경험으로 확장되었다. 넷째, 관계회복 단계에서는 수용적 관계 경험을 통해 자기비판의 내적 음성이 완화되고, 타자와의 상호 인정 속에서 자기존중의 감각이 회복되었다. 다섯째, 자기통합 단계에서는 감정, 정체성, 자기서사가 통합적으로 연결되며 내면적 일관성이 강화되었고, 일부 참여자들은 통합된 자기(Integrated Self)에 도달하는 심리적 변화를 경험하였다. 그러나 이러한 통합의 깊이와 범위는 개인에 따라 상이하였으며, 일부는 정서적 수용 단계에 머물렀거나 자기서사 재구성의 과정을 진행중인 상태로 나타났다. 전반적으로 감정의 외화에서 정체성의 통합으로 이어지는 순환적 회복 과정을 통해, 성소수자의 자기개념 회복이 ‘해체-수용-통합’으로 전개되는 재구성적 치료 메커니즘임을 확인하였다. 본 연구의 의의는 다음과 같다. 본 연구는 애니메이션 기반 미술치료의 심리적 기제를 이론적으로 구조화함으로써 학문적 의의를 지닌다. 기존의 미술치료가 정적인 이미지 중심이었다면, 본 연구는 시간성과 서사성을 지닌 애니메이션 매체를 활용하여 감정과 정체성의 역동적 변화를 질적 분석을 통해 구체화함으로써 미술치료의 표현 영역을 확장하고 예술치료 통합연구의 새로운 방향을 제시하였다. 또한 성소수자의 자기개념 회복 과정을 근거이론으로 체계화함으로써 임상적 의의를 지닌다. 사회적 낙인으로 해체된 자기정체성이 예술적 상징화와 관계적 지지를 통해 회복되는 과정을 해석적으로 구성함으로써, 정체성 혼란을 겪는 집단에게 적용 가능한 심리치료의 근거를 마련하였다. 아울러 예술과 사회문화적 맥락을 통합한 실천적 연구로서, 예술이 사회적 억압과 정체성 왜곡을 회복하는 심리적 도구로 작용할 수 있음을 보여주어 미술치료가 개인 내적 치료를 넘어 사회 인식 전환의 매개로 기능할 수 있음을 시사하였다. 나아가 본 연구는 애니메이션이라는 복합 예술매체가 감정 조절과 자기통합의 심리적 기제로 작용함을 확인하였으며, 성소수자 개인의 예술적 창작 경험을 통해 사회적 낙인에 의해 왜곡된 자기개념이 감정의 시각화와 관계적 반영을 거쳐 회복될 수 있음을 밝혔다. 이러한 결과는 예술 창작 행위가 개인의 심리적 통합을 촉진하는 예술심리적 회복 메커니즘으로 작용할 수 있음을 보여준다. 애니메이션 기반 미술치료는 손상된 정체성과 감정체계를 회복시키는 예술심리 통합형 개입모델로서 기능할 수 있으며, 향후 다양한 대상군의 정체성 회복과 심리적 통합 연구에 중요한 이론적·실천적 근거를 제공할 것으로 기대된다.

욕망과 공허감의 알레고리적 표현 연구

2026-02-23T16:31:37Z

Title: 욕망과 공허감의 알레고리적 표현 연구 Ewha Authors: Su, Yiting Abstract: 본 연구는 ‘욕망과 공허감의 알레고리적 표현’을 주제로 하여, 이론적 고찰과 창작활동을 중심으로 현대 사회에서 인간이 욕망을 추구하는 과정에서 마주하는 정신적 공허의 모순된 상태를 알레고리적 방식으로 드러내고, 이를 통해 성찰과 자각의 의미를 전달하고자 하였다. 연구는 ‘욕망과 공허감의 이론적 분석’, ‘알레고리적 표현의 예술적 특성 연구’, 그리고 ‘연구자 자신의 창작 실천’의 순서로 전개되었다. 이론적 측면에서, 본 논문은 먼저 ‘욕망’의 근원적 속성을 체계적으로 탐구하였다. 욕망은 인간 내면의 결핍에서 기인하며, 결코 채워질 수 없는 ‘공백’으로 작용하여 인간의 행위를 끊임없이 추동하는 속성을 지닌다. 현대 사회의 사상 자유화, 자본주의 경제 구조의 심화, 그리고 네트워크 기술의 확장은 개인의 욕망을 더욱 부추기고, 인간을 끝없는 욕망의 추구 속으로 몰아넣으며 내면적 공허의 상태로 이끈다. 이어서 본 연구는 ‘공허감’의 심리학적 해석을 통해 그것이 ‘결핍, 무의미, 불만족’이 혼재된 내면의 복합적 정신 상태임을 밝히고, 프롬(E. Fromm)의 소유적 존재 양식과 프랭클(V. Frankl)의 의미에 대한 의지 이론을 결합하여, 욕망의 통제되지 않은 추구가 오히려 공허감을 증폭시킨다는 점을 논증하였다. 이를 통해 욕망과 공허가 상호의존적이면서도 심층적인 연관관계를 이루고 있음을 확인하였다. 예술이론적 측면에서는, 본 연구가 알레고리(Allegory) 개념의 전개 과정을 체계적으로 정리하고, 현대의 알레고리적 표현은 문화, 정치, 사회 현상과 인간 개인의 경험을 비판적 성찰의 시선으로 탐구하는 예술적 표현 방식임을 밝히고자 하였다. 이어 고전과 현대의 알레고리 회화를 비교 분석함으로써, 시대와 양식이 변하더라도 알레고리 회화가 ‘반성’이라는 핵심적 기능을 지속적으로 유지해왔음을 규명하였다. 이를 바탕으로 본 연구는 알레고리적 표현의 다섯 가지 주요 전략인 은유, 역설, 연극, 차용, 축적을 도출하였으며, 이 전략들이 작품 속에서 중첩적으로 작용하여 다층적인 시각 구조와 사유의 공간을 형성함을 밝혔다. 이러한 전략의 활용은 작품에 반성적이고 비판적인 특징을 드러낸다. 창작 실천 부분에서, 본 논문은 연구자의 작품을 중심으로, 작품 속에 나타난 다섯 가지 시각적 특징과 표현 전략의 구체적 적용 방식을 분석하였다. 창작 실천 부분에서는 연구자의 작품을 중심으로 논의를 전개하였다. 먼저, 연구자의 작품에 나타난 다섯 가지 시각적 특성을 체계적으로 분석하였으며, 이어 알레고리적 표현 전략이 작품 창작 과정에서 어떻게 구체적으로 적용되었는지를 고찰하였다. 본 논문은 이러한 전략들이 작품의 제작 과정에서 어떠한 방식으로 구체화 되는지를 살펴보며, 시각적 효과와 조형적 의미, 그리고 각 전략이 사용된 의도와 목적을 중심으로 분석을 진행하였다. 또한 연구자가 욕망과 공허를 주제로 창작한 네 개의 시리즈인 <가짜 산수> 시리즈, <팝콘> 시리즈, <침대> 시리즈, <폐허> 시리즈 작픔을 순차적으로 분석하였다. 이 네 개의 시리즈 작품들은 주제적으로는 일관성을 유지하면서도, 표현의 초점과 시각적 전개 방식에서는 서로 다른 방향성을 보인다. 창작 실천 과정에서 연구자는 알레고리적 표현 전략이 만들어내는 시각적 효과를 적극적으로 실험하고 확장하였으며, 이를 통해 작품이 시각적 차원에서 ‘경각’과 ‘성찰의 환기’를 효과적으로 드러낼 수 있도록 하였다. 결론에서는, 이론적 분석과 창작 실천을 종합하여 다음과 같은 사항을 도출하였다. 첫째, 욕망을 과도하게 추구하는 것과 정신적 공허는 외적인 사회 구조와 문화적 메커니즘의 산물이자, 개인의 존재 의미와 가치 인식에 대한 결여에서 비롯된 내적 현상임을 밝혔다. 둘째, 알레고리적 표현은 반성과 비판의 기능을 지닌 시각적 전략으로서, 추상적인 심리와 형이상학적인 사회 문제를 감각적인 이미지로 전환하여, 관람자로 하여금 시각 경험을 통해 사유와 성찰에 도달하도록 유도하는 매개체로 작용함을 논증하였다. 셋째, 연구자는 창작 실천 과정에서 동양 회화의 전통적인 요소를 현대 회화의 맥락 속에서 재구성함으로써, 전통적 요소가 비판적이고도 창의적인 방식으로 재창조의 자원으로 기능할 수 있음을 제시하였다. 넷째, 본 연구의 실천은 연구자에게 창작 방식의 확장을 가져올 수 있음을 확인했다. 단계적, 기록적, 지속적 창작의 과정은 회화를 정적인 재현 행위가 아닌, 사유의 흐름이 내재된 동적 실천 행위로 전환시킨다는 점을 알 수 있었다. 이러한 창작 방식은 작품을 통해 개인의 내면과 사회적 현실 사이에서 이루어지는 감성적 소통 과정을 구현할 수 있게 한다. 종합적으로 볼 때, 본 연구는 알레고리적 표현을 통해 ‘욕망과 공허감’이라는 주제에 대한 예술적 해석을 심화시켰을 뿐만 아니라, 반성적 시각 언어를 바탕으로 사회 현실에 개입할 수 있는 창작 방법론을 제시하였다. 알레고리적 표현의 다층적 전략들은 동시대 미술이 지닌 비판적, 계시적 기능에 새로운 가능성을 제시하였으며, 전통 동양 회화 요소의 재해석은 연구자의 향후 창작 활동에 보다 확장된 탐구의 지평을 열어주었다.;This dissertation explores the theme of allegorical expressions of desire and emptiness, integrating theoretical inquiry with creative practice to reveal the paradoxical psychological state of inner emptiness that emerges as humans pursue desire in contemporary society. Through allegorical visual strategies, the study aims to convey the meanings of reflection and self- awareness. The research is structured in three stages: a theoretical analysis of desire and emptiness, an examination of the artistic characteristics of allegorical expression, and the author’s own creative practice. From a theoretical perspective, the study first systematically investigates the fundamental nature of desire, describing it as rooted in an inherent sense of lack within the human psyche and functioning as an unfillable “void” that continuously drives human action. In contemporary society, the liberalization of thought, the intensification of capitalist economic structures, and the expansion of network technologies further stimulate individual desire creating endless cycles of pursuit and deepening inner emptiness. The study then examines emptiness from a psychological standpoint, identifying it as a complex mental state in which deficiency, meaninglessness, and dissatisfaction coexist. By integrating Erich Fromm’s concept of having mode of existence with Viktor Frankl’s theory of the will to meaning, this study demonstrates that the uncontrolled pursuit of desire paradoxically amplifies feelings of emptiness. This analysis clarifies the interdependent and deeply interconnected relationship between desire and emptiness. In terms of art theory, this dissertation systematically traces the development of allegory and argues that contemporary allegorical expression functions as a critical artistic mode. It examines cultural, political, and social phenomena, as well as individual experience, through a reflective lens. By comparing classical and modern allegorical painting, the study shows that, despite changes in historical context and stylistic form, allegorical painting has consistently maintained its core function of reflection. On this basis, five principal allegorical strategies are identified: metaphor, paradox, theatricality, appropriation, and accumulation. The study demonstrates that these strategies operate in layered and overlapping ways within artworks, forming multi-dimensional visual structures and spaces for contemplation, thereby endowing the works with reflective and critical characteristics. In the section on creative practice, the dissertation analyzes the author’s own artworks. It focuses on the concrete application of the five visual characteristics and allegorical strategies identified earlier. The study examines how these strategies are specifically implemented throughout the creative process, analyzing their visual effects, formal meanings, and the intentions behind them. It further provides a sequential analysis of four series created around the themes of desire and emptiness: the Fake Landscape series, the Popcorn series, the Bed series, and the Ruins series. While these series share a thematic consistency, they differ in expressive focus and modes of visual development. During creative practice, the author actively experiments with and expands the visual effects generated by allegorical strategies. This enables the artworks to effectively evoke a sense of warning and reflective awareness on a visual level. In conclusion, by synthesizing theoretical analysis and creative practice, the study arrives at several key findings. First, excessive pursuit of desire and the experience of psychological emptiness are revealed as both products of external social structures and cultural mechanisms, and as internal phenomena stemming from a lack of awareness of existential meaning and value. Second, allegorical expression is demonstrated to function as a visual strategy of reflection and critique, transforming abstract psychological states and metaphysical social issues into sensorial images that guide viewers toward contemplation and reflection through visual experience. Third, by reconfiguring elements of traditional Korean painting within the context of contemporary painting, the study shows that traditional components can serve as resources for critical and creative regeneration. Fourth, the practice-based approach adopted in this study contributes to expanding the author’s creative methodology, revealing that a staged, documented, and sustained process of creation transforms painting from a static act of representation into a dynamic practice embedded with ongoing thought. Such an approach enables artworks to embody affective communication between individual interiority and social reality. Overall, this study not only deepens the artistic interpretation of desire and emptiness through allegorical expression but also proposes a creative methodology capable of intervening in social reality through reflective visual language. The multilayered strategies of allegorical expression suggest new possibilities for the critical and revelatory functions of contemporary art, while the reinterpretation of traditional elements of Korean painting opens an expanded horizon for the author’s future artistic exploration.

예비 미술치료사의 인권감수성 증진을 위한 미술기반 인권교육 프로그램 개발 및 효과 검증

2026-02-23T16:31:37Z

Title: 예비 미술치료사의 인권감수성 증진을 위한 미술기반 인권교육 프로그램 개발 및 효과 검증 Ewha Authors: 공소연 Abstract: 본 연구의 목적은 예비 미술치료사의 인권감수성 증진을 위한 미술기반 인권교육 프로그램을 개발하고 그 효과를 검증하는 것이다. 이를 위하여 두 단계로 연구가 수행되었다. 연구 1에서는 예비 미술치료사의 인권감수성 증진을 위한 미술기반 인권교육 프로그램 개발을 목적으로 프로그램 설계, 예비연구의 적용, 프로그램 타당도 검토를 거쳐 최종 프로그램을 확정하였다. 프로그램은 도덕적 행동 모형(Rest, 1983), 책무성-전문성 개발 모델(Tibbitts, 2017), 정서적 인권교육 교수법(Hung, 2014), 다문화 및 사회정의 상담 역량(Ratts et al., 2016)을 이론적 근거로 하여 구성하였다. 본 프로그램은 예비 미술치료사들이 주요 인권 문서의 규범적 목표를 이해하기 위한 인권 지식과 미술치료 임상 장면을 고려한 사례의 활용, 미술 활동을 통한 정서적 자극 및 인권적 태도 강화의 특징을 가지고 있다. 치료사 자기 문화 점검, 소수민족, 취약 연령층, 젠더, 장애 관련 인권 이슈를 바탕으로 반응미술을 활용한 반영적, 공감적, 감정적, 탐색적, 옹호적 표현 활동을 진행하였다. 프로그램은 총 5회기로 구성되어 회기당 180분씩 이뤄지며, 정보제공, 미술활동, 토론, 심화, 적용, 종합의 순환적 단계로 구조화하였다. 연구 2에서는 연구 1에서 개발된 프로그램의 효과를 검증하였다. 예비 미술치료사 28명을 모집하여 실험집단과 통제집단에 임의배치하고, 실험집단에는 인권감수성 증진을 위한 미술기반 인권교육 프로그램을 시행하였으며, 통제집단은 무처치하였다. 프로그램의 효과 검증을 위해 사전, 사후에 인권감수성 척도와 사회정의 옹호역량 척도를 측정하였고, 매개모형을 통해 인권감수성이 사회정의 옹호역량에 미치는 영향을 분석하였다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 집단 내 변화를 살펴보면, 실험집단은 사전-사후 측정한 인권감수성의 모든 영역 점수에서 유의미한 상승 변화가 나타났다. 사회정의 옹호역량에서는 내담자 역량강화 요인에서 유의한 변화가 나타났으며, 전체적으로 큰 수준의 효과크기를 보였다. 통제집단은 인권감수성과 사회정의 옹호역량 모든 영역에서 유의미한 변화가 관찰되지 않았다. 둘째, 집단 간 변화를 살펴보면, 실험집단은 통제집단에 비해 인권감수성의 모든 영역 점수에서 유의한 상승 변화가 나타났다. 사회정의 옹호역량에서는 내담자 역량강화 부분에서만 실험집단이 통제집단에 비해 유의미한 변화가 나타났다. 셋째, 인권감수성 변화의 매개효과를 검증한 결과, 프로그램 실행이 사회정의 옹호역량 변화에 미치는 직접효과는 유의하지 않았으나, 인권감수성 변화량을 매개로 한 간접효과는 통계적으로 유의하였다. 이는 프로그램이 인권감수성 향상을 통해 간접적으로 사회정의 옹호역량 증진에 기여함을 의미한다. 이상의 결과는 미술 활동을 통한 정서적 경험과 반영적 탐색이 인권에 대한 민감성을 높이고, 궁극적으로 치료사로서의 옹호 실천 역량 강화에 기여할 수 있음을 보여준다. 본 연구는 체계적인 프로그램 개발 절차와 실증적 효과 검증을 통해 예비 미술치료사 대상 인권감수성 교육의 필요성과 미술기반 접근의 교육적 효용성을 제시하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 미술치료사의 인권감수성 함양을 지원하는 교육적 노력이 확대되기를 기대한다.;The purpose of this study was to develop an art-based human rights education program designed to enhance human rights sensitivity among pre-service art therapists and to examine its effectiveness. The research was conducted in two sequential phases: program development and effectiveness evaluation. In the first phase, the program was systematically developed through program design, pilot implementation, and expert validation. Its theoretical foundations were derived from the Four-Component Model of Moral Behavior (Rest, 1983), the Accountability–Professional Development Model (Tibbitts, 2017), the Affective Pedagogy of Human Rights Education (Hung, 2014), and the Multicultural and Social Justice Counseling Competencies (Ratts et al., 2016). Based on these frameworks, the program integrated human rights knowledge aligned with the normative goals of major human rights documents, case-based applications grounded in art therapy clinical practice, and emotionally evocative artmaking to foster human rights–oriented attitudes. Responsive artmaking facilitated reflective, empathetic, affective, exploratory, and advocacy-oriented expression, addressing themes such as therapists’cultural self-examination and human rights issues related to racial and ethnic minorities, migrant communities, vulnerable age groups, gender, and disability. The program consisted of five sessions, each lasting 180 minutes, and was structured as a cyclical process encompassing information provision, artmaking, discussion, deepening, application, and synthesis. In the second phase, the effectiveness of the program was evaluated using an experimental design. Twenty-eight pre-service art therapists were randomly assigned to either an experimental group, which participated in the program, or a control group, which received no intervention. Human rights sensitivity and social justice advocacy competence were assessed before and after the intervention, and mediation analysis was conducted to examine whether changes in human rights sensitivity mediated changes in social justice advocacy competence. The results indicated significant improvements across all domains of human rights sensitivity in the experimental group, whereas no significant changes were observed in the control group. Regarding social justice advocacy competence, a significant improvement was found in the client empowerment domain within the experimental group, with a large overall effect size; no significant changes were observed in the control group. Between-group analyses confirmed that the experimental group demonstrated significantly greater gains in all domains of human rights sensitivity and in the client empowerment domain of social justice advocacy competence compared to the control group. Mediation analysis further revealed that although the direct effect of program participation on social justice advocacy competence was not significant, the indirect effect mediated by improvements in human rights sensitivity was statistically significant. These findings indicate that the program contributed to strengthening social justice advocacy competence indirectly through the enhancement of human rights sensitivity. Overall, the findings demonstrate that emotional experience and reflective exploration through artmaking can effectively enhance human rights sensitivity and support the development of advocacy competence among emerging art therapists. Through systematic program development and empirical validation, this study underscores the importance of human rights sensitivity education for pre-service art therapists and highlights the pedagogical value of an art-based human rights education approach. Continued expansion of educational initiatives that foster human rights sensitivity within art therapy training is recommended.

부조리에 대응(對應)한 삶의 태도 변화와 자아 정체성 표현

2026-02-23T16:31:36Z

Title: 부조리에 대응(對應)한 삶의 태도 변화와 자아 정체성 표현 Ewha Authors: 이지영 Abstract: 예술은 예술가와 그의 세계를 대변한다. 예술가의 삶의 경험은 무지(無知)한 영역의 자각을 이끌며 세상을 바라보는 새로운 시각과 태도를 갖게 한다. 삶에 대한 예술가의 태도는 그의 자아 정체성에도 영향을 주며 이는 작품에 반영된다. 본인은 본인의 자아 정체성을 탐구하고 본인을 이해하기 위한 작업을 진행해왔고, 본 논문을 작성하기 위해 오랜 시간에 걸쳐 진행된 <자화상 시리즈> 작품들을 정리, 분석하는 과정에서 본인과 세계의 관계 변화에 따라 자아 정체성도 함께 변화하였음을 인지하였고, 본 논문을 통해 이 ‘변화’의 의미를 이해하고자 한다. 본 논문은 본인 작업의 시발점인 부조리에 관한 연구를 선행으로 부조리한 삶의 일면(一面)을 경험하며 느낀 불안과 권태, 그리고 이를 이겨내는 과정에서 본인이 어떠한 삶의 태도를 취하였는지, 삶에 대한 태도 변화가 자아 정체성에 어떠한 변화를 가져다주었으며, 이 모든 총체적 변화가 작업의 조형성에 어떻게 반영되었는지를 분석하고 궁극적으로 본인의 예술 행위가 부조리한 삶에 어떠한 의미로 작용하였는지 밝히고자 한다. 전쟁으로 무고하게 희생되는 생명, 불공정한 자본주의의 폐해, 예측불허한 죽음의 공포 등 인간은 이성적 사고로는 이해할 수 없는 사건들의 경험을 통해 삶의 의미를 되묻는다. 19세기 근대 과학의 발전은 합리주의와 실증주의를 통해 물질적 세계를 설명하였고, 사회적, 정신적 현상들에 대해서도 인간의 이성적 사고를 도모하였다. 데카르트의 합리주의 또한 감각적 경험을 경시하고 오직 이성의 사고에 의한 지식만을 진리로 인정하였다. 이렇게 인간 이성에의 확신을 바탕으로 이룩한 과학의 발전과 기술적 진보라는 시대적 상황 속에서 1, 2차 세계대전이라는 반인륜적 사건이 발생하였고, 사람들은 더 이상 합리성과 이성으로는 설명될 수 없는 인간과 세계의 본질에 대한 의문을 제기하였다. 이러한 인간 주체의 상실과 이성에 대한 반감의 상황에서 대두된 실존 철학은 실존과 본질을 명확하게 규명하여 인간 존재의 근원적 문제를 탐구하게 된다. 이러한 시대적 배경 속에 카뮈는 내던져진 우연적 존재로서 인간과 인간을 둘러싼 세계와의 관계로부터 ‘부조리(不條理)’라는 개념을 도출한다. 그에 따르면 인간의 열망과 침묵하는 세계라는 두 대립의 항들은 ‘부조리’란 끈으로 연결되어 있고, 인간은 다양한 방식으로 부조리한 세상에 반응하게 된다. 부조리의 자각은 익숙한 삶의 기반을 흔들며 인간에게 ‘자살’이나 ‘종교적 희망’이라는 극단적 방식을 취하게도 하지만, 카뮈에 따르면 부조리란 본래 인간과 세계라는 두 항의 대립으로 하나의 항목을 제거하거나 회피하는 방식의 대응은 삶 자체를 부정하는 것으로 지양(止揚)되어야 한다. 대신 카뮈는 부조리를 인정하고 인간 스스로 삶의 의미를 재정립하여 굳건히 이 삶을 즐기는 ‘반항’적 태도가 가장 적절한 대처라고 설명한다. 이처럼 숙명적 부조리의 자각은 인간의 삶에 불안과 고통을 주지만 새로운 삶의 선택을 제공한다는 점에서 큰 의미가 있다. 본 논문은 부조리의 경험을 시작으로 선택되어진 다양한 삶의 태도가 본인 작업에 미친 영향을 분석하는 것을 목적으로 하며, 이에 따라 카뮈의 부조리 철학을 이론적 배경으로 선정하고, 부조리의 자각이 이끄는 다양한 삶의 귀결과 그 의미를 분석함으로써 부조리가 한 개인의 삶에 미치는 영향을 탐구하고자 한다. 이를 위해 카뮈의 부조리 철학과 그의 문학에 반영된 부조리의 다양한 양상을 분석하려 한다. 본래 부조리 철학 자체가 체계화된 개념과 논리적, 형이상학적 접근만으로는 이해되기 어려운 측면이 있기에 카뮈를 비롯한 실존주의자들은 문학의 형식을 통해 본인들의 철학을 전달하고자 하였다. 따라서 본 논문은 부조리의 자각이 한 개인의 삶에 미치는 영향과 대응, 삶의 결말을 다양한 문학을 통해 간접적으로 체험하고자 부조리 문학의 서사와 등장인물을 함께 분석하려 한다. 또한, 시각예술 작품 분석을 통해 삶의 부조리가 예술가에게 미치는 영향과 예술이 부조리한 삶에서 어떠한 의미 작용을 하는지 추론해보고자 한다. 본인 작업 분석의 기본 전제는 부조리 체험을 시작으로 실존적 자아가 선택한 새로운 삶의 태도, 그리고 이를 통한 정체성 변화가 조형적으로 어떻게 반영되었는지에 있다. 이를 위해 본인 작업의 바탕이 된 삶의 태도를 세 가지로 분류하고 카뮈의 세 가지 부조리 귀결과 어떻게 연관되는지 비교, 분석하려 한다. 카뮈의 ‘자살’, ‘희망’, ‘반항’의 세 가지 부조리의 귀결을 ‘자기부정’, ‘체념’, ‘의지’라는 세 가지 자아 정체성과 연관 지어 설명하고, 카뮈의 관점과 상이(相異)한 지점은 다른 실존 철학의 이론을 통해 부연 설명하고자 한다. 또한, 변화된 삶의 태도에 따라 다르게 반영된 자아 정체성의 표현을 위해 작업의 재료와 기법적 선택도 함께 변화해왔기에 각 작업의 조형적 특성을 분석하려 한다. 궁극적으로 이 모든 작업 분석의 총합으로서 부조리한 삶 속에서 예술 행위가 가진 의미를 추론하여 카뮈의 반항과 창조적 예술 행위의 긍정적 의미 관계를 이해하고자 한다. 부조리란 인간의 숙명적 사건이다. 살아있는 모든 인간은 부조리를 경험할 수밖에 없다. 부조리는 다양한 귀결로 이어지는데 자살과 희망은 부조리란 삶의 전제 조건에 대한 회피로 카뮈는 고통스러운 부조리의 억압에서도 이를 수용하고 우리의 삶을 주체적으로 창조하는 반항이 가장 올바른 부조리의 대책이자 귀결이라 하였다. 본인은 이러한 카뮈의 철학을 바탕으로 부조리에 대응한 삶의 인식과 태도로서 본인 작업의 의미와 조형적 변화를 분석하여 부조리의 자각이 한 개인의 삶과 예술에 미치는 방식을 밝히고 예술이 부조리한 삶에서 지니는 긍정적 의미를 발견하고 이를 공유하고자 한다.;Art represents both the artist and the world they inhabit. An artist’s life experiences bring awareness of previously unknown domains, fostering new perspectives and attitudes toward life. These attitudes, in turn, shape the artist’s self-identity, which is reflected in their work. Through my artistic practice, I have explored self-identity and pursued self-understanding. In preparing this thesis, I systematically organized and analyzed my long-term

. This analysis revealed that my self-identity evolved in parallel with changes in my relationship to the world, and this study seeks to understand the significance of that transformation. My investigation begins with an examination of absurdity—the starting point of my practice—to explore the anxiety and ennui I experienced, the attitudes I adopted in response, the resulting shifts in my self-identity, and how these changes are reflected in the formal qualities of my works. Ultimately, I aim to elucidate the significance of artistic practice in the context of an absurd life. Human beings confront the meaning of life when faced with events beyond rational comprehension, including the loss of innocent lives in war, systemic injustices under capitalism, and the unpredictability of death. Nineteenth-century scientific advancements sought to explain the material world through rationalism and positivism, applying reason even to social and psychological phenomena. Descartes’ rationalism similarly devalued sensory experience, privileging knowledge derived solely from rational thought. Yet, amid this era of scientific and technological progress, the inhumanities of the First and Second World Wars prompted questions about the essence of humanity and a world no longer fully amenable to rational explanation. In response to the loss of human subjectivity and the growing skepticism toward reason, existential philosophy emerged to examine fundamental questions of human existence by distinguishing between existence and essence. Within this historical context, Camus developed the concept of absurdity, arising from the tension between humans, as contingent beings, and the surrounding world. He posits that the opposing forces of human aspiration and a silent universe are connected through the thread of absurdity, prompting diverse human responses. Awareness of absurdity destabilizes the foundation of ordinary life, potentially leading to extreme measures such as suicide or reliance on religious hope. However, Camus argues that absurdity should not be addressed by eliminating or evading either element, as such responses constitute a denial of life itself. Instead, acknowledging absurdity and redefining life’s meaning through a steadfast engagement with existence—characterized by a rebellious attitude—is the most appropriate response. While this recognition induces anxiety and suffering, it enables individuals to make new life choices, granting profound significance to human experience. The purpose of this thesis is to analyze how my artistic practice has been shaped by life attitudes adopted in response to the experience of absurdity. Camus’ philosophy of absurdity provides the theoretical framework, allowing an examination of the consequences of awareness of the absurd and its impact on individual life. Since absurdist philosophy is often conveyed through literature, I analyze narratives and characters within absurdist works to gain indirect insight into its effects and resolutions. Additionally, I examine visual artworks to explore how the experience of life’s absurdity informs artistic production and the significance of art in an absurd life. This analysis is premised on the idea that new life attitudes adopted through engagement with absurdity are reflected formally in my works. The attitudes underpinning the

are categorized into three types, aligned with Camus’ three potential responses to absurdity: ‘suicide,’ ‘hope,’ and ‘rebellion,’ corresponding to self-identity categories of ‘self-denial,’ ‘religious resignation,’ and ‘will,’ respectively. Divergences from Camus’ framework are further elaborated through complementary existential theories. Shifts in self-identity are also mirrored in the selection of materials and techniques, which evolved alongside changes in life attitude. This integrated analysis aims to illuminate the positive relationship between Camus’ notion of rebellion and creative artistic activity, clarifying the significance of artistic practice within an absurd life. Absurdity is an inherent aspect of human existence, encountered by all. Responses vary, with suicide and hope representing evasions of absurd conditions. Camus asserts that even within such constraints, acknowledging absurdity and autonomously creating one’s life through rebellion constitutes the appropriate response. Building on this philosophy, I examine how engagement with absurdity transforms my artistic practice, revealing its influence on both life and art, and demonstrating the positive role of art in navigating an absurd existence.