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1960년대 미국 ‘네오아방가르드’ 미술에 나타난 몸의 전략

Title
1960년대 미국 ‘네오아방가르드’ 미술에 나타난 몸의 전략
Other Titles
The Body as a Strategy in the American 'Neo-Avant-Garde' Art of the 1960s
Authors
조수진
Issue Date
2013
Department/Major
대학원 미술사학과
Publisher
이화여자대학교 대학원
Degree
Doctor
Advisors
윤난지
Abstract
현대 미술의 역사 속에서 아방가르드 미술가들은 제도화된 예술과 그것의 자율성을 부정하며 예술과 삶의 통합을 지향해 왔다. 본 논문은 이런 아방가르드의 전통 가운데 20세기 후반의 아방가르드 미술 운동, 즉 ‘네오아방가르드’로 불리고 있는 1960년대 미국 미술 경향의 연구에 초점을 맞추고 있다. 네오아방가르드 미술은 추상표현주의로 대표되는 형식주의 모더니즘 미술에 대항하기 위해 독자적인 시각양식을 추구했는데, 그것은 바로 모더니티의 형이상학적 이원론에 구애받지 않으며 삶의 영역에 속하는 실재로서의 ‘몸’에 근거한 시각이었다. 즉 네오아방가르드 미술은 추상적인 미학적 이상 대신 몸의 정치적 유효성을 그 예술의 존재 가치로 삼았던 것인데, 이런 변화된 가치관의 근저에는 바로 20세기 초반 유럽의 아방가르드 미술 이후 다시 등장한 몸에 대한 관심이 있었다. 본 논문은 1960년대 미국의 네오아방가르드 미술과 몸의 상호 관계를 시대적 맥락 속에서 고찰하기 위해, 페터 뷔르거의 네오아방가르드 개념이 미국 연구자들에게 도입된 경위 및 네오아방가르드 미술이 등장하게 된 시․공간의 특징과 그 미술가 주체의 성격을 살펴보았다. 또한 20세기 미술사 속에서의 몸의 위상을 검토하는 가운데 그것이 모더니즘 미술에 대한 저항의 계기로 채택되어간 과정을, 네오아방가르드 미술 실천의 다양한 양상 속에서 추적해 보았다. 그 결과 네오아방가르드의 기획의 요체는 몸을 통한 기성 미술제도 비판에 있었으며, 네오아방가르드 미술에서 몸은 후기 자본주의 사회의 속성을 드러내는 동시에 그것에 저항하는 상징적 장소로서의 역할을 수행했다는 사실이 밝혀졌다. 이는 몸이 지닌 애매모호함과 다원성이 후기 자본주의 사회의 중심적 사고방식과 질서를 유동화 하는데 적합했기 때문이었다. 네오아방가르드 미술가들은 퍼포먼스를 형식주의 모더니즘에 대항할 가장 급진적인 미술 형식으로 채택하고, 세속적인 행위를 수행함으로써 자본주의 체제의 상업주의로부터 예술을 구원하고자 했다. 또한 이들은 스스로를 정신과 몸이 결합된 몸-주체로 설정하고 작품 속에서 여러 정체성을 담지한 몸을 드러냈는데, 이는 그 자체로 당대 사회의 규범에 도전하는 행위였다. 나아가 네오아방가르드 미술가들은 모더니즘 미술이 구체적 현실의 문제들을 떠난 것에 반발하고, 시위를 통해 자신들의 몸을 권력에 저항하는 당대 대항문화의 의제들을 표현하는데 사용했다. 그 결과 이들의 정치적 행동주의 퍼포먼스에서 몸의 전위적 의미는 제도권 미술의 경계를 넘어서는 영역으로까지 확장되었다. 한편 관람하기(beholding)의 새로운 감수성을 제시함으로써 형식주의 모더니즘의 시각중심주의에 도전한 네오아방가르드 미술가들도 있었다. 미니멀리즘 미술에서 몸-주체로서의 관람자는 작품과 실제의 시․공간 속에서 상호 교류하며 그것을 몸으로 지각하게 되는데, 이 과정에서 미니멀리즘 미술가들과 신무용가들의 협업을 통해 발생한 운동감각적인 몸에 대한 인식이 주된 역할을 담당했다. 네오아방가르드 미술의 몸의 전위성은 또한 회화나 사진 작품의 몸 이미지에서도 나타났다. 그 이미지는 몸의 일부분을 눌러 찍거나 석고로 주조물을 제작하고 미술가의 행위를 사진과 영상으로 기록한 지표적인 기호들로서 전통적인 몸 도상과는 구별된다. 미술가 주체와 분리된 기호로서의 몸 이미지는 미술이 정신주의에 경도되었던 모더니즘의 시대에서 물질성에 기초한 포스트모더니즘의 시대로 이행해가는 상황을 반영했다. 네오아방가르드 미술은 유럽 아방가르드의 예술적 유산을 바탕으로 형식주의 모더니즘 미술에 도전했으며 그 과정에서 오늘날의 미술에까지 영향을 미친 여러 예술적 시도들을 창출해냈다. 이 같은 사실로 네오아방가르드 미술을 모더니즘을 부정하거나 극복하려는 위반적인 포스트모더니즘 미술의 선례로 파악할 수 있다. 즉 이 미술은 몸을 통해 예술과 삶의 관계를 재정립하고 당대의 엘리트 문화인 추상표현주의 미술에 도전함으로써 포스트모더니즘으로 나아가는 모더니즘의 창조적 파괴자가 되었다. 네오아방가르드 미술은 20세기 미술사의 주요 영역을 형성해 온 아방가르드 미술 전통의 수립에 기여하면서, 유럽 아방가르드 미술의 단순한 반복 이상의 의미를 지닌 아방가르드주의의 새로운 양상을 선보였던 것이다. ;In the history of contemporary art, avant-garde artists have insisted on the fusion of art and life and their rejection of both institutionalized art and its autonomy. This paper places focus on the avant-garde art movement of the second half of the 20th century in particular, the American art movement of the 1960s called the 'neo-avant-garde'. Neo-avantgardists sought to create their own visual language in their opposition to the formalist approach of modernist art representatively exemplified by Abstract Expressionism. They refused to be bound by the metaphysical dichotomy of modernity and instead based their artistic contention on the politics of the 'body' as the real, which belonged to the realm of life. In other words, neo-avant-garde artists found the raison d'être of their art in the political validity of the body rather than abstract aesthetic ideals. This change in the sense of values was fostered by the interest in the body that had been reinvigorated since the proliferation of the European avant-garde in the early 20th century. In order to examine the rapport between the American neo-avant-garde of the 1960s and the element of the body in the context of the period, this article looks into how Peter Bürger's notion of 'neo-avant-garde' was introduced to American scholars and critics, the peculiar lineaments of the time and space in which the neo-avant-garde movements emerged, and the nature of neo-avant-garde artists as subjects. It also delves into the status of the body in the history of 20th-century art and explores the process through which the body was chosen as the integral strategic factor for their resistance to modernist art by observing the diverse artistic practices of the neo-avant-garde. This inquiry has revealed that the core objective of the neo-avant-garde was to attack the then institution of art by activating the body, which played a pivotal role in disclosing the attributes of the post-capitalist society and at the same time functioned as a site of symbolism in denying them. This was because the ambiguity and plurality of the body facilitated the fluidization of the core paradigm and order of the post-capitalist society. The neo-avant-garde turned to the form of performance as a radical means to oppose formalist modernism and carried out vulgar actions in their performances in order to rescue art from the commercialism of the capitalist system. In addition, they defined themselves as embodied subjects whose mind and body form a nexus and enacted the body that possessed different identities in their works while defying the social norms of the time. Furthermore, neo-avant-garde artists repudiated modernists' divorce from concrete realities and used their bodies as a form of protest against the authority of the prevailing political structures so as to address the countercultural agendas of the time. As a result, the avant-gardism of the body in their political activist performances extended itself outside the boundary of the then institutionalized art. Meanwhile, some neo-avantgardists challenged formalist modernists' emphasis on vision by presenting a new sentiment of beholding. In Minimal Art, viewers as embodied subjects interact with works of art within the real space-time and perceive them with their body. Here, the central agent was the perception of the kinesthetic body that was generated by the collaboration between Minimalists and the so-called 'New-Dancers'. The avant-gardism of the body in neo-avant-garde art was also found in the images of the body in paintings and photographs. The images are indexical in the respect that they were produced by imprinting certain parts of the body, by making plaster casts of body parts, and by taking photographs and videos of artists' actions. Thus, they are differentiated from conventional body icons. The images of the body as symbols separated from artists as subjects are reflective of the transition in art from modernism whose emphasis was given to ideals to postmodernism that insists on the preeminence of materiality. Having been influenced by European avant-garde artistic heritages, the neo-avant-garde challenged formalist modernist aesthetics, and in the process their artistic activities gave birth to various artistic tendencies that had an impact on today's artistic endeavors. This enables one to understand neo-avant-garde art as a precedent of disobedient postmodern art that attempts to dispute or overcome modernism. That is to say, this art redefined the relationship between art and life through its utilization of the body and established itself as the creative destroyer of modernism that paved the way for the development of postmodernism by challenging Abstract Expressionism, which was the dominant high culture of the time. The neo-avant-garde contributed to the establishment of the tradition of avant-garde art, which wrote the essential chapters of 20th-century art history, and unfolded a new phase of avant-gardism by moving beyond a mere repetition of European avant-garde art.
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