E. Chausson의 《사랑과 바다의 시》 (Poème de l’amour et de la mer Op. 19)에 대한 연구

Abstract

본 논문은 쇼송(Ernest Chausson, 1855-1899)의《사랑과 바다의 시》(Poème de l’amour et de la mer Op. 19)에 대한 연구이다. 19세기 프랑스 작곡가 쇼송은 마스네(Jules-Émile-Frédéric Massenet, 1842-1912)와 프랑크(César Franck, 1822-1890)에게 음악을 배웠고, 바그너(W.R. Wagner, 1813-1883)로부터 선율적인 영향을 받아 독일적 양식과 프랑스적 양식을 혼합하였다. 이러한 영향에 더불어 그는 포레(Gabriel Faure, 1845-1924), 드뷔시(Claude Achille Debussy, 1862-1918)와 같은 동시대 작곡가의 작품에서 보이는 것과 같이, 간결하고 명료한 프랑스 음악의 특징을 기초로, 우아한 선율과 반음계적인 화성, 곡 전체의 분위기를 이끄는 반주부 등 그만의 고유한 스타일을 확립하는 것에 성공하였다. 또한, 시에 음악성을 녹여낸 상징주의 시인들의 작품을 가사로 택하여 시와 음악 간의 밀접한 관계를 환기시켰다. 《사랑과 바다의 시》는 1882-1893년에 작곡된 작품으로, 피아노 반주로 된 버전과 오케스트라 반주로 된 버전이 존재하며, 곡의 규모가 크다. 또한, 반주 악기를 위한 간주곡이 삽입되는 등 초기 가곡에서 볼 수 없는 독특한 특징이 나타난다. 가사는 쇼송과 친구였던 모리스 부쇼(Maurice Bouchor, 1855-1929)의 시집 『사랑과 바다의 시들』(Les poèmes de l’amour et de la mer, 1876)에서 가져온 것으로, 추억이 주요한 시적 주제가 되어 과거에 대한 향수와 상실감, 허무함을 강조하였다. 《사랑과 바다의 시》는 제1곡과 간주곡, 제2곡, 에필로그로 구성된 연가곡으로 제1곡은 세 개의 시, 제2곡은 두 개의 시가 한 곡에 사용되었으며 시의 구성에 따라 반주부의 짜임새와 패턴의 변화를 보인다. 또한, 쇼송은 반주 악기로만 구성된 간주곡을 제1곡과 제2곡 사이에 삽입하였는데, 이전의 곡에서 암시되었던 주제가 완전히 등장한다. 프랑크의 영향으로 순환형식을 도입하여, 간주곡의 주제를 제2곡과 에필로그에 사용함으로써 간주곡은 곡 전체를 통일시키는 구조적 역할을 하면서, 각 곡 간의 유기적인 연결성과 결말을 암시하였다. 쇼송은 시어의 진정한 뉘앙스를 표현하기 위하여 음악의 관습적인 규칙에 얽매이지 않았다. 음악의 관습 대신 시의 내용과 형식을 중시한 결과, 그의 선율과 리듬, 프레이즈는 오직 시의 내용에 적합하게 되었다. 기존의 전통인 짝수 마디 프레이즈를 고수하는 대신 홀수 마디의 선율, 종지의 지연과 회피 기법을 자유롭게 활용했다. 불안하거나 두려운 화자의 감정은 붙임줄과 쉼표로 강박을 대체하여 모호해진 박자감과 프레이즈의 중첩(elison), 불명확한 종지 등으로 인해 불규칙해진 프레이즈의 길이 등으로 묘사되었다. 시의 분위기와 화자의 감정을 표현하기 위하여 조성 안에서 원격조로의 예기치 않은 전조와 함께 감7화음과 반감7화음, 증6화음 등의 변화화음을 적극적으로 사용하였다. 특히 시의 구성을 반영하여 그에 따라 변화하는 반주부의 패턴과 공통된 감정을 공유하며 마무리짓는 각 부분의 간주와 후주가 특징이다. 이렇게 이 곡의 반주부는 대규모 연가곡 전체의 분위기를 조성하고 유지했다.;This thesis is an analytical study of Poème de l’ amour et de la mer Op. 19 by Ernest Chausson. Chausson, a French composer during the 19th century, studied music under Jules Massenet(1842-1912) and Cesar Franck(1822-1890), and also had been influenced by Richard Wagner(1813-1883). Therefore, he combined French and German styles. Furthermore, he established his musical style which features elegant melodies, chromatic harmonies, as well as the initiative of the accompaniment in setting whole atmosphere of music. They were based on the simple and clear characteristics of French music like the compositions of Gabriel Faure and Claude Debussy. And he emphasized the close relationship between poetry and music by taking texts from Symbolists' poetry which contains musical elements. Poème de l’ amour et de la mer Op. 19 was written during 1882–1893. There are two versions of this song cycle : One is for voice and piano and the other is for voice and orchestra. This song cycle is in large scale, displaying unique characteristics like diverse dramatic expressions, inserting and highliting Interlude only for orchestra. This technique had never appeared in precedent song cycles by any other composers. The text of Poème de l’ amour et de la mer Op. 19 was taken from a poetry, Les poèmes de l’amour et de la mer (1876) written by Maurice Bouchor. Since the memories in Bouchor’s poems became a major poetic theme, Chausson’s work evoked nostalgia, loss, and emptiness for the past. The song cycle Poème de l’ amour et de la mer Op. 19 which consists of the two songs, utilizes three poems for the first song while two poems for the second song. The texture and pattern of the accompaniment continue to change, reflecting the structure of each poem. In addition, Chausson inserted an instrumental Interlude only for the accompaniment between the first and second song, presenting the melodic themes only implied in the previous songs now in its entirety. The melodic theme of the Interlude reappears both in the second song and the epilogue as a Cyclic theme, influenced by his teacher Franck. Thus, Interlude implies organic relation between the movements and its conclusion, playing an structural role in drawing unity. Chausson had never been obsessed by the conventions of music in order to express the true nuance of a poem. His melodies, rhythms, and phrases were suitable only for the content of the poem, valuing the content and form of the poem instead of following the traditions of music. In addition, his odd-measuring phrases, delayed cadences and evaded cadences substituted the traditional compositional techniques. He depicted the narrator’s anxiety or fear by irregular phrases with elisons, ambiguous cadences, and irregular rhythms in which downbeats replaced by ties and rests. Moreover, he used unexpected modulations to remote keys and plenty of altered chords such as diminished 7th chords, half-diminished 7th chords, and augmented 6th chords in order to express the mood of a poem and the feeling of a narrator. In particular, he achieved a mutual combination of poem and music through the accompanimental patterns that changes reflecting the structure of the poem. He also made the Interlude and the postlude of each part share the common emotions. Thus the accompaniment in this song cycle created and maintained the atmosphere of this large-scale work.