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Carl Orff의 scenic cantata 'Carmina Burana' 에 대한 연구

Title
Carl Orff의 scenic cantata 'Carmina Burana' 에 대한 연구
Authors
백효선
Issue Date
2004
Department/Major
교육대학원 음악교육전공
Publisher
이화여자대학교 교육대학원
Degree
Master
Advisors
이귀자
Abstract
Carl Orff (1895-1982) was a modern music composer who represented the German music as well as a music educator. His music tended to be simple, unlike his contemporary music styles such as ton-row music, electronic music or impromptu music., etc., and was too unique to be imitated, but was always appealing anew to the majority of the audience. Orff was not constrained by such music tendencies dominating the first half of the 20th century as Impressionism, Expressionism or Neo-classicism only to insist on his own consciousness and thereby, create some original techniques focusing on fundamentalism and simplicity. His aboriginality shows another creativity different from Igor Stravinsky's (1882-1971) aboriginality based on strictness and artificially organized complexity. Namely, Orff's aboriginality attempted to search for an essence of music through the prototype human experiences of music, namely rhythm and repetition. Above all, Orff's music pedagogics aimed at development of creativity and impromptu and thereby, attempted to find an essence of art in men's instinct of play by emphasizing that words and songs, poems and music, music and actions, or play and dance could not be distinct from each other. The purpose of this study is to review and analyze the pure chorus part of Orff's "Carmina Burana" and thereby, help students understand the music educator Orff and appreciate his modern choruses correctly and favorably. To this end, the researcher reviewed the characteristics of Orff's music and pedagogics, and then, analyzed 10 mixed vocal choruses of "Carmina Burana". The results of this study can be summarized as follows; 10 mixed vocal choruses appear in "Carmina Burana" consisting of 3 parts or 25 pieces. Each piece of chorus has a free form with two or three parts depending on contents of music or stories regardless of its length, and many of the pieces show a prelude. And some pieces show the same part repeated twice or three times. For the materials of scale, major or minor tonal system are used together with such church melodies as Acolian or Dorian, while a dual tonality with two tones combined vertically or a dual mode with two melodies combined vertically appear frequently. His harmonic structure was grounded basically on the traditional harmonics; most of his works use the chords centered about I and V, and their interval structures are centered about 8th chord melodies including 2nd, 3rd and 5th chords. In addition, repetitive continued chords, major scales and modes are interlinked with each other to produce certain rhythm patterns and repeating phrases in a varying but unified way. Moreover, the fact that he continued to use harmonics, rhythms and melodies for clear text messages implies that his chorus techniques were very unique. In view of orchestral characteristics, he organized orchestra in diverse ways to maximize the musical expressions depending on stories, and in particular, two pianos play an important role, being used frequently. Besides, he also used the percussions effectively. All in all, Orff's music belongs to modern music essentially, but it is simple and repetitive, being different from the dominant or complex modern music styles. Lastly, it is hoped that this study which reviews and analyzes Orff as music educator and his model work will provide for some useful data for students. ;칼 오르프 (Carl Orff, 1895-1982)는 독일의 대표적인 현대 작곡가이면서 음악 교육자이다. 그의 음악은 동시대 음악의 유형인 음열 음악, 전자음악, 우연성 음악들과는 달리 단순화하려는 경향을 나타내며 다수의 청중에게 항상 새로운 것으로 받아들여지는 그 누구도 모방할 수 없는 독특한 작곡양식이라 할 수 있다. 오르프는 20세기 전반기를 지배한 인상주의(Impressionism)음악, 표현주의(Expressionism)음악, 신고전주의(Neoclassicism)음악 등에 얽매이지 않고, 스스로의 의식을 고수하여 독창적인 기법을 만들어 가는 기초성과 단순성을 가장 중심에 두고 있다. 그의 원시주의는 엄격성과 인위적으로 조직된 복합성을 바탕으로 삼는 스트라빈스키(Igor Stravinsky, 1882-1971)의 원시주의와는 또 다른 창의력을 보여주는데 인간의 음악적 경험의 원형인 리듬과 반복적인 수법을 통하여 음악의 본질을 찾으려고 하였다. 또한, 음악교육의 첫째 목적을 창조성과 즉흥성 계발에 두었으며 말과 노래, 시와 음악, 음악과 동작, 놀이와 춤은 나뉠 수 없는 것이며 예술의 본질 또한 인간의 놀이 본능에서 찾으려 하였다. 본 논문에서는 중·고등학교 음악 감상 제재곡으로 널리 활용되고 있는 오르프의 「Carmina Burana」의 순수 합창곡만을 분석 · 연구함으로써 학생들에게 음악교육자인 오르프에 관한 이해와 현대 합창곡을 올바르고 친숙하게 감상 할 수 있도록 하는데 그 목적이 있다. 본 연구의 구성내용은 오르프의 음악적 특징과 교수법, 그리고 「Carmina Burana」의 혼성 합창곡 10곡에 관한 분석으로 이루어지며 이러한 연구의 결과는 다음과 같다. 전체 3부의 총 25곡으로 이루어진 「Carmina Burana」에는 10곡의 혼성합창곡이 등장한다. 각 곡의 형식은 길이에 관계없이 음악과 가사의 내용에 따라 두 개나 세 개의 부분으로 나뉘어 지는 자유형식이며 서주부를 갖는 경우가 많다. 그리고 같은 부분을 두, 세 번 그대로 반복하는 형태로 구성되는 곡도 있다. 음계적 소재로는 장, 단조의 조성체계를 비롯하여 Aeolian, Dorian 등의 교회선법이 나타나며, 두 조성이나 선법이 수직적으로 결합되어 나타나는 복조성과 복선법성이 자주 보여 진다. 오르프 음악의 가장 큰 특징은 동일 리듬과 화음패턴의 집요한 반복으로 볼 수 있다. 화음구조는 근본적으로 전통화성에 기반을 둔 것으로 대부분의 곡들이 Ⅰ도와 Ⅴ도를 중심으로 화음을 구성하고 있으며 음정구조 또한 2도, 3도, 5도를 포함한 8도의 선율진행을 중심으로 하고 있다. 여기에 반복적 지속화음과 장 ·단음계와 선법의 결합 등이 서로 연결 지워짐으로써 일정한 리듬패턴과 계속 반복되는 악구로 변화와 통일을 이루었다. 또한 텍스트의 확실한 전달을 위한 방법으로 화성, 리듬, 선율에 이르기까지 지속적인 방법을 사용했다는 점은 합창음악의 독특한 기법이라 할 수 있다. 관현악적 특징으로는 가사에 따른 음악적 표현의 극대화를 위하여 관현악 편성을 다양하게 사용했으며, 두 대의 피아노가 중요한 역할을 담당하며 자주 등장한다. 이외에도 타악기의 효과적인 사용도 보여 진다. 이와 같은 내용을 종합하여 볼 때 오르프 음악의 본질은 현대음악의 범주에 속하면서도 현대음악의 복잡하고 지배적인 음악스타일과는 다른 단순하고 반복되는 구조라고 할 수 있으며, 음악교육자로서의 오르프에 관한 이해와 「Carmina Burana」의 분석연구는 학생들에게 좋은 자료가 될 것이다.
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