Kinetic Art에 對한 小考

Abstract

키네틱 아트는 現代의 進步된 機械와 技術을 積極 使用하는 四次元的인 새로운 藝術形態로서,여러가지 새로운 藝術的 可能性을 內包하고 있다고 본다. 오늘날 酉歐에서는 키네틱 아트와 같이, 機械와 技術에 依한 藝術에 對해서 贊反兩論이 激烈히 對立되고 있는데 우리는 이것을 어떻게 받아들여야 하는가를 생각해 보아야 할 것이다. 그러으로 本人은 이 論文에서 키네틱 아트가 무엇이고, 어떠한 藝術的, 美學的 特徵을 지니고 있는가를 살펴보고, 本人나름의 評價를 내려 보고자 한다. 키네틱 아트는 20세기의 特殊한 文明史的인 背景속에서 나타나게 되었다 . 20세기초에 즈음해서는 産業革命 以後로 發達되기 始作한 機械文明이 急速度로 發展하고 있었고, 1905年에는 Einstein이 時間과 空間은 不可分의 關係에 있다는 相對性原理를 發見했다. 또한 現代 物理學에서는 量子力學, 不確定性原理 等의 새로운 理論들이 나와 微視的 次元에 있어서 모든 物質은 항상 運動狀態에 있다는 事實을 밝혔다. 이리하여 1909年에는 世界의 이러한變化에 影響을 받은 未來主義者들이 20세기의 다이나믹한 性質들을 讚揚하며 새로운 藝術을 宣布하게 되었다. 그들은 作品속에서 다이나믹한 運動을 表現하고자 했으나, 實際運動을 導入하지는 못하고 傳統的인 藝術과 별로 다를바 없는 運動의 再現에 그치고 말았다. 1920年 Naum Gabo는 Pevsner와 함께 "리얼리스트 宣言"을 發表하여, 키네틱 리듬을 實際時間에 對한 知覺의 基本的 形態라고 宣布했고, 같은해에 最初의 키네틱 作品이라 할 " Kinetic Construction " ( 1920 ) 을 製作했다. 以後부터 키네택 아트에 對한 關心과 試圖들이 크게 增加되었으나, 1925年 以後부터는 漸次 줄어들어 Fontana와 Vasarely에 依해 다시 復興될 때까지 한동안 沈滯되어 있었다. 그러나 1956年에서 1965年 사이에는 西歐의 젊은 藝術家들이 그때까지 漫然되었던 타쉬즘을 배격하고 다이나미즘과 非物質性을 追究하면서 키네틱 아트로 轉向하게 되었다. 키네틱 아트는 4가지 類型으로 나눌 수 있는데, 첫째, 作品 自體가 움직이는 것, 둘째, 觀客의 運動을 包含하는 것, 셋째, 빛을 包含하는 것, 네째, 觀客의 參與를 包含하는 것들이다. 첫째, 作品을 움직이게 하기 爲해서 많은 作家들이 電氣모터를 使用하며, Takis같은 作家는 磁石을 많이 使用한다. 그리고 Calder와 Riokey와 같이 自然의 大氣를 利用하는 作家도 있다. 둘째, 觀客의 運動을 包含하는 作品은 觀客이 움직임으로 해서 作品에 變化와 움직임이 생기게 하는 作品이다. 세째, 빛을 使用하는 作品들을 방안의 壁이나 스크린위에 비취진 그림자와 色彩의 運動을 보여주거나, 金屬의 表面에 依한 빛의 反射를 보여준다. 또는 光源自體로 空間을 構成하기도 한다. 네째, 觀客의 參與를 包含하는 作品에서는 觀客이 直接 원하는대로 作品을 構成할 수도 있고, G.R. A.V. 의 "迷路"에서처럼 觀客이 作品속에, 들어갈 수도 있다. 이밖에 Haacke 의 作品처럼 自然의 自動的인 變形過程을 보여주는 作品도 있다. 키네틱 作品의 藝術的, 美學的, 特色을 간단히 정리해 보면, 첫째, 대부분의 作品이 機械와 技術을 使用하며, 둘째, 非物質性을 追求하며, 세째, 不規定的 效果를 노리며, 네째, 觀客을 作品에 參與시키려고 積極 努力한다는 点들이다. 키네틱 아트는 運動을 利用하여 物體를 變形시키고 非物質化함으로써 또는 假象的 形態를 만들어서 우리에게 새로운 視覺的, 美的 經驗을 주며, 觀客에 依하여 作品이 變함으로써 觀客을 더욱 能動的으로 作品에 參與하도록 한다. 그러나 지금까지의 키네틱 아트에 있어서의 觀客의 參與는 無意識的이며 無意圖的인 것이기 때문에 대단히 皮相的이고 外形的인데 불과한 것으로, 진정한 美的創造過程에의 參與라고 보기는 어렵다. 키네틱 作家들은 作品에서 自己自身은 排除하려고 하고 그 대신에 觀客과 自然을 끌어 넣는다. 그들의 作品속에서는 人間共有의 어떤 것을 찾아보기가 힘들다. 이러한 事實은 藝術의 傳達能力을 喪失하게 하고 만다. 現在 키네틱 아트와 같은 機械藝術을 反對하는 사람들은 이러한 藝術의 人間性 排除를 놓고 신랄하게 비평하고 있다. 그러나 그렇다고 해서 藝術에서 機械와 技術의 使用을 全的으로 거부한다면 藝術은 결국 時代錯誤的인 藝術이 되고말 것이다. 藝術은 우리의 知覺을 새로운 環境에 適應시키도록 하기 위해서도 時代에 맞는 進步된 機械와 技術을 使用해야 된다. 그러므로 機械와 人間, 藝術과 機械와의 均衡을 유지하는 것이 무엇보다도 重要하게 되며, 이것이 藝術을 非人間化로 부터 구제하는 하나의 길이라고 생각한다.

;Kinetic Art is a new form of art in the 20th century, employing the modern mechanical techniques and technology. Being a new artistic form, Kinetic Art is presumed to have new artistic potentiality. Today, in western countries, two opposite opinions are confronting each other on the aesthetic value of Kinetic Art. In this thesis I am going to study what Kinetic art is and what artistic and aesthetic characters it has, and then try to evaluate it from my own point of view. Kinetic Art appeared, under its particular situation of the 20th century has seen rapid development of the mechanical civilization in the wake of the Industrial Revolution. In 1905 Einstein discovered the theory of relativity that time and space are inseparably related to each other. Besides, in modern physics, new theories such as quantum mechanics and the Uncertainty Principle, discovered the fact that the materials in micro-level are always in the condition of motion. These new changes in the world gave a strong influence to "Futurists" in 1909 who proclaimed a new art advocating the dynamical characters of the 20th century and tried to express the motion into their works. Their hard trials and efforts, however, had seen no much progress made in techniques expressing the motion in a way different from the traditional. They did not introduce the real motion into their works. In 1920 Nam Gabo published "The Realist Manifesto" with Pevsner, in which he affirmed the kinetic rhythms should be recognized as the basic forms of our perception of real time. In the same year Gabo created the first kinetic work, "Kinetic Construction" (1920). From then, artists showed keen interests in the Kinetic Art, which was culminated around 1925. It was in post World-War II that the Kinetic Art was revived, by Fontana and Vasarely. And between 1956 and 1965 young artists in Western Europe reacted to Tachist painting and went to the Kineticism in pursuance of the dynamism and immateriality. Kinetic Works can be grouped into four types: (1) works which move; (2) works involving movement on the part of spectators; (3) works involving light; (4) works involving participation of spectators. (1) For works which move, many artists use electric motors and other artists like Takis employ the magnets. (2) Works involving spectator's movement are static works that appear to move or change at movement of spectators. (3) Works involving light shew the motion of shadows and colors reflected on walls of a room or screen, or show the reflection on the polished metal surface by the light. Some works construct the space with light-source itself, with no projection. (4) In the works involving spectator's participation, spectator can construct and rearrange the works as he wants, and enter into it like in. "Labyrinth" of G. R. A. V. Apart, from these four types, it should be also noted that there are works like Haacke's which show automatic transformation processes of the nature. In these works, we can find four artistic and esthetic features. That is, most artists use advanced mechanism and technology; pursue the immateriality; prefer the random effects demand participation of spectator. Kinetic Art, gives us new visual and esthetic experiences such as transformation and dematerialization of object and virtual form through the real motion. And it has possibilities of accomodating more active participations of spectators, because it, can be changed by spectators. So far Kinetic Art has exploited the unconscious, involuntary and accidental participation of spectators. Therefore it can be hardly regarded as the real participation in the process of esthetic creation. Kinetic artists try to exclude themselves from their works, instead draw the spectators and the nature into their works, and no common human element is involved in them. This makes art incommunicable. Art of machine and technology is severely criticized because of this dehummanization. Should all machine and technology be rejected, art would become anachronistic. Futhermore, for the adaption of our perception to the new environments, new mechanical and technological means are required. Therefore, balance between machine and human being, technology and art should be regarded as a basic element to art and its survival.