에바 헤세(Eva Hesse) 작품에서 나타난 자아 정체성 탐구

Abstract

본 논문은 에바 헤세(Eva Hesse, 1936-1970)의 작품을 자아 정체성의 탐구라는 측면에서 바라본 연구이다. 헤세가 1970년 34살의 나이에 병으로 요절한 이후, 그녀의 죽음은 그녀에게 '비운의 작가'라는 신화적인 타이틀을 부여하였다. 이것은 나찌 지배 하의 독일 탈출, 어머니의 자살, 남편과의 이혼 등 그녀의 범상치 않은 삶의 이력들로 인하여 더욱 가속화되어, 헤세의 작품을 '숭고'의 영역으로 몰고 가는 움직임마저 낳았다. 본 고의 일차적 목표는 그녀의 개인사로부터 유용한 정보들을 취하되, 작품 해석의 초점을 '비극성'이 아니라 그것의 진정한 가능성과 의미를 밝혀내는 데에 둠으로써 헤세의 주위에 조성된 감상적 신화를 제거하는 것에 있다. 헤세는 미니멀리즘이 성행하던 1960년대 중, 후반 뉴욕을 중심으로 활동했던 작가로 흔히 미니멀리즘, 혹은 후기 미니멀리즘에 속하는 것으로 분류되어 왔다. 헤세의 작품에서 나타나는 사각형, 그리드(grid), 큐브(cube)와 같은 기하학적 형태들의 반복은 미니멀리즘과의 연계를 보여준다. 그러나, 동시에 나타나는 유기체적이고 표현적인 형태들, 그리고 반복적 구성 안에 내재한 변이 등은 그것을 명백하게 넘어서고 있다. 이러한 특성들로 말미암아 헤세의 추상 형태들은 털, 머리카락, 가슴, 남근 형상 등을 환기하면서 인간의 신체이미지를 연상케 하는데, 이는 살의 질감과 피부의 감촉을 불러일으키는 라텍스, 유리섬유 등의 재료들의 사용과 맞물려 더욱 강화된다. 필자는 이러한 점에 주목하고, 신체 이미지를 통하여 그녀의 작품을 새롭게 해석할 수 있는 가능성을 보고자 하였다. 신체는 주체가 세계와 접촉하여 관계를 형성하는 매개체이며, 내가 감지하고 경험하는 것들이 일차적으로 각인되는 장소이자 실제적 행위를 통해 '나(the Self)'를 드러내는 도구로서의 역할을 한다. 따라서, 신체는 정체성을 발현하는 일차적인 사이트라 할 수 있다. 필자는 이러한 점과 더불어 헤세가 여타 미니멀리즘 작가들과는 달리 작품을 손수 제작함으로써 자신의 손끝을 통하여 작품에 사적 경험들과 주관성을 불어넣었다는 점과 그녀가 삶과 미술은 함께 하는 것임을 염두에 두고 있었다는 점, 그리고 그녀가 남긴 일기와 메모에서 삶의 상처와 고통들을 자아 정립의 과정을 통하여 넘어서고자 한 흔적이 뚜렷이 발견된다는 사실에 근거를 두고, 헤세의 작품에서 나타나는 신체 이미지가 자아 정체성 탐구의 장임을 제기하고자 한다. 헤세가 작품을 통해 자아를 드러내고 탐구하는 방식은 매우 양면적이다. 이는 일련의 사건들을 통하여 삶의 모순성, 나아가 이를 이해하고 받아들이는 자아의 양면성을 인식한 데에서 비롯된 것으로 여겨지는데, 헤세는 이를 상처 입은 신체 이미지를 통하여 자신의 정신적인 상처를 표현하는 한편, 이를 통해 상처를 직시하고 그것의 치유 방안을 모색하는 것, 가슴, 자궁 등의 여성 신체 모티프에서 나타나는 결핍과 충만의 이미지를 통하여 자신의 여성으로서의 실체를 파악하는 것, 인간 관계를 암시하는 줄 모티프의 침투와 유대의 속성을 통하여 인간 관계 속에 내포된 이중성을 탐구하는 것, 대립되는 추상 형태 요소들의 혼용을 통하여 삶의 모순을 표출하는 것 등, 작품에 양면적인 요소들을 도입함으로써 구현하고 있다. 이와 같이, 헤세의 작품은 기하학적 형태와 같은 견고한 추상 형태 속에 신체 이미지를 함축하여 자신의 구체적인 경험과 자전적 삶을 표출하는데, 이것은 추상 형태 안에 구상적이고 암시적인 특성을 부여할 수 있는 가능성을 보여주는 것이자, 작품에서 외현적 의미를 제거하여 냉정하고 이성적인 미술을 표방하는 기존 미니멀리즘을 넘어선, 보다 확장된 영역의 미니멀리즘을 제시하는 것이라고 볼 수 있다. 또한, 삶의 상처와 고통을, 그것을 추상 언어에 힘입어 예술 작품으로 승화시키고, 작품을 통해 자아의 정립을 추구함으로써 넘어서고자 하는 이러한 시도는 예술이 작가의 상처 치유와 자아 정체성 확립에 기여할 수 있음을 보여주는데, 이러한 점들로부터 헤세의 미술이 가지는 특성과 의의를 찾을 수 있을 것이다.;This thesis approaches the works of Eva Hesse(1926-1970) as expressions of the artist's search for self-identity. When disease took the life of Hesse at the age of 34, Hesse was given the legendary title of "the Unfortunate Artist." This title gave way to various interpretation of her works as "sublime" in association with her extraordinary life; her escape from the Nazi regime, her mother's suicide, divorce from her husband etc. The primary objective of this study is to obtain necessary information from Hesse's personal life and approach her works not as an expression of her "tragic" life but to as an expression of some truer, deeper meaning not necessarily "legendary." Hesse's works were categorized as both Minimalist and post-Minimalist, having produced works in the 1960's in New York when Minimalism was the main trend. The repetition of geometric forms such as squares, grids and cubes show her engagement with Minimalism. But the organic and expressive forms and variations of repetitive units/structures show that Hesse had transcended the norms of Minimalism adding a very personal character to the works. Because of this, Hesse's abstract forms implicitly depict parts of the human body- hair, breast and phallus and recall the human body. This is then reinforced by her use of materials such as latex, glass fiber which can be associated with the touch of human skin. The fact that the human body appears as the main theme in most of her works from her early period to her most active period of production also provides great persuasiveness to this assumption. With this point in focus, this thesis seeks to interpret Hesse's works and her depiction of the human form in a new perspective. The human body is the medium in which a persona forms relationship with the world. It is also the primary location where one's experiences are impressed and the tool that is used in the expression of Self. Therefore, one could say the body is the primary site through which the one's self identity is manifested. In addition to this understanding of the body, this thesis proposes the human body in Hesse's work as being the arena in which the artist searches for her self identity based on the following facts: Unlike other Minimalist artists, through personal involvement in the production of her works, Hesse added to them her individual experiences and subjective opinions; To Hesse, art and life was one and the same. In art was life embodied; Hesse's diary and memos provide vivid examples of her efforts to transcend life's hardships and pain through redefined self-identity. Hesse implements in her works a double-sided method in her search and expression of Self, a probable result of the recognition and acceptance of the Self's contradictions along with life's absurdity through a series of incidents. Through the wounded body motifs, Hesse not only expresses her mental injury but also tries to find a way to come to terms with the pain. One can find this conflation of contradictory ideas and the search for newer understanding in the following motis also; 1. The expression of both the lack and abundance of the female body motifs for a better understanding of the female self. 2. The penetrating and bonding powers of the string motif to delve into the contradictions of human relationships. 3. Mixing contrasting abstract forms to depict the absurdity of life. Hesse's abstract forms of geometric shapes depict her personal experience and autobiographical understanding of life by implicit association with the human form. Hesse's methods open the possibility of endowing abstract forms with concrete and implied meanings: a post-Minimalistic suggestion that transcends the rational, clear-headed depiction of life advocated by Minimalist. The sublimation of pain and injury into Art, the acceptance of Self through the production of the art and the efforts to achieve this all contribute to the distinct quality and significance of Hesse's works.