DSpace Collection:

확장적 극 공간에 관한 연구

2021-06-14T09:01:55Z

Title: 확장적 극 공간에 관한 연구 Ewha Authors: 오은영 Abstract: 극 공간이란 현실의 일상과는 다른 환영적 공간의 창출이 일어나는 곳이다. 이러한 공간에서 우리가 느끼는 환상과 자기 사유는 예술적 경험을 통해 일어난다. 그렇다면 예술적 경험은 무엇이고 예술적 표현이란 무엇일까. 이 두 가지 모두 창조성이 기반이 되어 일어난다는 것은 분명하다. 창조적 표현은 물리적 재현 안에서 이루어지는 것이며 예술적 경험은 무엇인가를 생각해보게 된다. 공연 예술의 궁극적인 목적은 수용자와의 소통에 있다. 과거부터 지금까지 대부분의 공연 예술은 극장이라는 공간 안에서 행위자(배우)와 수용자(관객)의 장소와 역할의 분리가 확실했다. 하지만 기술의 발달과 함께 급속히 성장한 현대 사회는 공연 예술에 대한 수용자의 기대와 인식의 변화를 불러왔고, 이는 창작자에게 있어서도 더욱 창의적인 창작물을 만들고 소통하기 위해 많은 고민을 하게 했다. 창조성은 인간에게 자기 사유와 자기 수용을 통한 성장을 가져다주기 때문에 창작자와 수용자 모두가 이러한 변화를 자연스럽게 원하고 있는 것일지 모른다. 또한 이와 같은 변화는 기존의 공연 공간(극장), 행위자(배우), 수용자(관객)의 관계에 대한 전통적 연극 미학에 있어 새로운 시각과 해석을 가져오게 했다. 현재 공연 예술계는 수용자의 보다 능동적인 참여를 위해 다양한 실험적인 공연의 시도가 지속적으로 이루어지고 있으나 대부분의 공연들은 여전히 극장이라는 무대와 객석이 분리된 공간 안에서 텍스트로부터의 모방과 재현을 통한 전통적인 방식으로 전달되고 있다. 그로인한 수용자의 수용 방식과 수동적인 태도의 변화도 거의 없는 실정이다. 공연 예술의 극 공간은 예술적 경험이 이루어지는 곳으로서 경험의 과정을 통한 새로운 극적 공간을 창출하는 공간이기도 하며, 삶이라는 인간에 대한 이야기를 담고 있는 공간이기도 하다. 예술과 창조성은 곧 삶이라고 할 수 있다. 왜냐하면 삶 속에는 계속해서 창조성의 원천이 항상 존재하기 때문이다. 그러므로 삶 자체가 창조성을 기반으로 하고 있는 것이라고 할 수 있는 것이다. 이처럼 극 공간은 삶과 매우 밀접하게 관계하고 있으며 수용자에게 예술을 그저 바라보는 것에서 나아가 체험을 할 수 있는 기회를 가져다주는 곳이다. 열린 공간에서의 공연 장르는 수용자에게 더욱 다양한 지각 방식을 통해 스스로의 극 공간을 만들어 나가게 하는 새로운 공간 미학이 창조된 결과물이라고 할 수 있다. 이와 같이 예술의 궁극적 목적인 소통에 있어 극 공간은 매우 중요하게 생각해보아야 할 부분이다. 이에 본 연구는 그 행위가 실천되고 예술적 경험이 이루어지는 실재의 ‘공간’을 매우 중요하다고 보았으며, 연극은 곧 삶의 이야기라는 것에서 삶의 공간인 일상 공간에 대한 시각과 사고의 확대와 극장이라는 제한된 공간을 벗어난 극 공간 확장에 대한 필요성을 느꼈다. 이와 같은 배경에 따라 먼저 시대적 흐름을 통한 전통적인 극 공간의 구조를 알아보고 이에 확장으로 본 일상 공간에 대한 개념과 담론들을 살펴보았다. 또한 전통적인 극 공간이라 할 수 있는 극장을 벗어나려는 시도로서 확장적 극 공간 연출이 이루어진 장르로 장소 특정적 공연과 환경 연극의 개념을 정리하며 특성을 알아보았다. 장소 특정적 공연의 용어를 장소 특정적 미술의 개념으로부터 보며 예술사적으로 미니멀리즘과 해프닝의 영향과 함께 변화/발전되어 왔음을 살펴보았다. 이에 확장된 극 공간을 도시적 의미, 미학적 의미, 공간의 확장으로 구분하여 그 특성을 살펴보고 최근 활발히 시도되고 있는 이머시브 공연에 대한 개념을 정리하였다. 이와 같이 극 공간의 확장으로 발전되어지는 공연 형태의 변화와 특성을 토대로 극 공간의 확장의 필요성과 미학적 변화에 대해 알아보았다. 이들이 맞물리는 특성을 바탕으로 본 연구자는 극장을 벗어나며 ‘일상 공간’을 적극 활용한 공연 사례로 제한을 두었으며, 이에 이머시브 공연 <로드씨어터 대학로 1>(2016), <로드씨어터 대학로 2>(2017)를 분석했다. <로드씨어터 대학로>는 대학로라는 일상 공간이 공연 공간이 되고 장소를 이동하며 체험하는 형식의 공연이다. 공간을 이동해야한다는 점에서 보행을 기반으로 한다. 즉, 수용자들의 움직임, 신체적 수행은 필수적이다. 비주얼적인 표현 양식은 텍스트에 의해 재현되고 창조된 화려한 장식적 세트와 같은 즉, 제작되어진 요소로부터의 허구성 보다는 일상 공간 그 자체에 실제 존재하는 요소들이 그 역할을 대신하며 이들과의 유기적인 상호 작용으로 자신만의 환상(illusion)을 만들어 낸다는 특성을 알 수 있었다. 일상 공간이 지니는 미학적 요소들을 보행을 통해 마주하며 극 공간을 ‘인식 – 자극 – 반응 – 사유’의 과정으로 완성해 나간다. 일상 공간 안에서 수용자는 자신의 감성과 감각으로 새로운 극적 공간을 끊임없이 창출해나가고 스스로의 연극성을 부여하면서 일상 공간은 연극적 공간으로 재탄생되었다. <로드씨어터 대학로>는 실재하는 일상 공간의 현존하는 요소들을 연극적 요소로 활용해 수용자의 자발적인 수행을 이끌어 극적 체험을 할 수 있는 기회를 제공한다. 이와 같은 형태는 공연 예술에서 다양한 장르 확대로 수용자에게 공연을 현실과 나라는 존재 안에서 연결시켜주면서 공연을 더욱 친숙하게 인식하고 향유하게 만든다. 무엇보다 일상 공간에서의 열린 환경은 공연을 바라보는 수용자의 태도를 자발적이고 자연스럽게 변화시키며, 쌍방향적인 창조성의 시너지를 불러 공연의 더욱 깊이 있는 소통과 몰입을 가능하게 해준다. 이처럼 일상 공간에서의 체험 형태의 공연은 수용자에게 보다 더 흥미롭고 즐거운 예술적 경험의 기회를 가져다주며 그들의 삶을 더욱 풍요롭게 만드는 것을 확인하였다. 확장적 극 공간의 한 형태인 이머시브 공연은 무엇보다 수용자들의 적극적인 참여를 바탕으로 하고 있고, 현존하는 일상 공간의 활용은 다양한 미학적 요소들로 수용자와의 유기적인 관계에서 끊임없는 자극과 반응을 일으켜 극적 공간의 재창출이 이루어진다는 것을 발견하였다. 즉, 일상 공간을 활용한 이동 관극 행위는 수용자에게 더욱 다양한 시각과 사고를 하게 한다는 것이다. 이러한 점들을 통해 일상 공간은 더욱 확장된 새로운 미학 창출의 매개이자 요소임을 확인할 수 있다. 이상으로 극 공간의 확장을 위해 극이 존재하는 일상 공간에 대해 넓은 시각과 사고를 인식해보고자 살펴보면서 궁극적으로 예술은 무엇이고 우리가 예술을 통해 얻고자하는 것이 무엇인지를 생각하며 예술과 일상의 관계를 확인했다. 20세기부터 현재까지 공연 예술의 공연 공간과 수용자에 대한 관심은 끊임없이 이어져 오고 있다. 이러한 관심과 본 연구를 통해 극 공간 확장을 통한 가능성을 인식하며, 더욱 창조적인 작업으로 수용자와의 만남을 이루고 예술 향유의 충족으로 삶이 더욱 풍요로워지기를 바란다. 다양한 장르의 확장을 통해 현대 사회의 수용자가 더욱 필요로 하고 원하는 것을 충족할 수 있는 매체로써 공연 예술이 더욱 활성화되고 발전할 수 있을 것이다. 이를 위해서 공연 예술계의 꾸준한 관심과 지속적인 연구 및 시도가 이루어져야 할 것이다.;Theatre stage is the place where illusion is created, different from the reality of everyday life. The fantasy and self-reflection that we feel in this space occurs through artistic experience. Then what is an artistic experience and what is artistic expression? It is clear that both are based on creativity. Creative expression is done through physical representation, and it leads us to think about what an artistic experience is. The ultimate goal in performing arts is to communicate with the Spectators. From the past to the present, most performing arts have been very clear in the space of the theater that the place and role of Performer (actor) and Spectator (audience) were separated. However, modern society, which has grown rapidly with the development of technology, has brought about changes in spectator expectations and perceptions of performing arts, thereby causing many concerns for creators to be more creative and to communicate. It may be that both creators and spectators naturally want these changes because creativity brings growth to humans through self-reflection and self-acceptance. These changes also led to new perspectives and interpretations in traditional theatrical aesthetics of the relationship between existing performing spaces (theater), Performer (actors), and Spectators (audience). Currently, the performing arts continue to try various experimental performances in order to draw active participation from the spectators, but most of the performances are delivered through traditional way; text representation, in a separated space between the stage and audience, what we call a theatre. There by, there is little change in the acceptance and the passive attitudes. The theatrical space of the performing arts is a space where artistic experiences are made; a space that creates theatrical space through experience, and it is also a space containing stories about human life. Art and creativity can be called life. Because in life there is always a source of creativity everywhere. Therefore, life itself is based on creativity. This theatrical space is closely associated with life, and it is a place to bring the opportunity for the spectator to experience the art beyond just looking at it. The performance genre in the open space is a result of creating a new spatial aesthetics by allowing the audience to create their own dramatic space through various perceptional methods. In this way, theatrical space becomes a significant element in communication- an ultimate goal in art. In this study, it is viewed that the ‘space’ in which the act is performed, and artistic experience takes place is very important. Moreover, because it is viewed that the theater is the story of a life, there is a necessity to expand the perspective and thoughts of everyday space and to go beyond the limited space and expand the theatrical space to everyday space. Based on this background, I first examined the structure of the traditional space through the epoch, and examined the concepts and discourses of the everyday space. Also, the concept of two genres: Site–specific Performance and Environmental Theatre, which attempted to stray away from the theater (traditional space) and expand theatrical space, are summarized and characterized. It is viewed that the terms of Site–specific performances from the concept of Site–specific arts, and looked into how they have been changed / developed with the influence of minimalism and happening from the perspective of the history of art. The theatrical expansion is classified into urban significance, aesthetic significance, and space expansion, and delve into its characteristics to examine the concept of immersive performance, which is actively being attempted lately. Based on the changes and characteristics of performances that have been developed as theatrical expansion, I have examined the necessity of theatrical expansion and aesthetic changes. Based on these interlocking characteristics, the researcher has restricted the performance cases to the shows that actively uses the ‘everyday space’. In addition to this, the immersive performances (2016) and (2017) were analyzed. is a type of performance in which the daily space called ‘Daehak-ro’ becomes a performance space and the experiences is made by moving to locations. The performance is based on walking so there is a space movement. In other words, movement of the Spectators and physical performance is essential. It can be characterized that the elements from the everyday space are interacting organically, creating one’s own illusion; in other words, different from the fictiveness where modes of representation are reproduced by texts and fancy decorative sets. The aesthetic elements of everyday space are encountered through walking and the theatrical space is completed as a process of ‘recognition – stimulation – reaction – reason’. In the daily space, the spectator constantly creates a new dramatic space with one’s own sensibility and sense, and the everyday space is reborn into a theatrical space while giving one’s own theatricality. uses the existing elements of actual everyday space as a theatrical factor, and provides opportunities for spectator to experience the dramatic experience of voluntary performance. This form of performing arts is an extension of various genre, making the performance smore recognizable and enjoyable by linking reality and one’s being. Above all, the open environment in everyday space changes spectator’s attitude voluntary and spontaneously, and brings synergy of interactive creativity, enabling the deeper communication and immersion of the performances. It is confirmed that this kind of performance in everyday space gave the spectator more opportunities in artistic experiences and enriched their lives. The immersive performance, which is a form of expanded theatrical space, is based on the active participation of the spectator. It is found that the use of the current daily space regenerate dramatic space through a continuous organic relationship between the spectators and various aesthetic stimuli and reaction. In other words, moving acts that use everyday space will enable the spectators to have diverse perspectives and thoughts. Through these points, it can be confirmed that the everyday space is the medium / factor of the new aesthetic creation. Finally, this paper explores the wider perspectives and thoughts about the existence of everyday space for theatrical space expansion. It confirmed the relationship by looking between the art and everyday life and think about what ultimately art is and what we want to get from art. From the 20th century to the present, attention has been constantly being given to performing arts spaces and spectators. Through this interest and our research, we recognized the possibility of expanding the theatrical space. I hope that by meeting spectators through creative works and appreciating art can enrich one’s life. Through the expansion of various genres, the performing arts will be more activated and developed as a media that can meet the needs and desires of the audience in the modern society. To this end, there should be constant interest and continuous research and trial from the performing arts community.

청소년 대상 극 공간 지도를 위한 보드게임 개발 연구

2021-06-14T09:01:55Z

Title: 청소년 대상 극 공간 지도를 위한 보드게임 개발 연구 Ewha Authors: 김보경 Abstract: In modern times, the theatrical space haschanged from a mere physical place to a place that serves as a starting pointfor audience toexperience theater, which transcends time and space. At the sametime, the theatrical space greatly contributes to the entire flow of theater. Despite the growing importance of the theatrical space these days, there is theonly area in which the importance has been neglected: the education field. This paper highlights the problem that the educationon t he theater space in t he secondary education (in Korean) has been excludedor confined to a part of fine art in the art courses. The theatrical space has educational value in many ways. Students areable to enhance creativity by seeing the imaginary spacethat is created based on the storyline. In addition, students canunderstand the principles of design through physical settings. However, although the theatrical space is one of four essential elements of theater andhas educational value, it has been excluded from public education for a longtime. This is because people have confined the theatrical space only to an indoorspace like a movie theater. Moreover, in the education field, teachers have feltlimits in creating the theatrical space in small classrooms, as those spacesrequire variousequipment and tools to be created based on the scenario of theater. A few symbolic objects are used to express certain spaces in the theatrein education (TIE) and those objects arouse creativity of students. Inaddition, play enables students to recall past memory and exercise imaginationon the space. However, there are a number of variables in schools such as overall environment, teacher quality, students’ attitude to learning and so on. Underthese circumstances, teachers have difficulties in designing classes that canpromote creativity of students who are familiar with instructor-led training. Toovercome the difficulties there is a way of cultivating students’ creativity byutilizing teaching aids. Teaching aids help teachers achieve education goals byencouraging students to pay attention to and have interests in classes in anysituation. As a result, the need for various teaching aids is constantly on therise while effective teaching aids are not sufficient in school. The purpose of this paper is to develop teaching aids by using theaterand a board game that can be effectively used in school. Theater and a boardgame have significant characteristics in common that both put importance on spatialexperiences and the process of interaction by using space as a means. Educationon the theatrical space through a board game offers new ideas and interpretationson space to students. Therefore, this education method has potential to be a new form of education program underwhich space itself can be an artistic objective, andatthe same time serves as an element that determines the way of communication. More importantly, theater and a board game can be the effective education toolsbecause they can be combined wit h ‘play’ naturally. Entertainment that isinherent in play is the most important factor to consider in education as itdraws students to actively participate and concentrate in the classroom. A working prototype to create a board game in accordance with thepurpose of this study has been made after going through all stages fromplanning, designing, developing, testing, field application and correcting and tocompensating defects. The board game built upon the study results drew ahighlevel of attention and interests from students. Furthermore, the game helped studentsraise awareness on the theatrical space by creating game spaces on their own. Furthermore, the game proved that having fun while learning made education more effective, which was the purpose of creating the board game.;현대의 극 공간은 극장에서 벗어나 시공간의 한계를 뛰어넘는 형태로 변화하여 작품의 시작점이자 극을 이끌어가는 주도적인 역할을 담당하고 있다. 극 공간의 중요성이 점차 강조되고 있는 상황 속에서 변화의 흐름을 반영하지 못 하는 곳이 있는데 바로 교육 현장이다. 중등교육과정 속의 연극교육에서 극 공간은 배제되어 있거나 미술의 한 부분으로 한정된 교육을 시행하고 있다는 문제점에 주목하였다. 극 공간은 물리적인 측면에서 조형원리를 이해할 수 있 고 텍스트를 바탕으로 창조된 가상의 공간을 통해 미적 표현력을 향상시킬 수 있는 창의적인 교육적 가치를 발견할 수 있다. 또한, 연극의 4요소 중 한 부분으로써 연극이 가지고 있는 교육적 가치를 공유하고 있음에도 공교육에서 배제될 수밖에 없었던 이유는 극 공간은 극장이라는 건축 안으로 한정하거나 텍스트에 맞춘 많은 장치가 필요하다는 생각 때문에 교실에서 이루어지는 극 공간의 표현에 한계가 있다고 느끼기 쉽기 때문이다. 실제 교육연극에서 공간성에 대한 인지는 상징이다. 개인이 가지고 있는 공간에 대한 기억과 상상력은 놀이를 통해 발휘된다. 그러나 학교환경, 선생님의 자질, 학생들의 태도 등 다양한 변수가 존재하는 공교육 환경에서 강의식 교육에 익숙한 청소년에게 상상력을 불러일으키는 수업을 한다는 것은 어려움을 느낄 수밖에 없다. 이러한 한계성을 극복할 방안 중에는 교구가 있다. 교구의 활용은 어떤 환경에서도 교육 목표를 달성하는 데 도움을 줄 뿐 아니라 학생들의 수업에 대한 집중력과 관심 유발에 도움을 준다. 이처럼 공교육에서 활용할 수 있는 다양한 교구가 필요성이 요구되고 있으나 교육현장에서 효과적으로 활용할 수 있는 교구가 부족한 상황이다. 본 논문은 공교육 현장에서 활용할 수 있는 교구개발에 그 목적이 있으며 놀이학습으로 주목받고 있는 연극과 보드게임을 활용하였다. 연극과 보드게임은 중요한 공통된 특성이 있는데 공간적 경험을 중요시하며 공간을 매개체로 한 상호작용 과정이 중요하다는 것이다. 보드게임을 통한 극 공간 교육은 물리적 공간의 경계를 넘어서 공간에 대한 새로운 인식과 해석으로 공간 자체가 예술적 대상인 동시에 소통의 형태를 결정지을 수 있는 요소로 표현될 수 있는 새로운 형태의 교육 프로그램이 될 가능성을 가지고 있다. 또한, 연극과 보드게임이 교육적으로 의미를 가질 수 있는 가장 큰 특징은 그것이 '놀이'라는 측면을 풍부하게 포함하고 있다는 것이다. 놀이에 내재하여 있는 재미는 적극적인 참여와 몰입을 이끌어주기 때문에 교육 방법에서 고려해야 할 가장 중요한 요소이다. 이러한 연구목적에 따라 보드게임 제작을 위한 기획단계, 설계 및 개발단계, 테스트 및 현장 적용 단계, 수정 및 보완 단계를 거쳐 최종 프로토타입을 완성하였다. 연구 결과로 완성된 보드게임은 청소년의 높은 관심과 흥미를 끌어낼 수 있었으며 직접 게임공간을 구성하는 형태를 통하여 극공간 인식 제고와 게임을 통해 발생하는 재미를 통해 교육적 효과를 얻고자 했던 개발목표의 가능성도 확인할 수 있었다.

소리와 빛을 이용한 극 공간 연출 방법에 관한 연구

2021-06-14T09:01:55Z

Title: 소리와 빛을 이용한 극 공간 연출 방법에 관한 연구 Ewha Authors: 최윤희 Abstract: This thesis researched the method which can maximize psychological and emotional stability and artistic enjoyment satisfaction by approaching the application of sounds and lights more closely to the domain of synesthesia when applying sounds and lights for creation of a theater space. For a modern theater space, the demand for a method which can create more improved emotion has been increasing, and it is under the situation that the level of customers for stage creation has increased due to the rapid development of the multimedia technology environment. Furthermore, a higher level of space sensuous satisfaction through expanded space creation by breaking from the existing purpose which expresses only a simple background or place is required. In accordance with these backgrounds, in this thesis, I contemplated the fundamental characteristics of sound and light and the sensory mechanism of a human which accepts these and researched through of what kinds of process the creation method of a theater space using sounds and lights has developed. Also, I intensively analyzed works and activity cases of typical preceding artists of this field such as Appia, Wilson, and Zhang Yimou who innovatively broke from the classic stage management based on realism. Sound is a phenomenon which occurs by the simple physical phenomenon called vibration of an object, but a sense of hearing of a human is operated through a complex process which mergence of psychological phenomena happens with the acceptance of stimulation. Especially, it appeared that sound stimulates psychological effects and imagination significantly in terms of the spatial expression and creation effect. Like sound, light also is the simple physical phenomena which is an electromagnetic wave of a visible ray zone, but a human accepts light through various and complex mechanisms through synaesthetic internal interactions when a sense of sight of a human accepts light. Therefore, for a question about how to use lights and sounds when create a space, not only the understanding about the functional fundamental of light and sound but also the psychological and synaesthetic understanding about acceptance of stimulation of a human should be preceded. In accordance with such the necessity, I thoroughly analyzed preceding studies about light and sound, operation of a sense of hearing and sight, and synaesthetic acceptance of light and sound in this thesis. As a result of a study, I could learn that the characteristic of synaesthetic acceptance which a sense of hearing and sight has accompanies the expansion of spatial recognition and sensitive psychological change of a person who sees and hears and that sounds and lights can break from the subsidiary functions of the production of a play by understanding and applying such the characteristic well. In other words, I figured out that expressions of a space can be done plentifully only with sounds and lights and that it contributes to make that open spaces and natural environments itself which break from the existing stage territories can be excellent stage spaces. According to the analysis of cases of pioneering artists, Appia expanded a space as a classic concept of a theatre to a new theater space and showed creation of a stage can be plentiful according to how to use sounds and lights. Therefore, he recognized sounds and lights as major partial elements which can be applied independently to creation of a stage. Wilson researched the pioneering theory of Appia in depth and succeeded to make lights and sounds as a direct expressive medium in a space through the expansion of theatrical materials and introduction of new techniques based on this. Furthermore, he had achieved the remarkable dramatic effect by expressing this in an actual theater space. Zhang Yimou, based on the pioneering artists' practicing results, realized the concept of an expanded stage which is to introduce a play to an open space, namely the actual scene and expanded a theater space to a groundbreaking domain beyond all imagination through works with a setting in China's beautiful scenary. I am stating that in the part of case analysis of this thesis, I described according to a premise which the creation effect of a theater space can be increased by using sounds and lights simultaneously, but unlike lights, for sounds, there was a limit which sounds could not clearly expressed because the singing expression is impossible due to the characteristic of the media of this thesis. Summarizing the results of this study, many artists have been leading the change of recognition about sounds which stimulate a sense of hearing and lights which stimulate a sense of sight by discovering and applying various techniques, and based on this, the aspect which lights and sounds themselves can sufficiently work as a independent space composing element is revaluated. At the same time, the new conceptual play production work could be possible through a new attempt which combining a everyday living space of today and theater space. It is regarded that through such creation and attempt, ultimately, the base for a new artistic genre could be established and it would play a role which can enrich the satisfaction of people toward life. Additionally, it is regarded that if performance artistic productions which are attempted in stages and event sites in Korea at present apply a new technique which actively adopts sounds and lights exceeding the limit of story-centric, they could be reformed as a work of high standard which has the competitiveness not only domestically but also globally. It is judged that the constant efforts of front-line producers and researchers for this in the future.;본 논문에서는 극 공간의 연출을 위하여 소리와 빛을 적용함에 있어 수용자의 공감각 영역에 이를 보다 근접시켜 심적, 정서적인 안정과 예술적 향유 만족감을 극대화할 수 있는 방안을 연구하였다. 현대의 극 공간에서는 보다 향상된 정서를 연출할 수 있는 방법에 대한 요구가 높아지고 있으며 멀티미디어 기술 환경이 급속히 발달함에 따라 무대 연출에 대한 소비자들의 눈높이 또한 높아진 상황이다. 아울러, 기존의 단순한 배경 또는 장소만을 표현하고자 하는 목적에서 벗어나 확장된 공간 연출을 통해 보다 수준 높은 공간 감각적 만족감을 요구하고 있다. 이와 같은 배경에 따라 본 연구에서는 소리와 빛의 본질적인 성질과 이를 수용하는 인간의 감각 기전에 대해 고찰하였으며 소리와 빛을 이용한 극 공간의 연출 방법이 어떤 과정을 거쳐 발전해왔는지를 탐구하였다. 또한, 사실주의에 입각한 고전적인 무대 연출에서 획기적으로 탈피한 아피아와 윌슨, 장예모로 이어지는 이 분야의 대표적인 선행 예술가들의 작품과 활동 사례에 대해 집중적으로 분석하였다. 소리는 물체의 진동이라는 단순한 물리적 현상에 의해 발생하는 것이지만 인간의 청각은 자극의 수용과 함께 심리적 현상의 융합이 이루어지는 복잡한 과정을 통해 작동된다. 특히 소리는 공간적인 표현 및 연출 효과에 있어, 심리적인 효과와 상상력을 크게 자극하는 것으로 나타났다. 빛 또한 소리와 마찬가지로 가시광선 영역의 전자기파라는 단순한 물리적인 현상에 불과하지만 인간의 시각은 빛을 받아들이면서, 공감각적인 내부 작용을 통해 다양하면서도 복합적인 메커니즘을 통해 이를 수용한다. 그러므로 공간을 연출하는 데 있어, 빛과 소리를 어떻게 활용할 것인가의 문제는 이와 같은 소리와 빛의 기능적 본질뿐만 아니라 인간의 자극 수용에 대한 심리적, 공감각적 이해가 선행되어야만 한다. 이와 같은 필요성에 따라 본 연구에서는 소리와 빛 및 이에 대한 청각과 시각의 작동 및 공감각적 수용에 대한 선행 연구들을 면밀히 분석하였다. 연구의 결과, 청각과 시각이 가지고 있는 공감각적 수용 특성은 보고 듣는 이로 하여금 공간적 인지의 확장 및 민감한 심리적 변화를 동반함을 알 수 있었고 이와 같은 특성을 잘 이해하여 적용함에 따라 음향과 조명이 극 연출의 부수적인 기능에서 벗어날 수 있음을 알 수 있었다. 즉, 소리와 빛만으로도 공간의 표현과 극적 효과가 풍부하게 이루어질 수 있으며 기존의 무대 영역에서 탈피한 열린 공간 및 자연환경 자체가 훌륭한 무대 공간이 될 수 있도록 크게 기여할 수 있음을 파악하였다. 선구적 예술가들의 사례를 분석해 보면, 아피아는 고전적인 극장 개념의 공간을 새로운 극 공간으로 확장하였으며 소리와 빛을 어떻게 사용하느냐에 따라 무대 연출을 풍부하게 할 수 있음을 보였다. 그러므로 소리와 빛을 무대 연출을 위해 독립적으로 적용할 수 있는 주요 공간 요소로 인식시켰다. 윌슨은 아피아의 선구적 이론을 깊이 탐구하여 이를 바탕으로 연극적 공간 재료의 확장 및 새로운 기술의 도입을 통해 공간 속에서 소리와 빛을 직접적인 표현 매체로 삼는 데 성공하였다. 아울러, 이를 실제의 극장 공간에 표현하여 높은 극적 효과를 얻은 바 있다. 장예모는 선도 예술가들의 실행 결과물을 바탕으로 극을 야외의 열린 공간 즉, 실경에 도입하는 확장된 무대 개념을 실현하였으며 중국의 아름다운 풍광들을 배경으로 한 작품들을 통해 극 공간을 상상 이상의 획기적 영역으로 확장시켰다. 본 논문의 사례 분석 부분에서는 소리와 빛을 동시에 사용하여 극 공간의 연출 효과를 높일 수 있다는 전제에 따라 이를 기술하였으나 빛과 달리 소리의 경우, 본 논문의 매체 특성 상 가청적인 표현이 불가하여 이를 정확히 표현할 수 없다는 한계점이 있었음을 밝혀둔다. 본 연구의 결론을 요약하면, 많은 예술가들이 다양한 기법들을 발굴하여 적용함에 따라 청각을 자극하는 소리와 시각을 자극하는 빛에 대한 인식의 변화를 주도해왔으며, 이를 토대로 소리와 빛 자체가 독립된 공간 구성 요소로서 충분히 작용할 수 있다는 측면이 재평가되었다는 것이다. 이와 동시에 오늘날의 일상생활공간과 극 공간을 통합하는 새로운 시도를 통해 활력과 감동을 극대화 시키는 신개념의 극 연출 작업이 가능하리라는 것이다. 이러한 연출과 시도를 통해 궁극적으로 새로운 예술적 장르의 기반이 마련 될 수 있을 것이며 인간의 삶에 대한 만족을 풍부하게 해주는 역할을 할 것으로 본다. 이와 더불어, 현재 국내 무대 및 이벤트 현장에서 시도되고 있는 공연 예술적 연출들이 스토리 중심의 한계를 넘어 빛과 소리를 적극적으로 도입한 새로운 기법을 응용한다면 국내뿐 아니라 해외에서도 경쟁력을 갖춘 수준 높은 작품으로 거듭날 수 있으리라 본다. 앞으로 이를 위해 일선 연출가들과 연구자들의 지속적인 노력이 필요할 것으로 판단된다.

현실과 비현실이 공존하는 극적 공간

2021-06-14T09:01:55Z

Title: 현실과 비현실이 공존하는 극적 공간 Ewha Authors: 신정주 Abstract: 현실과 비현실이 대체 무엇이냐는 질문에 자신 있게 답할 수 있는 사람이 과연 얼마나 있을까. 우리는 삶을 살아가며 이 용어들을 쉽게 남발하면서도, 이들이 진실로 무엇인지에 관해서는 진지하게 생각해보지 않는다. 그저 막연하게 현실은 우리가 몸담고 살아가고 있는 실제 세계이고 비현실은 그것과 동떨어진 환상의 영역이라고 여기기 마련이다. 그러나 도널드 위니캇의 ‘놀이’ 개념에 따르면, 인간은 그가 사유할 수 있는 단계에 이르기도 전에 이미 비현실을 현실의 일부로 받아들이며 성장한다. 이 경험으로 인해 놀이하고 싶어 하는 욕망이 이후엔 극적 공간을 체험하고자 하는 욕망으로 발현된다. 대부분의 사람들이 성인이 되면서 때때로 극장이나 영화관과 같은 극적 공간을 경험하는 것에 만족한다면, 예술가들은 여전히 그들의 작품을 통해 극적 공간을 창조하는 사람으로서 존재한다. 그들의 손을 거쳐 탄생하는 예술작품은 그것이 재현의 논리를 아무리 충실히 따랐을지라도 예술가가 현실세계를 사유하여 제시한 비현실에 해당한다. 이처럼 현실에 속하면서도 비현실적인 속성을 지닌 다양한 예술 중에서도 연극은 극장이라는 특수한 공간을 지닌다. 이 공간 안에서 무대 미술가들은 연출의도를 담은 무대를 만들어내고자 현실적 이미지와 비현실적 이미지를 효과적으로 이용해야했다. 구현방법은 저마다 다르지만 그들은 모두 극적 공간을 만들고자하는 같은 목적을 공유한다. 그러나 무대는 관객과의 거리가 물리적으로 고정된 탓에 극의 전달이 용이하지 않은 부분이 있다. 따라서 많은 무대 미술가들은 점차 그들의 무대에서 영화 프레임을 함께 이용하게 되었다. 영화 프레임은 관객의 시야가 미치지 않는 물리적 공간은 물론 배우의 심리적 내면까지도 드러낼 수 있게 도왔다. 현실공간에 매이지 않는 영화 프레임의 자유분방함은 연극 프레임과는 사뭇 다른 영역을 구축했고, 그들은 서로 상생하면서 긍정적 발전을 꾀하였다. 극적 공간을 만들어 내고자하는 본인의 작업 역시 무대를 구현한다는 점에서는 연극적 방식에 해당하지만 시각적 전달에 있어서 영화 프레임을 채택하고 있기에, 연극보다는 영화의 시공간에 관하여 분석을 진행하였다. 특히 본고에서는 다양한 영화중에서도 현실과 비현실의 문제를 심도 있게 다룬 초현실주의와 누보로망에 중점을 두고 있다. 프로이트의 정신분석학에 영향을 받은 초현실주의는 꿈과 같은 무의식을 예술의 방법론으로 채택하여, 현실의 논리를 완전히 파괴함으로써 불가사의하고 비합리한 세계를 드러냈다. 이처럼 초현실주의가 완전히 잠재적인 이미지들로 영화의 시공간을 표현했다면, 누보로망은 들뢰즈의 식별불가능성으로 설명이 가능한 현실과 비현실이 모호하게 공존하는 시공간을 그려내었다. ‘기억’의 흐름을 따르는 누보로망의 무시제(無時制)적 특성은 완전한 현실 아니면 비현실로 양분되어있던 영화 속 시공간의 개념을 크게 바꾸어 놓았다. 현실과 비현실이 뒤섞여 부유하는 누보로망의 극적 공간은 우리가 삶 속에서 종종 겪는 기억이 출현하는 현상과 크게 다를 바 없다는 점에서 독특한 리얼리티를 획득하게 된다. 본 논문을 통해 본인은 인간이 향유하고 있는 현실과 비현실에 관해 이론적으로 고찰하고, 직접 연출한 극적 공간을 통해 모든 사람에게 잠재되어 있는 기억에 생명력을 부여하면서, 현실과 기억이 뒤섞인 세계를 시각적으로 구현하고자 한다. 결국 본 논문은 객관적 현실과 주관적 기억의 공존이 극적 공간을 불러일으키는 매개임을 밝히는 것에 궁극적 의의가 있다.;Despite excessive usages in our daily lives, the terminologies--reality and unreality--are often overlooked, rarely assessed in a critical manner. Often, reality is oversimplified as the physical world in which everyday lives exist, while unreality supposedly represents the distant and mutually exclusive fantastical world. However, according to Donald Winnicott’s concept of ‘playing,’ humans develop in a way that they accept unreality as a part of reality even before the development of consciousness or selfhood. Due to this experience, the desire to play gradually transitions into a desire for experiencing dramatic settings as an individual reaches his or her adulthood. While most individuals satiate such desire through occasional experiences at theatrical spaces, such as playhouses or movie theaters, artists are those who constantly attempt to create dramatic spaces through art. Thus, while art may rely on reality, the art still lies within the realm of unreality. Amongst diverse genres of art that play with the unreality within reality, the genre of play is a kind of art that requires a specific space: the theater. Within the space of the theater, set designers are challenged to strategically make use of both realistic and unrealistic images in order to convey their artistic intentions. While the methods vary from one designer to another, all designers share the common objective to create dramatic spaces in the theatrical spaces. Additionally, all set designers deal with the inconvenience of the entailed physical disconnection and distance between the stage and the audience that the theatrical space inherently embodies. Thus, in order to deal with such difficulty, set designers gradually adopted the use of cinematographic frame in their stage designs. Cinematographic frames in theatrical design aids to not only illuminate the obscured physical space on stage, but also reveal the inner self of the actor or actress to the audience. As the cinematographic frame dismisses itself from realistic space, it is distinguished from theatrical frame. In fact, such coexistence of cinematographic frames and theatrical frames has brought about synergic development for both framing techniques. As for my work, the work lies within the boundary of the play as I have attempted to create dramatic spaces. However, as I have adopted the cinematographic frame for visual communication, I have proceeded my analysis mainly focusing on cinematographic time and space. Especially in the thesis, I intend to concentrate on Surrealism and Nouveau roman, which profoundly pertain to the issue of reality and unreality. Influenced by Proust’s psychoanalytic approach, Surrealism reveals a fantastical and absurd reality, which denies logical sense, by adopting imaginative unconsciousness as its artistic methodology. While Surrealism explores cinematic time and space through potential and virtual images, Nouveau roman illustrates cinematic time and space through the obfuscation of reality and unreality in lieu of Deleuze’s theory of indiscernibility. Nouveau roman’s nontemporal characteristic and its reliance on the flow of ‘recollections’ radically shifted the concept of cinematic time and space by obscuring the previously clear―cut delineation of reality and unreality. Such obscurance of reality and unreality within Nouveau roman has been understood to be analogous to the complications that exist in human reality, thus bolstering the genre to embody a unique reality. In the thesis, I intend to investigate the theoretical aspects of reality and unreality. I aim to visualize an artistic world in which reality and recollections coexist in an intricate manner, in order to tap into the latent recollections that exist in each audience. Overall, the thesis ultimately illustrates the dramatic space as a mélange of objective reality and subjective recollections.