뮤지컬 「숲속으로」 분석을 통한 스티븐 손드하임의 음악적 특징 연구

Abstract

스티븐 손드하임(Stephen Sondheim, 1930~)의 작품은 뮤지컬을 연구하는 사람들이나 매니아 층에게는 가치를 충분히 인정받고 있지만 대중들에게는 그렇지 못하다. 기존의 상업적인 흥행 방식을 따르지 않고 작품마다 새로운 형식을 시도하며 자신만의 독특한 음악어법으로 극과 음악을 대등하게 풀어나가는 스티븐 손드하임의 음악적인 전개방식이 선율에 비중을 두어 뮤지컬을 대하는 대중들에게는 아직 익숙하지 않기 때문이다. 브로드웨이에서는 뮤지컬을 논할 때에 과감한 음악적 시도로 주제를 전달하는 방식에 있어 음악을 적극적으로 개입시키며 당시 뮤지컬의 흐름을 이끌었던 대표적인 창작자 중 하나로 스티븐 손드하임을 거론하고는 한다. 스티븐 손드하임이 가장 활발히 활동했던 시기의 작품으로는「컴퍼니(Company, 1970)」,「폴리스(Follies, 1971)」,「스위니 토드(Sweeney Todd, 1979)」,「숲속으로(Into the Woods, 1987)」등이 있는데 이 중「숲속으로」는 총 2막으로 구성되며 23곡의 넘버로 이루어져 있다. 뮤지컬 「숲속으로」에서 스티븐 손드하임은 등장인물의 갈등을 풀어나가는 데에 특정한 선율과 박자의 변화 등 음악적 요소들을 사용하였고 음악과 가사가 밀착되어 있는 지점에서 나타나는 음악형식의 확대와 스티븐 손드하임 만의 나타냄 말을 만들어 가사의 정서를 음악적으로 표현하는 등 그만의 음악어법을 보여주고 있다. 「숲속으로」는 서정적인 선율에 비중을 두기 보다는 극의 흐름에 중점을 두고 있다. 따라서 가사의 의미 전달이 음악의 전개 방식을 좌우하며 스티븐 손드하임은 다른 작품에서와 마찬가지로 여기에서도 직접 작사에 참여하며 극의 흐름을 음악이 주도하는 데에 노력을 기울인다. 또한 제임스 라파인(James Lapine, 1949~)과 작품에 대하여 소통한 결과 네 개의 동화 속 주인공 신데렐라, 잭, 라푼젤, 빨간 모자가 같은 날, 같은 공간에서 등장한다는 설정으로 다른 작품과의 차별화를 시도한다. 여기에서 등장인물은 소망을 통하여 자신의 성장과정을 보여주고 관객들은 극이 전개되는 과정에서 스티븐 손드하임이 음악적으로 극을 풀어나가는 방식에 호감을 갖게 된다. 1막과 2막의 음악적인 구성을 가지는 「숲속으로」의 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 1막과 2막에 독립적인 상황을 설정하고 오프닝과 피날레가 각각 9개와 4개의 파트를 가지는 등 독특한 곡의 진용으로 기존 뮤지컬의 형식을 확대한다. 둘째, 중요한 대상이나 등장인물에게 각각의 선율을 부여하고 극 전반에 걸쳐 활용하여 관객이 극의 전개에 집중할 수 있도록 도움을 준다. 셋째, 오케스트라가 등장인물의 심리상태를 반영하거나 악기 특유의 음색으로 인물의 캐릭터 구축에 도움을 주는 등 극에 적극적으로 개입한다. 넷째, 정해진 몇 가지의 반주 형태를 반복하여 작품의 음악적인 통일성을 유지한다. 다섯째, 중요한 의미를 담은 가사를 연결구에 배치시킴으로써 단순히 음악을 연결시켜주는 기본적인 개념에 대한 연결구의 범위를 확장시킨다. 여섯째, 가사의 억양을 음가로 악보화 하고 음절에 맞는 박자의 변화나 가사 내용에 따른 나타냄 말을 사용하는 등 가사의 의미 전달을 극대화한다. 분석의 결과 스티븐 손드하임은 극에서 음악적인 요소를 찾고 음악 안에서 극을 전개시킬 수 있는 단서를 찾으며 단서를 통하여 인물의 캐릭터를 구축하는 등 극을 곧 음악으로 인식하는 작업의 과정을 끊임없이 시도하는데, 이것은 창작자들 간의 의사소통이 없이는 불가능한 방식이다. 실제로 브로드웨이에서는 뜻이 맞는 창작자들이 여러 작품을 함께 하며 그들의 작품세계를 보여주는 경우가 대부분이다. 국내에서 뮤지컬을 창작하는 한 사람으로서 가장 어려운 점은 창작자들 간 의사소통의 기회가 충분히 주어지지 않는다는 것이다. 사전 제작 기간이 길지 않아서인 경우도 있지만 뮤지컬을 창작하는 사람들의 기본적인 태도가 가사와 음악을 독립적인 요소로 접근하는 창작 과정에 길들여져 있는 경우가 많기 때문이다. 스티븐 손드하임의 음악어법은 극을 풀어나가는 방식이 곧 음악이 전개되는 방식과 일치하는 것을 보여주는 결과물이고 여기에서 소통의 중요성은 더욱 절실해짐을 알 수 있다. 작품분석을 통하여 스티븐 손드하임의 음악어법에 접근하고자 하였던 본 논문이 뮤지컬이라는 장르의 입지를 국내에서 더 확고히 하고자 노력하는 창작자들이나 뮤지컬 관계자들의 사고에 작은 전환점이 되었으면 하는 바람이다.;Stephen Sondheim(1930-)'s works are fully recognized by musical researchers and musical maniacs, but that's not the case among people in general. He has continued to attempt a new form of music whenever he compose a new work instead of merely sticking to typical success- winning practices, and he gives an equal weight to drama and music by using his own unique musical language. Those who focus on melodies when they view a musical are unfamiliar with his way of musical development. On Broadway, Stephen Sondheim is rated among the best composers who take the initiative in musical and make bold attempts to convey the theme mainly through music. There are several works that he composed while he took the most active role in musical: "Company(1970)," "Follies(1971)," "Sweeney Todd(1979)," and "Into the Woods(1987)." Out of these works, the work "Into the Woods" was analyzed in this study, which consisted of two acts and 23 songs. In the musical "Into the Woods," Stephen Sondheim made use of musical elements such as particular melodies and changing beat to resolve the conflicts among the characters. The form of music was extended at a time when there were close links between the music and words, and he created his own espression mark to express the emotion of the words in a musical way. Indeed, he showed his own unique musical language in this work. This musical centered around the flow of drama rather than lyric melodies. Accordingly, the method of development hinged on how to convey the meaning of the words. Like his other works, he tried to let music take the initiative in the flow of drama by being directly involved in lyric making. Also, he communicated with James Lapine(1949-) to make this work differentiated from other works by making the main characters of four fairy tales who were Cinderella, Jack, Rapounzel and Red Hat appear in the same space on the same day. At that time, the characters talked about their own desires to show an audience how they grew up, and spectators get to have a good feeling toward the composer's musical way of unfolding the drama. As a result of analyzing this musical of two acts, the following findings were given: First, the situations of Act 1 were separated from those of Act 2, and there were respectively nine and four parts in the opening and finale. Thus, the music of this musical is very peculiar, which serves to enlarge the existing form of musical. Second, the characters and significant objects were given their own melodies, and these melodies were utilized in every part of the musical so that spectators could concentrate their attention on it. Third, the orchestra is actively involved in the musical by implicitly describing the psychology of the characters or by playing up the unique tone color of instruments as a means to stress the personality of the characters. Fourth, several fixed types of accompaniment were repeated to guarantee the musical unity of the work. Fifth, important words appeared in bridge to extend the function of bridge that was basically to connect music. Sixth, a musical score was prepared to show the accent of the words based on their note value. Sometimes the change of beat was attempted in accordance with the given syllables, and sometimes espression mark was used in accordance with the words. Thus, the composer tried to make an audience grasp the meaning of the words as much as possible. Stephen Sondheim made ceaseless attempts to make drama perceived as music by looking for musical elements in drama, by looking for a clue about how to develop drama through music and by building up the personality of the characters through the clue. This is impossible to do without communication among creators. As a matter of fact, creators who well understand each other mostly compose works together to unveil their world of music on Broadway. As one of musical composers, this researcher find it most difficult to communicate with other composers due to lack of opportunities in our country. One of the reasons is that the length of prior production is not long enough, but that's mainly because musical composers basically familiar with the existing way of composition that regards words and music separately. Stephen Sondheim's musical language is a good example to show that the way of developing drama is identical to that of developing music, and it clearly indicates the importance of communication. This study that attempted to analyze Stephen Sondheim's works to look into his musical language is expected to serve as an opportunity for musical composers and people concerned who try to make the genre of musical entrenched in our country to change their mind-set.